Anunciación y Encarnación (25 de Marzo)

La Anunciación de la Virgen María se celebra el día 25 de marzo, nueve meses antes de la Natividad de Cristo.

Es la celebración del anuncio del nacimiento de Cristo hecho a la Virgen María, como se narra en el Evangelio de San Lucas.

Iconográficamente la Anunciación tiene varias interpretaciones y hay una que merece un aprecio especial, guardada en la Galleria Nazionale de Palermo, me refiero a la que pintó Antonello da Messina alrededor de 1477.

El rostro de la Virgen elude una idealización de carácter místico, es el rostro de una mujer siciliana real, con tal realismo que permite recrearse en los pequeños detalles.

Llaman la atención las manos de la Virgen, como en un plano de perspectiva distinto del conjunto, aparecen como adelantadas y suspendidas.

El pliegue del velo que cubre a la virgen, es un pliegue que parece una pieza de lencería recién sacada de un baúl.

La figura de María destaca por la piel que contrasta con el velo azul, y, a su vez, el velo azul se destaca sobre un fondo oscuro, dándonos una atmósfera íntima.

Sabemos que es una Virgen por el título de la obra; sin embargo, lo que vemos es una mujer corriente tocada con un paño azul, sin ningún elemento que nos indique que es la Anunciación, pero expresa sentimiento de candor, pudor y emotividad.

No fija sus ojos ni en el libro ni en los que la contemplamos, porque su desconcertante mirada se pierde en el ángulo izquierdo del cuadro.

A pesar del control de los gestos y de la expresión, Antonello presentó en este cuadro su personalísima interpretación del rigor geométrico de Piero della Francesca, simplificando colores y volúmenes al máximo.

No hay ángeles, no hay rayos divinos, no hay trompetas ni oropeles…

Pero llama la atención su mano derecha, ligeramente levantada hacia nosotros, y aunque no nos mire, nos está indicando que nos quedemos en nuestro sitio.

Ella está ahí, leyendo seguramente a la luz de una vela, y nos hace sentir que la hemos interrumpido.

Su mano se convierte en una especie de línea de demarcación: allí está ella en su intimidad, con su libro, y aquí estamos nosotros, extrañamente integrados en su momento;

El acto es el tiempo propio en un espacio codificado, del propio acto de lectura.

Hoy es la fiesta de la Anunciación y de la Encarnación y quien lleva ese nombre (alguien muy cercana a mí) puede que este trabajo le aporte algo más a su significado.

JOSÉ

José
En la historia del arte a José se le representa como un hombre maduro o anciano.
Fueron Mateo y Lucas, evangelistas , los que aportaron algunas noticias sobre el esposo de María y padre adoptivo de Jesús (de ahí viene el apelativo de pp o padre putativo) y le presentan como un hombre justo, descendiente de la estirpe del rey David que vivía en Nazaret y trabajaba como carpintero.
Otros datos de José los encontramos en los evangelios apócrifos, en las creencias y devociones populares y son los que determinan de alguna manera más fácil y sencilla la iconografía sobre José.
La figura de José, anciano, mucho mayor que María responde a la necesidad de resaltar la paternidad divina de Cristo.
Algunos artistas han representado a José en sus obras siguiendo estas características iconográficas, pero una obra de un gran pintor rompió algunos esquemas e introdujo en la historia del arte una imagen de José, la de padre que custodia y protege a María y al Niño a la vez que colabora con un ángel sosteniendo de la forma más sencilla y cotidiana una partitura de música.





CARAVAGGIO en el “Descanso durante la huída a Egipto” nos hace ver un aspecto más poético de la narración bíblica.
Esta magnífica obra de Caravaggio, que se encuentra en la galería Galería Doria Pamphili, Roma, Italia es una muestra de una naturaleza serena completada por una composición en dos escenas
La del ángel y José





En la que podemos apreciar el aspecto poético que aporta la música al descanso al que antes hice mención…
Y…que sin saber con certeza a que fuentes específicas nos podemos referir, si podemos pensar que debe estar relacionado con el Cantar de los Cantares, lo que nos ayuda a encontrar la clave de la lectura de esta obra maravillosa.
Y así nos acercamos a la figura de María y el Niño (segunda escena)





En esta escena Caravaggio nos muestra con una delicia maternal el vencimiento de María ante el cansancio del viaje, apoyando su cabeza en la cabeza de su hijo y aislando la preocupación por un momento disfrutando de la ternura y el cariño.
Los cabellos rojos de María proceden de la figura bíblica de la mujer del Cantar de los Cantares de donde parece que se inspiró Caravaggio.






Muchos padres hoy habrán sentido marcada la obra de José en sus vidas y en sus deseos de protección... aunque estén lejos.

ATALANTA E HIPÓMENES de Guido Reni (1622-1625)

Atalanta, en la mitología griega, fue una heroína reconocida por sus inmejorables habilidades para la caza.
Su padre quería únicamente hijos varones y por eso, al nacer Atalanta, la abandonó en el monte Partenio y pudo sobrevivir gracias a que una osa la cuidó y más tarde unos cazadores la encontraron y decidieron criarla.
Atalanta decidió no casarse y mantenerse virgen para consagrarse a la diosa de la cacería, Artemisa, ya que la caza era su gran pasión.
Como mujer se enfrentó a muchos peligros de los que siempre salía venciendo.
Atalanta al estar consagrada a Artemisa, implicaba que debía mantenerse virgen, y además un oráculo le había afirmado que se convertiría en animal si se casaba. Para evitar cualquier pretendiente, anunció que su esposo sería sólo aquel que lograra vencerla en la carrera, con la condición de que si ella triunfaba, debía matar a su oponente.
A pesar del peligro, muchos lo intentaron pero perecieron, porque era invencible.





Pero apareció un joven que logró vencer a Atalanta. Este joven llamado Hipómenes decidió probar suerte en la carrera para obtener la mano de Atalanta, pero tenía una ventaja y es que llevaba unas manzanas de oro que le había regalado Afrodita, diosa del amor, y que procedían del jardín de las Hespérides, y con ellas la engañó; cada vez que Atalanta le iba a alcanzar, Hipómenes tiraba una de las manzanas, y ella se detenía a recogerla fascinada por su belleza.

Hipómenes pudo vencerla y así obtuvo su mano.
La pareja muy enamorada vivió feliz durante un tiempo, compartiendo sus cacerías y hazañas. En una de estas, los esposos entraron en uno de los santuarios de Zeus, y como estaban muy enamorados se refugiaron y gozaron de su amor. Zeus montó en cólera por el sacrilegio y transformó a la pareja en dos leones.


Aparentemente, los griegos creían que los leones no se cruzaban entre sí, de manera que al convertirlos a ambos en leones, Zeus estaba no sólo quitándoles su condición humana, sino condenándolos a una vida separada. Además de transformarlos en leones, los condenó a tirar del carro de la diosa Cibeles
Esta obra de Guido Reni plantea una versión del tema mitológico . La figura de Atalanta acapara los papeles de atleta, cazadora, orgullosa e independiente.
Guido Reni elige una composición muy compleja pero quizá la más precisa y lograda de su pintura mitológica.
El tema se presta a una interpretación dinámica, pero el pintor eligió en cambio una variante estilística muy refinada que consiste en el cruce de los cuerpos luminosos de los dos contendientes, en gestos contrapuestos sobre el fondo marrón azulado del suelo y un cielo que confunde.
Es como si Guido Reni hubiera multiplicado por dos el efecto logrado por Mirón en su famoso “discóbolo” en el que el escultor lograba transmitir la sensación de energía escogiendo el momento de reposo entre dos movimientos contrapuestos: el impulso hacia atrás con el brazo que sostiene el disco y el cuerpo hacia delante, que marca el movimiento inmediato de lanzar el disco.

Reni, entrecruza el cuerpo de Atalanta inclinado hacia el suelo y pivotando sobre la pierna derecha,



con el de Hipómenes que aprovecha la situación para apretar el ritmo hacia delante pero no puede evitar lanzar una mirada al cuerpo desnudo de su amada.
El rostro de Hipómenes deja ver el gesto astuto del que confía en que la vanidad femenina le hará vencedor.


Sólo los flotantes peplos (paños o velos) dan idea del movimiento en una pintura que expresa un calculado clasicismo que pretendían instaurar los Carracci.

Atalanta , personaje formidable, simboliza la mujer que se rebeló contra todos los esquemas patriarcales de la Grecia Antigua y logró obtener el respeto de sus contemporáneos y es un personaje admirado en todas las épocas.

El nacimiento de la "naturaleza muerta"

Desde el último decenio del siglo XVI, una novedad en la producción artística iba a cambiar el mercado del arte.
Los compradores de obras de arte ya no eran sólo aristócratas, sino ricos burgueses y representantes de las clases que estaban emergiendo como nuevas potencias comerciales.
Por todos estos motivos estaban surgiendo nuevos temas en la pintura en los que la naturaleza, las flores, las frutas, los objetos...tomaban una autonomía en el cuadro que iba a conquistar el nuevo mercado.



Fue Caravaggio el que le dió a un cesto de frutas toda la dignidad que merece.

Gracias a su talento incomparable podríamos considerarlo el verdadero fundador del género de la "naturaleza muerta".
Con una atención intensa al mirar esta obra, podemos descubrir un trabajo minucioso, equilibrado e insuperable...(se conserva en la pinacoteca Ambrosiana de Milán)(http://www.ambrosiana.it/ita/index.asp)
La "naturaleza muerta" se desarrolló por toda Europa, y en España, particularmente Zurbarán y Sanchez Cotán aportaron a este género un gran rigor y un fuerte misticismo.
Esta podía ser una muestra muy significativa de sus obras:


Naturaleza muerta de Francisco de Zurbarán, 1630-1635

La Luz, tenebrista, , contrastada y dura, hace resaltar los objetos sobre un fondo oscuro.El silencio es el máximo protagonista.



Bodegón de caza, hortalizas y frutas de Juan Sánchez Cotán (1602)

En esta composición destaca la sobriedad, se respira un intimismo y una intensidad, que se enfatizan por la luz lateral que produce grandes sombras, creando una ilusión perfecta y realista que harán de la obra de este pintor el prototipo del bodegón español.
Los objetos están colocados en el interior de una alacena y hay: un grupo de dos serines, dos jilgueros y dos gorriones en una caña, tres zanahorias, dos rábanos y un gran cardo blanco cerrando la composición. Y colgados del alfeizar superior: tres limones, siete manzanas, un jilguero, un gorrión y dos perdices rojas.

Y...fuera de España, Sebastián Stoskopff (1597-1657)


Este pintor realizó una interesante variedad de "naturalezas muertas" donde impresiona la refinada elaboración de los objetos de vídrio que se combinan con otros elementos.
Pero...una de las delicadas copas se ha roto, es ya inservible, quizá ilustra el tema de la caducidad de la belleza...

El Arte de la "lectura sentimental"

La sociedad burquesa del siglo XIX cultivaba un tipo de vida emocional que se podría definir en un solo término, EMPFINDSAM, equivalente al calificativo inglés, sentimental.
En este tipo de vida, la lectura tenía un puesto destacado, porque leer significaba identificarse con las emociones que otro había volcado en el papel y permitía explorar y ampliar el potencial emocional.
Las obras de arte reflejaban ese sentimiento.
La lectura llegaba a cautivar hasta el punto de no percatarse de los gestos y la compostura, como se puede apreciar en la obra de Franz Eybl, que representa a una joven leyendo.



El libro parece cortarle la respiración...¿quizá por la emoción?...¿quizá por la empatía?...

El libro, incluso manifiesta un movimiento en la forma de las páginas leídas donde la luz se introduce entre las páginas.
El ambiente que envuelve a la joven es neutro, pasivo, tranquilo...
Sin embargo el interior de la chica se nota agitado, está atrapada por la lectura pero con un rostro ingenuo, encantador, encontrando el equilibrio que se podía ver en las escenas idílicas de la vida cotidiana de la época del Biedermeier
(EL BIEDERMEIER (1810-1860)
"VIRTUDES PRIVADAS, PLACERES HONESTOS")(lo podéis ver en este blog,clasificado en el Romanticismo)

Realmente, mostrar el estado de vida interior de los individuos se convirtió en un gran reto de la pintura del siglo XIX.





Y buscando una figura más ascética y austera aun, quedé sorprendida por la imagen sobria de este cuadro de Adolph Hennig (pintor neoclásico, de la escuela de Leipzig) en el que yo veo un cierto toque de modernidad.


En un fondo monocromo la lectora está aislada de cualquier referente social, cultural o religioso.




El negro de su pelo lacio y con la raya en medio se repite en el libro que sostiene en sus manos, que cruzadas descansan sobre las rodillas dobladas (postura que tantas veces hemos visto en los jóvenes que se acoplan en un rincón de la casa, o en el patio de recreo, o en un parque, cerca de un árbol).
El escote geométrico del vestido refuerza el contraste entre el negro y el color coral, lo que da más fuerza expresiva al color del cuadro.


Todo queda suspendido por la lectura seductora que puede animar a las lectoras y lectores SENTIMENTALES.

El Arte de la "lectura silenciosa"

Los libros que pertenecen a una persona dan una idea de que tipo de persona es.
Cada biblioteca privada es como la autobiografía de su dueño, es el espacio capaz de contar una vida...y en cada libro hay algo de nuestro pasado.
Una persona va creando desde su infancia una biblioteca que ocupa de alguna manera un lugar en la vivienda y donde se vuelca el sentimiento de querer poseer las lecturas y se va identificando con lo que lee.
En el arte occidental, desde la Edad Media hasta la actualidad ha habido muchos artistas que han reflejado en su obra una forma muy especial de amar a los libros a través de representar mujeres leyendo.
Podemos partir de la imagen de la Reina de los Reinos, Leonor de Aquitania.


En la abadía de Fontevrault (Fontevraud-l'Abbaye) hay una representación de la reina Leonor de Aquitania,con un libro abierto entre las manos que podía ser una interpretación de los goces celestiales que se alcanzan al leer en silencio.



Ya en el siglo XV en la representación de la Virgen en la Anunciación de Simone Martini, vemos a una mujer culta y de espíritu, sorprendida por el ángel cuando está leyendo.


La Virgen tiene una actitud defensiva que parece combinar con cierta indiferencia.
Sujeta su manto por debajo de la barbilla (gesto muy común). Y su mano izquierda
sostiene un libro rojo -símbolo de la sabiduría- que sujeta con el pulgar de una forma muy doméstica, para no perder el capítulo que estaba leyendo.
Seguramente es un libro de horas, que a finales de la Edad Media se consideraban devocionarios privados. Estos libros sólo los tenían en los hogares acomodados y también se utilizaban para enseñar a leer a los niños.


María es una figura que representa a una mujer inteligente que practica la "lectura silenciosa"

En la ventana, contemplando serenamente el momento

Mujer ante el espejo (1827)
Autor: Georg Friedrich Kersting


El tema de la ventana como tema autónomo alcanza su plenitud en el Romanticismo.
Especialmente el Círculo de Dresde, en torno a Caspar David Friedrich, alcanzará una gran prosperidad en autores como Dahl y el propio Kersting.
Kersting en esta obra se aparta del misticismo para pintar una escena intimista, de signo costumbrista, al estilo de los holandeses del siglo XVII, como Vermeer.
Esta corriente intimista encarnada por Kersting es la base de la corriente burguesa Biedermeier ,que se impondrá en Dresde a la solitaria visión de Friedrich.
Una serena sensación de calma y simplicidad doméstica llena este pequeño cuadro,que evoca el ritmo de vida de la mujer del siglo XIX.
Este artista, amigo de Caspar David Friedrich,no quería una representación simbólica y por ello se concentró en crear un efecto de delicada intimidad.
La luz de este interior burgués es cálida, procedente en parte de la ventana abierta al paisaje. La mujer está de espaldas y su rostro se refleja en el espejo, mientras se trenza la melena. Es de suponer que va a salir por el vestido que tiene sobre la mesa y sobre todo por el vistoso sombrero amarillo.




Mujer asomada a la ventana, 1822, cuadro para el que toma como modelo a su mujer, Caroline Bommer

En esta obra de Caspar David Friedrich una mujer de espaldas mira al exterior por una ventana que nos deja que intuyamos un paisaje, posiblemente del río Elba con sus orillas de chopos.
Esta imagen de serena tranquilidad, acorde a la meditación de muchos personajes femeninos del romanticismo yo lo veo más allá de un ambiente puramente cotidiano y doméstico.Creo que en el cuadro hay una serie de símbolos religiosos que aluden a la existencia terrenal y la vida eterna.
La luz que ilumina la habitación cerrada es la vida que se ilumina con la luz de Cristo, indicada por la forma de cruz del armazón de la ventana.
Esta obra que fue expuesta en Dresde en 1822, inspiró los versos del Reise-Erinnerungen al poeta alemán Karl de la Motte Fouqué.