jueves, 8 de marzo de 2012

Morisot, mujer "chic"



Retrato de Berthe Morisot recostada (1873), por Édouard Manet, en el Musée Marmottan Monet, París.

Muchas actividades de una profesora de historia del arte en activo pueden ser satisfactorias, agradables e incluso necesarias.


Conocer la obra artística de B. Morisot fue el inicio de una admiración por el arte que hoy sigue siendo parte de mí.
A propósito de la celebración del día de la mujer el comentario me lleva casi sin darme cuenta a la obra de las pintoras impresionistas,aunque dentro del movimiento impresionista la presencia de las mujeres fue casi ignorada por los críticos de arte y no del todo considerada por el resto del grupo. Pero sería injusto dejar de lado la presencia de verdaderas artistas como Berthe Morisot, Mary Cassat, Marie Bracquemond y Eva Gonzales.
La primera exposición impresionista fue en 1874 y ya en ella encontramos la presencia de Berthe Morisot

La obra de Berthe Morisot contiene escenas intimistas ,el cuadro titulado “La cuna” (1872-Museo de Orsay), nos deja ver un mundo sereno.


La Cuna, sin duda alguna, el cuadro más famoso de Berthe Morisot, fue pintado en 1872, en París. La artista representa en él a una de sus hermanas, Edma, velando por el sueño de su hija, Blanche. Es la primera aparición de una imagen de maternidad en la obra de Morisot.

Como otros pintores del grupo mostró preferencia por los visillos de muselina o gasa, que actuaban como filtro transparente para la luz del sol, tan importante en estas pinturas.



Sus mujeres se distinguían por tener un cierto aire “chic” parisino, dado que ella misma era cuidadosa de su persona y coqueta.
Los detalles de la vestimenta no fueron olvidados ni aún en las escenas de exteriores, donde hasta el vuelo de las cintas de un sombrero daban el toque personal a sus obras.




RETRATO DE BERTHE MORISOT


Morisot fue alumna de Corot y cuñada de Manet.
Sus cuadros son íntimos y captan el silencio de los interiores dejando sentir la ternura de sus personajes anticipando el arte de Vuillard y Bonnard


EL ESPEJO


En la obra de Morisot, EL ESPEJO, los tonos claros dan al interior una luminosidad difusa y dejan entre los objetos, las telas y el espejo una trama de relaciones psicológicas.

Berthe Morisot (Bourges,1841-París,1895) nunca ha sido debidamente valorada entre los grandes exponentes del Impresionismo, sin duda por la falta de un conocimiento de su obra.
Pero su arte resuelto, delicado y vigoroso a la vez, es de una modernidad manifiesta. Pudo influir en ello el hecho de que fuera mujer, en un mundo del arte reservado tradicionalmente para los varones. En este sentido, hay que reconocer que el papel creativo de las mujeres fue durante mucho tiempo limitado, al ser excluidas de las Academias de Bellas Artes por hombres que preferían verlas en un mundo alejado de la práctica profesional de las artes. Pero lo cierto es que Monet, Pisarro, Renoir y demás, fueron conscientes de la valía de Morisot, quien, como recordara Pisarro en 1895, fue una "gran mujer de extraordinario talento que honró a nuestro grupo impresionista". Renoir, que la conocía bien, alabó también sus cualidades, y Manet, su mejor amigo y colaborador, sintió verdadera admiración por su libertad de experimentación.

miércoles, 15 de febrero de 2012

Viaje por el mundo fantástico de Chagall

El universo infantil que descubrimos en las obras de Chagall es de admirar y así lo hacemos.



EL CUMPLEAÑOS


Contemplando la obra de este pintor se puede descubrir una simple localidad rural de la rusia profunda transformada en un cuento de hadas en el que los habitantes vuelan, cabalgan gallos gigantes y hay un auténtico batallón de animales de granja que se trasmutan.



LA VIRGEN DE LA ALDEA


En la exposición del museo Thyssen se puede ver reflejada la trayectoria de Marc Chagall,uno de los artistas más destacados del siglo XX;
El artista es un creador singular, con un estilo inconfundible.

Los recién casados de la Torre Eiffel



EL VIOLINISTA


El recorrido de la exposición sigue un orden cronológico:
la primera parte, "El camino de la poesía", transcurre por las salas de Museo Thyssen desde los inicios de su obra en Rusia y sus primeros años en París hasta su exilio forzoso en Estados Unidos, incluyendo su experiencia en la Rusa Revolucionaria y su regreso a Francia en 1920.


En la segunda,en las salas de Caja Madrid vemos "El gran juego del color", se puede ver su evolución artística posterior a 1950, con otros asuntos que centraron el interés del artista en las últimas décadas, como la Biblia o el Circo, su relación con los poetas contemporáneos y su producción escultórica y cerámica.

veinte museos de todo el mundo, junto a un gran número de colecciones particulares, han cedido parte de sus fondos, el Kunstmuseum de Berna,El MoMA y el Guggenheim de Nueva York, la Kunsthaus de Zürich, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el Tel Aviv Museum of Art, la Tate Modern de Londres,el Centre Pompidou de París…



Marc Chagall de estilo expresivo y colorista,estuvo muy vinculado a sus experiencias vitales y a las tradiciones religiosas y populares de la comunidad judía rusa.

En la obra de Chagall hay una interesante combinación de elementos de la vanguardia cubista, del fauvismo y del orfismo de Robert Delaunay, para crear un estilo muy personal y difícil de clasificar, surrealismo trascendente.


ADÁN Y EVA 1912

Resulta fascinante su técnica y forma de manejar el óleo ; Existen vibraciones de distintas intensidades, sus azules, verdes, rojos o amarillos llegan a emocionar.


Desde Rusia (Vitebsk, 1887)donde nació a su patria de acogida, Francia (Saint-Paul de Vence, 1985) paseó por las más importantes vanguardias... expresionista, surrealista, fauvista, algo cubista y nada impresionista, pero sobre todo fue él mismo.

video de la exposición

sábado, 28 de enero de 2012

Elogio del individuo


Cuando empecé a leer el libro de Tzvetan Todorov, Elogio del individuo. No podía imaginar que estudiar los retratos del siglo XV en Flandes, entonces vinculado al importante Ducado de Borgoña, iba a ser tan apasionante.
En Flandes se puede decir que surgió la recuperación del retrato, un género olvidado durante la Edad Media Y este fenómeno habría que relacionarlo con la búsqueda de todo aquello que llevara al artista a la representación de la naturaleza perceptible a través de los sentidos y también con la preocupación por el hombre, lo que conocemos como la corriente del humanismo.
No puede haber ninguna duda de que Jan Van Eyck es el pintor más importante de Flandes en el siglo XV, y el que tratará el género del retrato de una manera insuperable, posiblemente por esa sensibilidad que muestra en el tratamiento de la luz.


El cuadro del "Hombre del turbante rojo", de 1433 que está en la National Gallery de Londres, para muchos historiadores del Arte puede que se trate de un autorretrato de Jan.
Lo importante de esta obra es que marcó un estilo de retrato ya que a partir de aquí los retratistas flamencos realizarán sus retratos colocando a los personajes de tres cuartos y estableciendo lo que podríamos considerar como un diálogo con el espectador.
El hombre nos mira directamente a los ojos, y esa será, con el tiempo, una de las características del autorretrato. Esa mirada se queda fija en el espectador, ese rostro permanece en la retina del que lo observa por un largo tiempo.
Pero lo que realmente resulta fascinante es cuando uno llega a la National Gallery de Londres y encuentra este cuadrito. Es poco mayor que una mano, y sin embargo está lleno de detalles que le dan un individualismo insuperable.

Pienso que quizá nunca llegaremos a tener la certeza de quién es el verdadero hombre del retrato que cuelga de la National Gallery, pero de lo que sí estoy segura es que despertará el misterio a todos aquellos que lo vean, y ese misterio perdurará.
Muchos artistas han puesto su mirada en la obra de Jan van Eyck y han intentado reflejar con certeza el tratamiento del turbante rojo como un elemento imprescindible para dar elegancia a los retratados…

"Retrato de hombre" (1400-1410) National Gallery, Londres.

Y si Picasso mirara este retrato…me gustaría saber su opinión

miércoles, 18 de enero de 2012

Alphonse Mucha. Seducción, modernidad y utopía.



Cartel para un anuncio de jabones


Las cuatro estaciones



Alphonse Mucha (1860-1939) fue un artista de origen checo,aunque su obra la desarrolló en Paris. Creador y divulgador del estilo Art Nouveau, pionero en la aplicación del arte a la publicidad y uno de los padres del diseño gráfico moderno.
Sus carteles y pinturas causaron admiración en París y fue imitado por muchos artistas. Sus elaboradas composiciones ponen en juego elementos teatrales y alegóricos, y crean una atmósfera de misterio cercana a la poética del simbolismo.
En la exposición de este artista en CaixaForum de Madrid (museo perteneciente a la obra social de la caixa)que pudimos disfrutar durante el año 2008 vimos una colección de unas 200 piezas artísticas de todas las disciplinas que cultivó el autor y que iban desde carteles, litografías, fotografías, pinturas, joyería, sellos, postales e incluso la decoración de las tapas de las cajas de galletas y bombones. Se presentaban todas las facetas del arte de Alphonse Mucha a partir de cuatro grandes temas fundamentales -teatro, belleza, misterio y modernidad-, y también se prestaba atención a otros cuatro aspectos particulares que permiten comprender mejor el alcance de su obra: la metrópolis como escenario; la fotografía como medio y como arte; la epopeya eslava, una visión, y la difusión del «estilo Mucha», para el que se toma como ejemplo el modernismo en Madrid y Barcelona.

Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos neoclásicos, rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas.



Jarolava

El mismo declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial.


Siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran el arte y su lugar de nacimiento. Mucha visitó los Estados Unidos entre 1906 y 1910, retornando luego a tierras checas para establecerse en Praga, donde decoró el Teatro de Bellas Artes.

Cuando Checoslovaquia obtuvo la independencia, tras la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó sellos postales, billetes de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos años trabajando en La Épica Eslava (una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos) que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928.


Mucha siempre quiso completar esta serie, pero con el estallido de la Segunda Guerra Mundial fue arrestado e interrogado por los ocupantes alemanes. Nunca se recuperó de la tensión de este episodio, ni de ver su hogar invadido y vencido. Murió en Praga el 14 de julio de 1939 a consecuencia de una pulmonía y allí fue enterrado, en el cementerio de Vysehrad.
Su última pintura fue El juramento de unión de los eslavos.
Al tiempo de su muerte, el estilo de Mucha se consideraba ya pasado de moda, pero el interés por su arte revivió en la década de 1960, y continúa experimentando interés.
Gran parte del interés en el trabajo de Mucha puede ser atribuido a su hijo, el autor Jiri Mucha, quien escribió extensamente sobre su padre.

Alphonse Mucha

Y aquí os dejo un tributo a Mucha (hacer clic aquí)

lunes, 5 de diciembre de 2011

Porcelanas en el palacio de Aranjuez



La creación de las reales fábricas en los países europeos en el siglo XVIII fue principalmente por motivos económicos, para evitar las importaciones de objetos de lujo procedentes principalmente de Asia.
Por otra parte, estas manufacturas se crearon también, bajo el impulso de las monarquías, para dotar a los palacios de decoraciones y objetos de uso de la mayor lujo y suntuosidad.
España no fue una excepción en este sentido y durante el siglo de las Luces, se fundaron diferentes fábricas que se instalaron en su mayoría en Madrid o sus proximidades.
Este centralismo se explica por la política de los Borbones y el deseo de que las fábricas estuvieranpróximas a los palacios donde ellos iban a vivir.
Estas reales fábricas eran también muy interesantes por las innovaciones técnicas que utilizaban y por supuesto por la voluntad de modernizar la gestión administrativa y económica de las mismas.
De esta manera se crearon en nuestro país la Real Fábrica de Cristal de La Granja de San Ildefonso (Segovia), el Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro, la Real Fábrica de tapices de Santa Bárbara en Madrid o la Real Fábrica de Porcelana del Buen Retiro,que en este trabajo voy a darle una importancia especial.

La Real Fábrica de Porcelana del Buen Retiro fue creada por Carlos III en 1759 en el parque madrileño del Buen Retiro.
Los antecedentes de esta fábrica los encontramos enla fábrica de Capodimonte de Nápoles creada también por Carlos III, por entonces rey de Nápoles, en 1743.
Al acceder al trono como Carlos III de España en 1759, el monarca se llevó a
Madrid materiales, diseños, moldes y hasta operarios de la fábrica napolitana. Eso explica que en un primer momento la producción madrileña fuera muy parecida a la de Capodimonte

La producción de la real fábrica se puede dividir en tres etapas en función de la naturaleza de las pastas utilizadas así como de los estilos decorativos, que fueron
cambiando conforme al gusto y moda de la época.
Primera etapa: de 1760 a 1783
La fábrica fue dirigida de 1760 a 1781 por Juan Tomás Bonicelli que desempeñaba el mismo puesto en Capodimonte, y de 1781 a 1797 por su hijo Domingo Bonicelli. Las piezas son de porcelana tierna, es decir que no llevan caolín en la composición de la pasta.
Se siguen modelos fabricados en Capodimonte de estilo barroco que irá dejando espacio con el tiempo al rococó presente sobre todo en las piezas de vajilla (motivos vegetales y de rocallas, formas asimétricas
y líneas curvas caprichosas).
De este periodo,es la sala de Porcelana del Palacio de Aranjuez.



También en etapa la real fábrica hizo la del Palacio Real de Madrid.
Hay que destacar igualmente la figura del director del Obrador de pasta que correspondió a Cayetano Schepers y a su hijo Carlos Schepers.


La Sala de Porcelana de Aranjuez costó 571.555 reales, y constituye, junto con la Sala del Palacio Real de Madrid, una de las obras más importantes del Buen Retiro.




Fue una de las primeras realizaciones que llevó a cabo la Fábrica; la marca de la manufactura, situada en un zócalo, nos lo muestra: «Joseph Gricci delineavit et sculpsit 1763»; es decir, la estancia se comenzó en el año 1763, primera etapa de la Fábrica, por José Gricci, director por aquel entonces de la misma, y se terminó en 1765.




Los tipos chinos de las composiciones están tomados de las pinturas hechas por Boucher para Luis XV, y ofrecen, con todo detalle, la calidad de las indumentarias chinas.



El conjunto está realizado con gran riqueza de policromía, destacando el oro, negro, azul intenso, rosa púrpura y una completa gama de ocres. Posiblemente, los autores fueron los hermanos Bautista de la Torre y Jenaro Boltri (1764). Sí podemos asegurar que fue una de las primeras obras de la recién fundada fábrica, realizada con pastas y moldes italianos y enmarcada dentro del gusto y del estilo rococó francés.

En el inventario del Palacio de Aranjuez de 1843 (A.G.P. Secc. Admón. Leg/770) se describe esta sala de la siguiente manera:«Pieza Nº 13. Están vestidas las paredes y techo de china con diferentes figuras y adornos de varios colores de lo mismo. Catorce candelabros distribuidos en la pieza de dos y tres mecheros, también de china. Y cuatro rinconeras en sus ochavas. El pavimento está cubierto de mármol de diferentes piezas y dibujos en colores verdes, amarillo, encarnado y blanco.

Para realizar este trabajo he utilizado esta bibliografía:


Junquera, P. y Ruiz Alcón, M. T., Guía del Palacio Real de Aranjuez. P. 44-53. (Ésta ofrece una selección bibliográfica, actualizada, sobre el Palacio de Aranjuez y sus obras).

Sánchez Beltrán, M. J., Reales Sitios Nº 94. P. 49-56.


Sobre la fábrica de porcelana es interesante saber que era llamada vulgarmente por los madrileños como "la China", durante la invasión francesa de 1808 se convirtió en centro de operaciones del ejército de Murat. Para tal efecto, la fábrica fue fortificada mediante tres líneas de defensa, entre las que destacaba un sistema de bastiones en forma de estrella que rodeaba al edificio.





Cuando en octubre de 1812 entraron en Madrid las tropas británicas al mando del General Hill, tomaron el lugar destruyendo las fortificaciones y volando la fábrica. Su lugar lo ocupa hoy la glorieta del Ángel Caído.

domingo, 30 de octubre de 2011

“Joven desnudo frente al mar” de HIPPOLYTE FLANDRIN (1836)


Una elegante línea geométrica formada con el perfil de este joven desnudo se recorta sobre el mar sin separarse espiritualmente de él.

Aquí no hay contemplación de la naturaleza sino recogimiento y compenetración con ella.
El muchacho, recogido sobre sí mismo, parece transmitir su deseo de cerrarse al mundo exterior.
La desnudez acentúa la sensación de que está en profundo contacto con el mundo que le rodea y a la vez le permite concentrarse y escuchar su voz interior.
Esta obra de Hippolyte Flandrin deja ver la influencia de su maestro Ingres en la perfección formal del desnudo. Pero este artista poseía un genio personal que podía dejar ver la capacidad de transmitir la desazón del joven.
En infinita soledad, a orillas del mar, se puede sentir la necesidad de superar ese mar y advertir la ausencia de cualquier tipo de vida, aunque oigamos el rumor de las olas, el silbido del viento y el movimiento de las nubes…


Retrato del autor con acompañante

viernes, 14 de octubre de 2011

Las logias de Rafael en la decoración europea del s.XVIII


En julio de 2008 se desarrolló un curso en la Universidad de verano en Aranjuez sobre La Real Casa del Labrador,doscientos años después, al que asistí.
La profesora emérita de la Université Libre de Bruxelles, NICOLE DACOS CRIFÓ trató un tema apasionante en el mundo del arte renacentista: revivir el mundo clásico en la pintura del siglo XVI.
Desarrolló una clase sobre el pintor Rafael y como encontró este la inspiración en el Domus Aurea de Nerón para crear sus loggias.


Estas logias muestran un mundo idealizado donde el artista mezcla todos los elementos que tiene ante él y en su interior y el resultado es un arte decorativo que va a ser difundido durante los siglos siguientes, pero que alcanzará su máximo interés cuando los grabados de Ottaviani y Volpato lo difundan a través de sus grabados de color.


Este repertorio ornamental se había aplicado en algunos palacios de las principales Cortes europeas.




Y en la Real Casa del Labrador de Aranjuez se hicieron trabajos por parte de Antonio Marzal y sus colaboradores, entre 1800 y 1803, en el retrete del rey Carlos IV; siguiendo el estilo de las logias de Rafael en el Vaticano.