LORENZO LOTTO (1480-1556)

A Lorenzo Lotto hay que considerarlo como uno de los pintores más complejos del Renacimiento. Tuvo una vida solitaria, y vivió en diferentes lugares.
Este pintor tuvo una trayectoria artística y humana como una espina clavada en el corazón del Renacimiento.
Gracias a Bernard Berenson descubrimos a este pintor veneciano. En su monografía sobre Lotto, publicada en 1895, Berenson nos descubrió el arte de este pintor que pareciera no haber existido nunca.
Nació en Venezia hacia 1480. Es aproximadamente tres años menor que Giorgione y alrededor de diez años mayor que Tiziano.
Sabemos quehacia 1498 se encontraba ya en Treviso.
Después, Bergamo, Ancona, Recanati y Roma …son algunas de las ciudades en las que vivió.. Dicen que era difícil relacionarse con él pero encontró desahogo y compañía en una especie de diario que escribe entre 1538 y 1553. El Libro di spese diverse donde sólo nos revela sus modestos gastos y precarios ingresos.
Un día de la primavera de 1549,el viejo Lotto subastó en una calle de Venecia las pocas cosas que le quedaban…
Al final de su vida él volvió a Venecia, lo que suponía un desafío, ya que allí sólo iba a encontrar la indiferencia del público y la hostilidad del entorno de Tiziano. En más de veinte años sólo pintó tres obras para las iglesias de Venecia que no tuvieron mucha aceptación.
Al abandonar Venecia, después de desprenderse de sus pocas pertenencias llamó a la puerta del convento de Loreto y allí se apagó su vida.




De 1505 es este retrato de hombre joven (Kunsthistorisches Museum, Vienna)
Este retrato pertenece a la primera época de Lotto, posiblemente a los años que estuvo en Treviso.
Los retratos de este pintor son intrigantes y originales. Para mí este retrato tiene un atractivo donde flota la melancolía y la belleza.
La forma de utilizar la luces, los contrastes, las posturas no es banal, el personaje nos muestra una vida interior rica, fascinante e incluso algo atormentada.
Lotto trabajó en este personaje la apariencia sensible con mucha precisión:
- El contraste entre el traje del personaje y el fondo




- El precioso brocado de la tela del fondo



- Y , pequeños detalles, como el candil de la parte superior derecha.




Y por último algo sobre la luz del cuadro:
Los blancos dan al cuadro una luminosidad fría, casi espectral, que profundiza el melancólico misterio del desconocido.

LA MUERTE DE PROCRIS de Piero di Cosimo

Al contemplar esta obra de P. di Cosimo, emana una extraña seducción, posiblemente por ser un tema inusual o por tener un estilo interesante y cautivador.

Este autor vivió de 1462 a 1521 en Florencia y por lo tanto asistió al momento más importante del Renacimiento, es decir, vivió el apogeo de la ciudad bajo el gobierno de Lorenzo el Magnífico y vivió su decadencia.
El tema de este cuadro puede ser un enigma: una mujer semidesnuda, con una herida en el cuello está tendida en un suelo florido y cenagoso.



Un fauno la obseva y se inclina sobre ella, y un perro vela a la mujer, sentado a sus pies.



Parece un amanecer...

Es muy probable que se trate de una leyenda antigua contada por el poeta romano Ovidio en sus "Metamorfosis": LA MUERTE DE PROCRIS.

Es un relato triste sobre la sospecha de celos que destruye la felicidad de una pareja: Céfalo y Procris

Céfalo, un día se difrazó para comprobar la fidelidad de su esposa y cuando ésta estaba a punto de sucumbir, él se dió a conocer y Procris avergonzada huyó al bosque a pedir ayuda a la diosa Diana.
Céfalo, arrepentido de lo que había hecho la pidió perdón pero ella era ahora la que sentía celos y le siguió hasta el bosque, cuando este iba de cacería, pero la mala fortuna hizo que Céfalo la hiriera con una flecha, confndiéndola con una presa..
Céfalo no aparece en el cuadro pero si aparece el perro Laelops que le regaló Diana a Procris y que es el símbolo de la fidelidad.

La leyenda está pintada en una tabla de una medidas extrañas: 65 centímetrospor 183 centímetros, lo que hace suponer que sería el frente de un arca nupcial ("cassone")
Estas arcas alargadas formaban parte de las dotes nupciales y eran colocadas a los pies de las camas matrimoniales.



El paisaje de este cuadro es de un aire melancólico con un cielo incierto y sin las líneas de fuga, propias de una perspectiva renacentista.

Es un espacio sin límites.

El fauno o sátiro que se inclina hacia Procris,no es mencionado por Ovidio, pero el pintor lo introduce con un aire de sensibilidad sin olvidar el elemento salvaje




Deberíamos reflexionar ante esta obra y tratar de entender el mensaje de un reino de fantasía que puede enlazar con la realidad.

REINA LA SOLEDAD BAJO EL PARAGUAS

Una encrucijada de calles de París en una tarde de invierno: avenidas anchas, grandes perspectivas, fachadas uniformes de las casas…es el París de hoy.
En 1964 el Art Institute de Chicago compró este cuadro:




“Calle de París en un día de lluvia”, GUSTAVE CAILLEBOTTE (1877)

Caillebotte hace un enfoque casi fotográfico con una composición marcada por una complicada perspectiva, característica constante en sus primeras obras.
Zola, quien apreciaba bastante a Caillebotte, la describía como "una pintura antiartística, limpia, helada y burguesa, a fuerza de exactitud."
Caillebotte usa colores planos y el efecto de foto tan realístico del cuadro le da una característica de un aspecto moderno, casi similar a la obra del pintor estadounidense de estilo realista Edward Hopper.



El título del cuadro alude a una calle de París, sin embargo se ven varias. La que diascurre desde el primer término hasta el fondodel cuadro es la rue Turin; de izquierda a derecha la atraviesa la rue Moscou, a la que va a parar desde atrás la rue Clapeyron. El cruce de estas calles se llama actualamente plaza de Dublín y se encuentra cerca de la estación ferroviaria de Saint- Lazare.
Este plan urbanístico era obra del barón George Eugène Haussmann por encargo de Napoleón III que deseaba que desapareciera el centro medieval, con sus callejuelas estrechas y edificios húmedos que resultaban insalubres . El emperador quería cambiar las condiciones de vida de París y por eso le encargó a Haussmann que se “pusiera en marcha”.
Este ambicioso plan urbanístico favoreció a muchos empresarios y banqueros y el padre de Caillebotte fue uno de ellos.
Las normas de construcción eran unitarias y en la pintura de Caillebotte se puede contemplar que las calle eran amplias y conducían a una plaza presidida por algún edificio importante.
Caillebotte eligió un ángulo visual que le permitió hacer una pintura casi geométrica.



Las figuras principales trasmiten distancia y discreción




Miran de reojo en lugar de observar al hombre que se aproxima y que inevitablemente tiene que apartar el paraguas para no chocar con ellos.

Esta es la más famosa y ambiciosa obra de Caillebotte, expuesta en la Tercera Exposición Impresionista en la Rue Le Peletier, donde no fue bien recibida por la crítica en general.
L'Évenement comentó que "el dibujo es de cierta calidad, pero Caillebotte parece haber olvidado incluir la lluvia".
Es una de las mejores representaciones del París del siglo XIX.

Las mujeres inmateriales de Utamaro

Cuando llegaron a Europa a finales del siglo XIX las obras de Kitagawa Utamaro, ejercieron una gran influencia en otros pintores japoneses del estilo ukiyo-e, como Ando Hiroshige.
Los impresionistas fueron los primeros en admirarlas, y más tarde muchas de las primeras vanguardias del siglo XX se inspiraron en ellas.
Entre las mejores realizaciones de Kitagawa Utamaro se encuentra el álbum titulado Doce vistas de fisonomías de bellas mujeres (1803).Representan escenas de teatro, actores y prostitutas del famoso Yoshiwara, el barrio de placer de Tokio.
Sus bellezas femeninas, casi siempre de medio busto, son, en particular representaciones idealizadas, inmateriales, ejecutadas con colores planos y con un dibujo muy expresivo, el tipo de estampas más características del estilo ukiyo-e.




Kitagawa Utamaro es uno de los pintores japoneses más conocidos y valorados en Occidente, representante destacado del movimiento Ukiyo-e, que dominó el arte japonés de los siglos XVII al XIX.

Se formó en Edo, hoy Tokio, con Toriyama Sekien, artista de la escuela Kano.
La fama le llegó en 1788, con dos álbumes de xilografías titulados, respectivamente, El libro de los insectos y El poema de la almohada.





Una gran belleza compositiva domina el cuadro.
Está realizado con tinta china y pigmentos sobre papel de arroz. Es de suma sutileza, de gran preciosismo...

Juan Muñoz y el espejo constante

En 1953, en Madrid, nació Juan Muñoz.
Estudió arte en Inglaterra, allí conoció a su esposa, Cristina Iglesias, también escultora, con quien tuvo dos hijos.
Continuó sus estudios en Nueva York, con una beca Fulbright y en la ciudad de N.Y. coincide con Richard Serra y trabaja como asistente del escultor Mario Merz.
Fué Premio Nacional de las Artes Plásticas en 2000,y es el primer español que ocupa y transforma la Sala de Turbinas de la Tate Modern londinense.
Su muerte fue prematura , en Ibiza, durante unas vacaciones, cuando tenía48 años.
La exposición en el Reina Sofía es de esculturas, dibujos, instalaciones, , 'ingenios'...que se reparten por diferentes espacios del museo, favoreciendo la teatralidad de la muestra, y llenando de magia e imágenes inquietantes los rincones del Reina Sofía.


Obra: 'Two Seated on the Wall', 2000




Una de las obras más conocida s de Juan Muñoz y quizá una de las más ambiciosas es 'Many times', MUCHAS VECES (1999).




Esta obra ocupa una sala completa, está formada por cien figuras con unos rostros y unas expresiones similares: tienen rasgos asiáticos y sonríen con cara de bondad.
Solamente sus posturas los hacen distintos y apuntan un movimiento dentro de la quietud que casi provocan los visitantes
Pasear entre ellos provoca sensaciones extrañas: los visitantes a la sala invadimos el espacio de las figuras, de forma hasta grosera, Los hombrecitos permanecen impertérritos y sus ojos nunca miran al espectador.






Por otro lado, los espejos aparecen con frecuencia en la obra de Juan Muñoz,






veía en ellos una forma de expresar alteridad: el espectador se refleja en la obra, pasa a formar parte de ella, sin que la figura que la protagoniza se inmute o salga de su ensimismamiento.




Gracias, Mangeles, por el sábado tan bonito que nos preparaste.
Quizá el espejo sea el símbolo del reflejo constante de nuestro aprecio y admiración

POP ART y fin de curso

Cuando llega el final de curso son muchas las ideas, momentos, satisfacciones, disgustos…que se acumulan en las carpetas.
Y todos estos acontecimientos y conflictos se mezclan y dan lugar a un gran panel de imágenes comparables a una obra de arte pop





El Arte Pop posee una serie de aspectos que remiten a la cultura popular, su iconografía se alimenta de los elementos del mundo cotidiano, de imágenes que proceden de los comics, de las revistas o de los periódicos y también de la fotografía, del cine y la televisión.
En la historia del Arte el POP sale a escena acompañado de una serie de acontecimientos sociales relacionados directamente con las inquietudes que estaban dejando sentir el deseo de muchos jóvenes artistas y otros no tanto, pero que con su experiencia iban aportando lo que realmente enriquece al mundo del arte.




Fue a mediados de los años sesenta, cuando el movimiento estudiantil expandió sus críticas del sistema universitario a la sociedad de Alemania Occidental, surge así una ola de entusiasmo por el pop que arrasó a la República Federal.


La idea del pop que atraía casi mágicamente a la gente no se refería únicamente al nuevo arte acuñado por Warhol, Lichtenstein y Wesselmann, entre otros; tenía que ver también con la música de rock, el arte del póster, el culto a la rebeldía y los hippies, las drogas y, en general, cualquier manifestación de la "subcultura" y lo "subterráneo".
El pop se convirtió en sinónimo del nuevo estilo de vida de los jóvenes, quizás un estilo
de vida que se rebelaba contra la autoridad y aspiraba a liberarse de las normas impuestas por la sociedad.

La prensa conservadora condenó una vez más la decadencia de la cultura occidental, sin molestarse en investigar si la protesta -política o apolítica- era legítima.
Los críticos de arte preferían aislarse a meditar sobre Kafka y Kandinsky, la literatura experimental y el expresionismo abstracto, y denunciaban entonces al pop art como arte de supermercado, arte kitsch.
Varias ramas de la industria y el comercio se dieron cuenta que todo esto generaba un mercado discográfico, pósters, películas, indumentaria…y advirtieron que el movimiento de los jóvenes creaba necesidades que podían explotarse económicamente.



Los artistas pop exponían mercancías y declaraban que había arte en la producción serial de botellas de Coca-Cola, las estrellas de cine o las tiras de historietas…
La interpretación del pop en tanto arte crítico se vio alimentada en Europa por el hecho de que los artistas europeos de los sesenta, cuyas obras eran expuestas con las del pop norteamericano, desarrollaban un arte orientado a la crítica social.

Hubo un factor crucial en este movimiento y fue la atmósfera antiautoritaria y la adhesión a las teorías culturales de Marcuse.
Una atmósfera que proyecta un aura de crítica social sobre muchos fenómenos culturales que resultan absolutamente diferentes desde la perspectiva actual.
Quizás haber entendido el arte POP nos habrá ayudado a entender el final del siglo XX.

Silvestro Lega y LOS MACCHIAIOLI

Silvestro Lega nacido en Modigliana, Emilia-Romagna, Italia, (1826–1895).
Fue uno de los máximos representantes del movimiento de los macchiaioli, junto con Giovanni Fattori.A medida que los aires del Risorgimento se desarrollaban la carrera artística de Lega se ponía en sintonía con los acontecimiento históricos de su país.
Las frecuentes visitas al Café Michelangelo le sirvieron para contactar con el grupo de los macchiaioli







Este interesante grupo de pintores que realizaban una pintura de mancha,con las luces y las sombras tomadas del natural, enlazando así con el Impresionismo.
Sin embargo, la evolución de Lega iba a ser de una manera muy gradual,trabajando en un primer momento en cierto claroscuro romántico.
En 1861 iniciará su pintura al aire libre, uniéndose definitivamente al grupo aunque sus obras recuerden al Quattrocento en algunos aspectos.
El concepto de "mancha", luz y color en el que se basó la pintura de los "macchiaioli" tiene un buen exponente en esta obra de Silvestro Lega
LA PÉRGOLA,1868,

...donde una tupida pérgola o toldo protege a un grupo de mujeres del calor de verano y en la atmósfera podemos sentir que el bochorno de verano envuelve y empaña la tarde.
Es una de las obras con más armonía cromática que podemos contemplar en la Historia del Arte y esta pintura puede relacionarse directamente con lo que sucedía en esos mismos años a orillas del Sena, en el naciente grupo de los impresionistas.


En EL CANTO DEL ESTORNINO(18679


(El Canto del Estornino. Florencia, Palacio Pitti)

Vemos una refinada prueba del intimismo lírico y amable de Silvestro Lega.
Siempre atento a captar, en el desarrollo cotidiano y sereno de la vida, pequeños momentos de emoción.