color y forma

Elogio del individuo

2012-01-28T18:33:00.004+01:00

Cuando empecé a leer el libro de Tzvetan Todorov, Elogio del individuo. No podía imaginar que estudiar los retratos del siglo XV en Flandes, entonces vinculado al importante Ducado de Borgoña, iba a ser tan apasionante.
En Flandes se puede decir que surgió la recuperación del retrato, un género olvidado durante la Edad Media Y este fenómeno habría que relacionarlo con la búsqueda de todo aquello que llevara al artista a la representación de la naturaleza perceptible a través de los sentidos y también con la preocupación por el hombre, lo que conocemos como la corriente del humanismo.
No puede haber ninguna duda de que Jan Van Eyck es el pintor más importante de Flandes en el siglo XV, y el que tratará el género del retrato de una manera insuperable, posiblemente por esa sensibilidad que muestra en el tratamiento de la luz.

El cuadro del "Hombre del turbante rojo", de 1433 que está en la National Gallery de Londres, para muchos historiadores del Arte puede que se trate de un autorretrato de Jan.
Lo importante de esta obra es que marcó un estilo de retrato ya que a partir de aquí los retratistas flamencos realizarán sus retratos colocando a los personajes de tres cuartos y estableciendo lo que podríamos considerar como un diálogo con el espectador.
El hombre nos mira directamente a los ojos, y esa será, con el tiempo, una de las características del autorretrato. Esa mirada se queda fija en el espectador, ese rostro permanece en la retina del que lo observa por un largo tiempo.
Pero lo que realmente resulta fascinante es cuando uno llega a la National Gallery de Londres y encuentra este cuadrito. Es poco mayor que una mano, y sin embargo está lleno de detalles que le dan un individualismo insuperable.

Pienso que quizá nunca llegaremos a tener la certeza de quién es el verdadero hombre del retrato que cuelga de la National Gallery, pero de lo que sí estoy segura es que despertará el misterio a todos aquellos que lo vean, y ese misterio perdurará.
Muchos artistas han puesto su mirada en la obra de Jan van Eyck y han intentado reflejar con certeza el tratamiento del turbante rojo como un elemento imprescindible para dar elegancia a los retratados…

"Retrato de hombre" (1400-1410) National Gallery, Londres.

Y si Picasso mirara este retrato…me gustaría saber su opinión

Alphonse Mucha. Seducción, modernidad y utopía.

2012-01-18T17:35:00.009+01:00

Cartel para un anuncio de jabones

Las cuatro estaciones

Alphonse Mucha (1860-1939) fue un artista de origen checo,aunque su obra la desarrolló en Paris. Creador y divulgador del estilo Art Nouveau, pionero en la aplicación del arte a la publicidad y uno de los padres del diseño gráfico moderno.
Sus carteles y pinturas causaron admiración en París y fue imitado por muchos artistas. Sus elaboradas composiciones ponen en juego elementos teatrales y alegóricos, y crean una atmósfera de misterio cercana a la poética del simbolismo.
En la exposición de este artista en CaixaForum de Madrid (museo perteneciente a la obra social de la caixa)que pudimos disfrutar durante el año 2008 vimos una colección de unas 200 piezas artísticas de todas las disciplinas que cultivó el autor y que iban desde carteles, litografías, fotografías, pinturas, joyería, sellos, postales e incluso la decoración de las tapas de las cajas de galletas y bombones. Se presentaban todas las facetas del arte de Alphonse Mucha a partir de cuatro grandes temas fundamentales -teatro, belleza, misterio y modernidad-, y también se prestaba atención a otros cuatro aspectos particulares que permiten comprender mejor el alcance de su obra: la metrópolis como escenario; la fotografía como medio y como arte; la epopeya eslava, una visión, y la difusión del «estilo Mucha», para el que se toma como ejemplo el modernismo en Madrid y Barcelona.

Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos neoclásicos, rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas.

Jarolava

El mismo declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial.

Siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran el arte y su lugar de nacimiento. Mucha visitó los Estados Unidos entre 1906 y 1910, retornando luego a tierras checas para establecerse en Praga, donde decoró el Teatro de Bellas Artes.

Cuando Checoslovaquia obtuvo la independencia, tras la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó sellos postales, billetes de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos años trabajando en La Épica Eslava (una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos) que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928.

Mucha siempre quiso completar esta serie, pero con el estallido de la Segunda Guerra Mundial fue arrestado e interrogado por los ocupantes alemanes. Nunca se recuperó de la tensión de este episodio, ni de ver su hogar invadido y vencido. Murió en Praga el 14 de julio de 1939 a consecuencia de una pulmonía y allí fue enterrado, en el cementerio de Vysehrad.
Su última pintura fue El juramento de unión de los eslavos.
Al tiempo de su muerte, el estilo de Mucha se consideraba ya pasado de moda, pero el interés por su arte revivió en la década de 1960, y continúa experimentando interés.
Gran parte del interés en el trabajo de Mucha puede ser atribuido a su hijo, el autor Jiri Mucha, quien escribió extensamente sobre su padre.

Alphonse Mucha

Y aquí os dejo un tributo a Mucha (hacer clic aquí)

Porcelanas en el palacio de Aranjuez

2011-12-05T17:32:00.011+01:00

La creación de las reales fábricas en los países europeos en el siglo XVIII fue principalmente por motivos económicos, para evitar las importaciones de objetos de lujo procedentes principalmente de Asia.
Por otra parte, estas manufacturas se crearon también, bajo el impulso de las monarquías, para dotar a los palacios de decoraciones y objetos de uso de la mayor lujo y suntuosidad.
España no fue una excepción en este sentido y durante el siglo de las Luces, se fundaron diferentes fábricas que se instalaron en su mayoría en Madrid o sus proximidades.
Este centralismo se explica por la política de los Borbones y el deseo de que las fábricas estuvieranpróximas a los palacios donde ellos iban a vivir.
Estas reales fábricas eran también muy interesantes por las innovaciones técnicas que utilizaban y por supuesto por la voluntad de modernizar la gestión administrativa y económica de las mismas.
De esta manera se crearon en nuestro país la Real Fábrica de Cristal de La Granja de San Ildefonso (Segovia), el Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro, la Real Fábrica de tapices de Santa Bárbara en Madrid o la Real Fábrica de Porcelana del Buen Retiro,que en este trabajo voy a darle una importancia especial.

La Real Fábrica de Porcelana del Buen Retiro fue creada por Carlos III en 1759 en el parque madrileño del Buen Retiro.
Los antecedentes de esta fábrica los encontramos enla fábrica de Capodimonte de Nápoles creada también por Carlos III, por entonces rey de Nápoles, en 1743.
Al acceder al trono como Carlos III de España en 1759, el monarca se llevó a
Madrid materiales, diseños, moldes y hasta operarios de la fábrica napolitana. Eso explica que en un primer momento la producción madrileña fuera muy parecida a la de Capodimonte

La producción de la real fábrica se puede dividir en tres etapas en función de la naturaleza de las pastas utilizadas así como de los estilos decorativos, que fueron
cambiando conforme al gusto y moda de la época.
Primera etapa: de 1760 a 1783
La fábrica fue dirigida de 1760 a 1781 por Juan Tomás Bonicelli que desempeñaba el mismo puesto en Capodimonte, y de 1781 a 1797 por su hijo Domingo Bonicelli. Las piezas son de porcelana tierna, es decir que no llevan caolín en la composición de la pasta.
Se siguen modelos fabricados en Capodimonte de estilo barroco que irá dejando espacio con el tiempo al rococó presente sobre todo en las piezas de vajilla (motivos vegetales y de rocallas, formas asimétricas
y líneas curvas caprichosas).
De este periodo,es la sala de Porcelana del Palacio de Aranjuez.

También en etapa la real fábrica hizo la del Palacio Real de Madrid.
Hay que destacar igualmente la figura del director del Obrador de pasta que correspondió a Cayetano Schepers y a su hijo Carlos Schepers.

La Sala de Porcelana de Aranjuez costó 571.555 reales, y constituye, junto con la Sala del Palacio Real de Madrid, una de las obras más importantes del Buen Retiro.

Fue una de las primeras realizaciones que llevó a cabo la Fábrica; la marca de la manufactura, situada en un zócalo, nos lo muestra: «Joseph Gricci delineavit et sculpsit 1763»; es decir, la estancia se comenzó en el año 1763, primera etapa de la Fábrica, por José Gricci, director por aquel entonces de la misma, y se terminó en 1765.

Los tipos chinos de las composiciones están tomados de las pinturas hechas por Boucher para Luis XV, y ofrecen, con todo detalle, la calidad de las indumentarias chinas.

El conjunto está realizado con gran riqueza de policromía, destacando el oro, negro, azul intenso, rosa púrpura y una completa gama de ocres. Posiblemente, los autores fueron los hermanos Bautista de la Torre y Jenaro Boltri (1764). Sí podemos asegurar que fue una de las primeras obras de la recién fundada fábrica, realizada con pastas y moldes italianos y enmarcada dentro del gusto y del estilo rococó francés.

En el inventario del Palacio de Aranjuez de 1843 (A.G.P. Secc. Admón. Leg/770) se describe esta sala de la siguiente manera:«Pieza Nº 13. Están vestidas las paredes y techo de china con diferentes figuras y adornos de varios colores de lo mismo. Catorce candelabros distribuidos en la pieza de dos y tres mecheros, también de china. Y cuatro rinconeras en sus ochavas. El pavimento está cubierto de mármol de diferentes piezas y dibujos en colores verdes, amarillo, encarnado y blanco.

Para realizar este trabajo he utilizado esta bibliografía:

Junquera, P. y Ruiz Alcón, M. T., Guía del Palacio Real de Aranjuez. P. 44-53. (Ésta ofrece una selección bibliográfica, actualizada, sobre el Palacio de Aranjuez y sus obras).

Sánchez Beltrán, M. J., Reales Sitios Nº 94. P. 49-56.

Sobre la fábrica de porcelana es interesante saber que era llamada vulgarmente por los madrileños como "la China", durante la invasión francesa de 1808 se convirtió en centro de operaciones del ejército de Murat. Para tal efecto, la fábrica fue fortificada mediante tres líneas de defensa, entre las que destacaba un sistema de bastiones en forma de estrella que rodeaba al edificio.

Cuando en octubre de 1812 entraron en Madrid las tropas británicas al mando del General Hill, tomaron el lugar destruyendo las fortificaciones y volando la fábrica. Su lugar lo ocupa hoy la glorieta del Ángel Caído.

“Joven desnudo frente al mar” de HIPPOLYTE FLANDRIN (1836)

2011-10-30T20:41:00.005+01:00

Una elegante línea geométrica formada con el perfil de este joven desnudo se recorta sobre el mar sin separarse espiritualmente de él.

Aquí no hay contemplación de la naturaleza sino recogimiento y compenetración con ella.
El muchacho, recogido sobre sí mismo, parece transmitir su deseo de cerrarse al mundo exterior.
La desnudez acentúa la sensación de que está en profundo contacto con el mundo que le rodea y a la vez le permite concentrarse y escuchar su voz interior.
Esta obra de Hippolyte Flandrin deja ver la influencia de su maestro Ingres en la perfección formal del desnudo. Pero este artista poseía un genio personal que podía dejar ver la capacidad de transmitir la desazón del joven.
En infinita soledad, a orillas del mar, se puede sentir la necesidad de superar ese mar y advertir la ausencia de cualquier tipo de vida, aunque oigamos el rumor de las olas, el silbido del viento y el movimiento de las nubes…

Retrato del autor con acompañante

Las logias de Rafael en la decoración europea del s.XVIII

2011-10-14T19:14:00.009+02:00

En julio de 2008 se desarrolló un curso en la Universidad de verano en Aranjuez sobre La Real Casa del Labrador,doscientos años después, al que asistí.
La profesora emérita de la Université Libre de Bruxelles, NICOLE DACOS CRIFÓ trató un tema apasionante en el mundo del arte renacentista: revivir el mundo clásico en la pintura del siglo XVI.
Desarrolló una clase sobre el pintor Rafael y como encontró este la inspiración en el Domus Aurea de Nerón para crear sus loggias.

Estas logias muestran un mundo idealizado donde el artista mezcla todos los elementos que tiene ante él y en su interior y el resultado es un arte decorativo que va a ser difundido durante los siglos siguientes, pero que alcanzará su máximo interés cuando los grabados de Ottaviani y Volpato lo difundan a través de sus grabados de color.

Este repertorio ornamental se había aplicado en algunos palacios de las principales Cortes europeas.

Y en la Real Casa del Labrador de Aranjuez se hicieron trabajos por parte de Antonio Marzal y sus colaboradores, entre 1800 y 1803, en el retrete del rey Carlos IV; siguiendo el estilo de las logias de Rafael en el Vaticano.

El estanque de los Chinescos en el jardín del Príncipe.

2011-08-22T07:59:00.014+02:00

Hace doscientos años, el 22 de agosto de 1811, moría Juan de Villanueva, arquitecto español y un importante representante de la arquitectura neoclásica en España.
Con este comentario sobre una de sus obras en Aranjuez, me gustaría dejar un sencillo recuerdo y respeto hacia un artista-arquitecto que dejó su obra en Aranjuez y ha servido de modelo en muchas obras de la ciudad.
En los años inmediatamente anteriores a la Revolución Francesa (1789), Juan de Villanueva y el jardinero Pablo Boutelou tuvieron un acercamiento artístico muy interesante y fértil.. En 1784, se acababa de inaugurar la primera parte del Jardín del Príncipe, cuando se decidió crear un estanque al estilo de los jardines ingleses, que en esos momentos estaba tan de moda.
Seguramente que Boutelou contaba a Villanueva sus viajes por Francia e Inglaterra y le mostraba los libros y grabados con los trazados de jardines que podrían servir para inspirar el nuevos proyecto.
Villanueva ya habia demostrado ser un admirador de la arquitectura inglesa y del paisajismo romántico y estaba dispuesto a romper con ese respeto a la simetría y clasicismo clásico que habia aplicado en los trabajos de jardinería de la Casitas del Príncipe y del Infante en el Escorial.
En el Jardín del Príncipe las condiciones eran distintas ya que no existía una arquitectura de referencia, tan solo un número elevado de árboles del antiguo soto y el río Tajo, algo más al norte.

Villanueva iba a dibujar unas líneas onduladas, casi mágicas, que iban a delimitar el estanque y que le iban a dar el título de paisajista.

En las láminas que le había proporcionado Boutelou había numerosos templos circularas que en general coronaban suaves colinas, es muy probable que Villanueva tuviera una especial atención con el templo de la Sibila en Tívoli, en el impresinante paraje de las cataratas de Aniene.

El proyecto ya estaba en marcha, diseñó un templete jónico con cúpula emplomada, columnas de mármol de fuste nego y basa y capitel blancos para sugerir un interesante contraste.

Los arquitrabes y pedestales serían de piedra de Consuegra y Toledo y todo estaría coronado por un dragón de plomo y revestido de pátina dorada que desapareció años más tarde cuando los franceses invadieron España.

En 1805, cuando gran parte de las obras de arte de la Colección de la Reina Cristina de Suecia se trajeron a Aranjuez para decorar la casita del Labrador y el jardín, se colocaron sobre los pedestales del templete unas estatuillas egipcias que seguramente desaparecieron y tomaron el mismo camino que el dragón que coronaba la cúpula del templete.
En el estanque también situó Villanueva una pagoda chinesca que quedó arrasada por una fuerte tormenta que hubo en 1843, y se restauró un año más tarde con un clarísimo estilo neo-gótico.

El tema de los chinescos se había extendido por Europa desde Inglaterra transformando muchos de los jardines barrocos en nuevos escenarios de arquitecturas exóticas, quizás también por la influencia de los gustos por viajar a lejanos países.

La figura clave en este asunto de difundir el gusto por los chinescos fue el arquitecto de origen escocés,pero nacido en Suecia, Sir William Chambers. Viajó muy joven a China y de regreso entraría en contacto con el Príncipe de Gales llegando a ser Arquitecto del Príncipe , cargo muy similar al de Villanueva con el Príncipe de Asturias.
Chambers, a partir de ese momento empieza a realizar las arquitecturas de Kew gardens, con la conocida pagoda de diez alturas, que ha sido un verdadero modelo a seguir en numerosas obras de la historia del arte.

En Aranjuez, el estanque de los chinescos es una muestra de admiración a la arquitectura de Chambers. La pagoda, el obelisco egipcio,el rústico cenotafio,el templete neo-romano son una muestra de la influencia de Chambers en Aranjuez ydel maás bello testimonio que nos pudo dejar Juan de Villanueva en el jardín del Príncipe.

REYNOLDS y el retrato infantil de MISS BOWLES CON SU PERRO (1775)

2011-08-12T13:52:00.006+02:00

La Revolución industrial inglesa de la segunda mitad del siglo XVIII cambió de una manera significativa el orden social y estableció una nueva relación entre la burguesía y el arte.

La clase media fue la que encargaba ahora los retratos a los artistas y estos vieron abierto un camino para mostrar su estilo de una manera más libre y menos comprometida que los artistas que anteriores.
Dos artistas marcaron unas pautas en el retrato inglés de esta época:
Joshua Reynolds (1723-1792) y Thomas Gainsborough (1727-1788). Los dos artistas fueron muy apreciados y solicitados por la burguesía, que perseguía la apariencia de aristrocacia a base de encargos de retratos, celebración de fiestas y un sin fin de actos que les iban introduciendo en una clase social que ellos mismos estaban creando y a la vez modelando con unos gustos a veces de dudosa elegancia.
Pero... para eso están los artistas, que de una u otra manera deben realizar las obras con dignidad utilizando su "genio".
Quizá, cautivada por el tratamiento que hizo Reynols del retrato infantil, voy a analizar una obra amable, llena de ternura que puede llevar al espectador a sentir algo especial hacia la infancia, que incluso le llegue a arrancar una sonrisa silenciosa mientras la contempla.

MISS BOWLES CON SU PERRO (1775)

Reynols fue insuperable en las cautivadoras representaciones de niños en sus retratos.
La fantasía, la ligereza del toque,la sabia dosificación de la luz y la risueña frescura en la mirada de la niña son una alternativa en los retratos de los aristrócatas empaquetados en sus ropas rígidas y sin soltura.
Pero no queda todo en la niña, el perro es tan protagonista como ella...quizá está pidiendo una ayuda para salir de esos bracitos que con cariño están dejándole casi sin poder coger aire.

La figura del perro es la mejor iconografía de la fidelidad, del no abandonar corriendo y dejar sola a la persona que le está apretando con la inocencia graciosa
que se delata en el brillo de los ojos y el gesto de la boca.

En este retrato, además se puede apreciar el romanticismo, en un paisaje un tanto fantástico y algo misterioso, que desde luego queda en segundo orden porque la niña y el perro son los auténticos protagonistas.

Son muchos los retratos que en la Historia del Arte ha despertado el interés de los que los han contemplado, pero sentirse cautivado por un retrato no es tan fácil, en realidad es cuestión de encontrar tras ese retrato la mano de un genio que se aleja de lo vulgar y limitado para mostrar la dignidad del personaje, como es el caso de esta obra que os he comentado.

Os invito a ver otro retrato infantil, en este caso de Picasso, que podría completar
este comentario
viernes 1 de agosto de 2008
Picasso, Olga y Paul
Publicado por Pilar Álamo

BOTTICELLI y la identidad

2011-06-25T23:02:00.020+02:00

Hay muy pocos artistas cuya obra represente la unión entre su sello personal con una fama imperecedera.
También son pocos los artistas que a simple vista sean reconocidos al contemplarse una obra suya aunque no la hayamos visto nunca.
Eso me sucede con las figuras de Leonardo da Vinci, con los personajes de Modigliani que parecen ausentes y sobre todo con los serenos protagonistas de Botticelli.
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi era el nombre de Botticelli cuya biografía Giorgio Vasari incluyó dentro de su clásica recopilación “Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos”, que vio su edición definitiva en 1568, más de medio siglo después de la muerte de Filipepi.
Vasari cuenta que era un niño impaciente; y nada le satisfacía en las escuelas. Su padre le llevó a un taller de un amigo orfebre llamado Boticello (se podría traducir como tonelete).

A través de la orfebrería, Sandro Botticelli irá introduciéndose en el mundo del arte y de los artistas. Tuvo que acercarse a los círculos neoplatónicos de Florencia para estar al corriente de la nueva sensibilidad que es la que tomaría el rumbo de su producción. El aire andrógino de sus figuras, su aire de ensoñadora melancolía, son frutos directos del pensamiento neoplatónico de su época y de su lugar, la Florencia de los Médicis.
Cuando Botticelli tiene veinticinco años,(1470), se establece como artista independiente, volcado sólo en su arte.
En 1480,es el momento en que alcanza la plena madurez, antes habrá dejado obras muy destacables e incluso indudables obras maestras como “La adoración de los Reyes Magos”

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en la que los astrólogos errantes son encarnados por tres importantes miembros de la familia Médicis y el propio Botticelli comparece como espectador que se vuelve hacia el observador.

Es justamente este oportuno homenaje a la dinastía medicea la que le abre las puertas a los encargos por parte de la familia, siendo su comitente más destacado, y también amigo, Giuliano de Médicis, cuya vida será corta.

“El nacimiento de Venus” y “La primavera” son las dos obras insuperables de Botticelli, también las más complejas.

Realizadas para un miembro de la rama menor de los Médicis, junto a “Palas y el Centauro”, son la ilustración de las teorías neoplatónicas de Marsilio Ficino.
Ambas obras comparten el personaje central, Venus. En ambos casos, sus facciones son las de Simonetta Vespucci (muerta en 1476 de tuberculosis).

La complejidad iconográfica de las dos obras es inagotable, como lo es la discusión sobre las fuentes literarias de ambas. En el caso del cuadro sobre Venus, su fuente principal parece ser un poema de Angelo Poliziano: «Por los céfiros lascivos empujada / veríais la diosa que del mar salía / exprimiendo cabellera remojada / mientras el pecho la cubría».

Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1494 se instaura en Florencia un régimen republicano bajo la férula del monje Girolamo Savonarola, un ardiente reformista apocalíptico que no tardará en levantar piras, llamadas “Hogueras de las Vanidades”, de siete pisos (uno por cada pecado mortal) en las que arderán libros, objetos de lujo y obras de arte.
Sandro Botticelli muere en Florencia el 17 de Mayo del 1510, a los 65 años. Hay contradicciones con respecto a su muerte, unos dicen que murió pobre y otros dicen que al ser protegido por la dinastía de los Médicis murió siendo rico y dueño de grandes extensiones de tierra.

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PASEOS POR LOS JARDINES DE ARANJUEZ...otras rutas

2011-06-06T21:23:00.016+02:00

El patrimonio histórico da a la ciudad de Aranjuez una identidad cultural que a la vez es un recurso con la suficiente capacidad para motivar a los alumnos y profesores en el conjunto de actividades de Historia, Cultura clásica y Música.

El ser, Aranjuez, Paisaje Cultural, patrimonio de la Humanidad, exige un tratamiento especial por parte de sus habitantes y en especial de los jóvenes que viven en él.
Nuestro colegio lleva admitiendo este compromiso mucho tiempo, y en especial estos cuatro últimos años ha recreado el interés, ofreciendo a los habitantes de Aranjuez, en primavera unos paseos didácticos que ilustran la historia, la mitología y la música en nuestros jardines.

Este curso, 2010-2011, especialmente se han identificado estos paseos con un gran trabajo llamado Ruta de las Tres Culturas `por el que El Colegio Apóstol Santiago recibió el Primer Premio en la XXIV edición del concurso patrocinado por el Corte Inglés “ Investiga a través del entorno y expónlo” con el proyecto RUTA DE LAS TRES CULTURAS, CRISTIANOS, JUDÍOS Y MUSULMANES, UNA CONVIVENCIA POSIBLE. Y con estos paseos completamos una vez más, nuestra intención de divulgar la historia de Aranjuez.

Los paseos llamados históricos guardan un rigor cronológico desde el jardín “cerrado” de Felipe II, síntesis de la herencia mudéjar y de las influencias renacentistas italianas, muy usual en los Palacios Reales de los Austrias, pasando por los jardines y fuentes de la época de los reyes Felipe III y FelipeIV donde el jardín se dispone a lo largo de un eje longitudinal en el que se van alternando diversas plazas: Hércules, Vertumno, Las Arpías, Baco…todas ordenadas y rodeadas de jardines compuestos por setos de boj.

Y terminar con el jardín barroco, llamado parterre, que Felipe V decidió crear delante de la fachada oriental del Palacio Real de Aranjuez.

Otro año más la participación ha sido excelente tanto por alumnos como por acompañantes. Y esto hace de los paseos un patrimonio cultural con el que el Colegio Apóstol Santiago se siente identificado.

El arte de la "lectura sentimental" en el día del libro

2011-04-23T22:40:00.007+02:00

Es posible que hoy muchos hayan recordado en que etapa de su infancia empezaron a leer y en que grado de pasión eso les afectó en sus vidas, todo porque se celebra el día del libro. No está mal la idea, aunque solo sea para recordar que la lectura se convierte en algo que va con la persona, con el espacio que habita, con la gente que se relaciona y así un día se convierte en algo que ocupa una dimensión mayor.
En la corriente del romanticismo la sociedad burquesa del siglo XIX cultivaba un tipo de vida emocional que se podría definir en un solo término, EMPFINDSAM, equivalente al calificativo inglés, sentimental.
En este tipo de vida, la lectura tenía un puesto destacado, porque leer significaba identificarse con las emociones que otro había volcado en el papel y permitía explorar y ampliar el potencial emocional.
Las obras de arte reflejaban ese sentimiento.
La lectura llegaba a cautivar hasta el punto de no percatarse de los gestos y la compostura, como se puede apreciar en la obra de Franz Eybl, que representa a una joven leyendo.

El libro parece cortarle la respiración...¿quizá por la emoción?...¿quizá por la empatía?...

El libro, incluso manifiesta un movimiento en la forma de las páginas leídas donde la luz se introduce entre las páginas.
El ambiente que envuelve a la joven es neutro, pasivo, tranquilo...
Sin embargo el interior de la chica se nota agitado, está atrapada por la lectura pero con un rostro ingenuo, encantador, encontrando el equilibrio que se podía ver en las escenas idílicas de la vida cotidiana de la época del Biedermeier
(EL BIEDERMEIER (1810-1860)
"VIRTUDES PRIVADAS, PLACERES HONESTOS")

Realmente, mostrar el estado de vida interior de los individuos se convirtió en un gran reto de la pintura del siglo XIX.

Y buscando una figura más ascética y austera aun, quedé sorprendida por la imagen sobria de este cuadro de Adolph Hennig (pintor neoclásico, de la escuela de Leipzig) en el que yo veo un cierto toque de modernidad.

En un fondo monocromo la lectora está aislada de cualquier referente social, cultural o religioso.

El negro de su pelo lacio y con la raya en medio se repite en el libro que sostiene en sus manos, que cruzadas descansan sobre las rodillas dobladas (postura que tantas veces hemos visto en los jóvenes que se acoplan en un rincón de la casa, o en el patio de recreo, o en un parque, cerca de un árbol).

El escote geométrico del vestido refuerza el contraste entre el negro y el color coral, lo que da más fuerza expresiva al color del cuadro.

Todo queda suspendido por la lectura seductora que puede animar a las lectoras y lectores SENTIMENTALES.

Viaje a Toledo: ciudad de las tres culturas

2011-04-04T19:35:00.017+02:00

Después de varios días preparando este viaje a Toledo con mis alumnos de 2º de bachillerato, llegó el día.

Cuando llegamos a la Ciudad de Toledo ya éramos conscientes de que la mezcla de culturas, cristiana, judía y musulmana iba a ser una constante en el transcurso del día.
El emplazamiento de Toledo es tan original como el de Venecia o Brujas, o cualquier otra ciudad pintoresca de la Europa que llamamos medieval.

Se alza sobre el promontorio que rodea un gran meandro, recorriendo desde fuera la ciudad al este, al sur y al oeste.
Conocida como Ciudad de las Tres Culturas, debido a la convivencia pacífica durante siglos de cristianos, musulmanes y judíos.

Toledo ofrece entre sus murallas un espectáculo para el arte, una muestra de la historia del arte español.

Toledo conserva la imagen de ciudad medieval refugiada en torreones y murallas, en las que se abren distintas puertas por las que se puede acceder a su impresionante casco histórico.

Cuando Alfonso VI reconquistó Toledo la convirtió en la Ciudad de las Tres Culturas

Siempre ha sido conocida por ser la Ciudad de la Tolerancia o la Ciudad de las Tres Culturas, con la convivencia de judíos, musulmanes y cristianos.
Nunca estuvo dividida de una manera clara por barrios de cada una de las religiones, pero sí existen zonas de una mayor influencia de cada una de ellas.
Nosotros empezamos por la judería y llegamos anla Sinagoga del Tránsito.

Las dos únicas sinagogas que permanecen en pie actualmente inducen a llamar el barrio donde se encuentran la Judería, donde hubo mayor concentración de la población hebrea, aunque en realidad en la ciudad llegó a haber un total de diez.

El comercio era una de las actividades principales de los judíos, que vivían encima de sus tiendas y talleres.

Fue cristiana desde el siglo IV, pasando por los más de trescientos años de convivencia de las tres religiones bajo la dominación musulmana, hasta la Reconquista.
En el siglo XVII contaba con casi setenta edificios de usos relacionados con las actividades y ritos de cada religión, muchos de los cuales después de las desamortizaciones decimonónicas pasaron a tener usos civiles, privados o administrativos.

La estructura urbana de Toledo, con sus calles estrechas y sinuosas, es árabe. De la docena de mezquitas quedan dos, la del Cristo de la Luz, del año 999 y la de Tornerías, algo posterior. La mezquita mayor estaba en el emplazamiento actual de la catedral, pero parece ser que no fue un edificio notable, sólo espacioso para poder acoger a todos los habitantes varones.

Las puertas de Alfonso VI y Bisagra Vieja tienen estructuras árabes. La noria en la orilla del río Tajo es herencia de las técnicas de regadío. Pero sobre todo, la herencia más patente es la estética mudéjar en la arquitectura y decoración utilizada durante siglos en todo tipo de edificios, incluida la catedral.
Fue un viaje de un día que todos lo recordaremos porque fue fantástico y muy muy divertido.
Gracias a todos vosotros porque sin vuestra alegría e interés no hubiera sido posible

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Huertas de Picotajo en Aranjuez

2010-12-19T19:02:00.012+01:00

Plano original de la Huertas de Picotajo (mediados del s. XVI)

A mediados del siglo XVI Felipe II y sus asesores deciden iniciar un programa de construcciones asociado a la nueva capital, que había trasladado a Madrid.
Uno de estos lugares, junto con el Escorial y otros de menor importancia, es Aranjuez, que forma con Madrid y Toledo el triángulo de referencia para las nuevas actuaciones.
La función administrativa que se localizaba en la nueva capital, suficientemente alejada de Toledo, antigua capital del reino y sede del Primado de la Iglesia, se complementa en Aranjuez, con la puesta en valor de un territorio, perteneciente a la corona, con unas posibilidades muy importantes de desarrollo agropecuario que permitiera el abastecimiento de las dos grandes ciudades.
El transporte y acarreo de productos se pretendía hacer, en gran medida, por medio fluvial. A tal fin se encargan estudios de viabilidad para hacer navegable el Tajo hasta Toledo e incluso Lisboa, ya que Portugal se anexiona a la Corona en el último cuarto de siglo. Esta nueva actividad se acompaña con un complejo programa hidráulico y la introducción de un sistema de canales, que aprovecha en parte actuaciones anteriores como el azud del Embocador de tiempos de Carlos V, y permite el riego de toda la vega. En concreto el Caz de las Aves, el de Colmenar, los de la Cola Alta y Baja y otros de menor importancia han permitido desde entonces el aprovechamiento agrícola de la zona.

Junto al antiguo palacio de los Maestres de la Orden de Santiago, Felipe II decide construir un nuevo palacio, aprovechando así los jardines realizados por los Reyes Católicos y que conocemos como el Jardín de la Isla.

Vista idealizada del Palacio (antes de la intervención de Sabatini)

Para hacer las trazas tanto de Aranjuez como del Escorial hace llamar a Juan Bautista de Toledo, arquitecto adscrito a la corona que se encontraba trabajando en Nápoles y le pone como ayudante a Juan de Herrera.
El motivo de la elección de estos arquitectos posiblemente estuviera relacionado con su vinculación a la Casa Real. Primaron más consideraciones de fidelidad que el prestigio. Aunque ya Juan Bautista de Toledo hubiera trazado y construído la Cúpula de San Pedro de Roma y Juan de Herrera, procedente del séquito del Emperador Carlos V,fuera un experto tracista, matemático y astrónomo.
Dentro de este ambicioso programa de prestigio y desarrollo económico se decide la ordenación del paraje conocido como Picotajo, llamado así por encontrarse en una península que conformaban los ríos Tajo y Jarama antes de la Junta de ambos.
Desde el siglo XVI el curso del río Tajo se ha mantenido semejante, con leves correcciones de diques y malecones, pero el río Jarama ha modificado su curso de forma significativa, desplazándose más de tres Kilómetros en sentido Este.
Cuando Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera hacen el plano de las Huertas de Picotajo, existente en el Archivo General de Palacio, el río Jarama discurría más próximo a Palacio.
Un encargo sencillo de parcelación con fines agrícolas, estos arquitectos lo convierten en un compendio intelectual de geometría y astronomía, con fuerte carga simbólica, que responde perfectamente a su función.
Para la ordenación de todo este territorio proponen situar dos puentes, uno sobre el río Tajo con acceso desde el Jardín de la Isla y otro sobre el Jarama en la actual Puerta de Legamarejo que servirán de focos estructurantes para el conjunto.
Tomando dichos focos y la Calle de Entrepuentes, orientada perfectamente Este-Oeste con lo que en los equinoccios de Primavera y Otoño el sol sale y se pone por los puentes, se organiza una radiación utilizando para su trazado y replanteo el hexágono, polígono regular que maciza el plano y cuyo trazado es elemental, ya que el radio de la circunferencia que lo circunscribe es igual en tamaño al lado del polígono: con una cuerda y un jalón se traza un círculo y haciendo base en cualquier punto de la circunferencia, con el mismo radio se obtiene el lado del hexágono en su intersección con la misma.
El paso del hexágono al dodecágono se consigue doblando la cuerda que define cada lado.

Trazado del hexágono regular

La elección del dodecágono regular, además de su fácil replanteo, está ligada a la tradicional simbología semítica y sobre todo a los ciclos de la luna que definen los meses, las constelaciones y fundamentalmente las épocas de siembra y recogida de los frutos del campo.
Debido a la existencia de los Ríos no se pueden completar los polígonos en los puentes, solo se hace en la intersección de dos líneas, una procedente de cada foco, fuera del ámbito de Picotajo en lo que se conoce como Glorieta de las Doce Calles.
Este sistema de trazado es extrapolable al resto del territorio utilizando como hitos cualquier circunstancia geográfica.
Para la formalización en el terreno del trazado se recurrió a definir caminos delimitados por doble alineación de árboles y que dejaban entre ellos espacios de cultivo conocidos como tranzones. Este sencillo método operativo ha trascendido los siglos y ha marcado una impronta de tremenda importancia tanto para la arquitectura y el paisajismo por su temprana implantación.
El plano original de las Huertas de Picotajo no es un plano topográfico de replanteo sino más bien un ideario porque no se corresponde con el trazado que se llevó a efecto. Se da la circunstancia de que la solución realmente llevada a la práctica coincide exactamente con el trazado ideal, mientras que en el plano original hay defectos de dibujo.
Se acompaña un plano en el que se ha superpuesto el trazado actual sobre el plano original

Superposición del trazado realmente ejecutado sobre el plano original

Y se constata que la idea, en el sentido platónico, ha servido para organizar y ordenar el espacio haciéndose eco de la importancia que tuvo en el Renacimiento la consideración intelectual para el trabajo de arquitectos, escultores y pintores.
Además el uso de figuras y polígonos sencillos y reconocibles facilita la comprensión de las actuaciones, lo que no impide mantener referencias simbólicas como la del Sello de Salomón inscrito en el hexágono en un tiempo en que Felipe II, Señor de múltiples reinos, también era rey de Jerusalén.
Como consecuencia de la lógica inherente al proceso, era previsible que se hubiera mantenido algún vestigio de la localización de los focos o de elementos que se hubieran utilizado en su trazado.

Foto aérea del estado actual sobre la que se marcan los ejes y focos

Coincidiendo con las primeras labores de movimiento de tierra en la restauración de la Glorieta de las Doce Calles, se realizó una cata en el centro de la misma.

Aparición de la piedra fundacional

Debajo de sucesivos estratos de escombros, asfalto y zahorras apareció una piedra de Colmenar, de pie y medio de lado (42 cm aprox.), perfectamente orientada y nivelada que sirvió para el trazado de la Rotonda y formaliza el tercer foco de la radiación original.

perfilado de la piedra

Labores y trabajos de arqueología

Fase intermedia de los trabajos

Este descubrimiento tiene una gran importancia histórica pero también paisajista y arquitectónica. Demuestra que la singularidad de Aranjuez radica en una evidente ordenación geométrica y formal pero informada por el orden que le proporciona el rigor intelectual.

La piedra que confirma la teoria

Visita a la "Casita del Labrador" de Aranjuez

2010-11-25T17:06:00.007+01:00

El miércoles 24 de noviembre fuimos a visitar la Casita del Labrador.
Participamos en esta visita los alumnos de 2º de bachillerato de la asignatura de Historia del Arte.

La tarde otoñal en el jardín del Príncipe resultó ser casi imprescindible para favorecer la visita.

Esta Real Casa, no obedeció a un proyecto arquitectónico coherente y preconcebido, sino que es el resultado de un proceso constructivo de más de diez años.
Tiene un diseño delicado. Fue edificada como regio pabellón campestre por el arquitecto neoclásico Juan de Villanueva y por su discípulo Isidoro González Velázquez, entre 1794 y 1804, por orden de Carlos IV.

La decoración interior se conserva intacta, pero la deficiente estructura del edificio y la endeblez de su decoración exterior obligaron a dos profundas restauraciones, una en 1903, cuando se recalzaron los cimientos, y otra en 1964-1968, por Ramón Andrada, que sustituyó todas las armaduras de cubierta por armazones metálicos.
Por último tras 12 años de restauraciones y dos millones y medio de euros para culminarlas, la casita del Labrador se abrió en mayo de 2008. El resultado obtenido por los conservadores de Patrimonio Nacional es, visiblemente, satisfactorio.

El Gabinete de Platino es una obra increible.

Es el espacio más rico e importante desde el punto de vista artístico, pues se debe a los arquitectos y decoradores de Napoleón, Percier y Fontaine, que lo publicaron luego en su Recueil de décorations interieures.

Tiene una boiseríe de caoba, con incrustaciones de bronce dorado y platino, y los espejos intentan crear la ilusión de que este pequeño espacio cuadrado fuese una galería, efecto especialmente logrado en los arcos de los testeros semicirculares, cuyos espejos reduplican la bóveda de cañón.

Es fascinante y marca una pauta en la decoración de muchos palacios de época posterior,que siguen el gusto francés.

En el otro blog :color y forma 2 podéis seguir los trabajos de estos alumnos que muestran su interés por esta asignatura que es casi nueva para ellos.
Aquí los tenéis a todos:
Ana,Marta U, Marta P, María, Ismael, Edgar, Sandra, Eva,Marina y yo.

Biedermeier (1810-1860)

2010-11-01T15:51:00.005+01:00

El nombre de un movimiento estilístico refleja siempre su carácter, las características de quienes lo han fundado o incluso su intención crítica. El término Biedermeier (del adjetivo bieder = sencillo) tiene su origen en el apellido ficticio de un personaje hipotético de los diarios satíricos de la época (parece ser que el hipotético personaje representaba a un profesor sumiso y tradicional de la región de Suabia).En definitiva un representante de la clase media, de la burguesía alemana que era el público al que iba dirigido el estilo Biedermeier.
El Biedermeier es el nombre de un gusto, de una literatura, de una corriente figurativa y de un estilo ornamental que se desarrollan en la época de la Restauración en el Imperio austríaco y el resto de Europa Central.
El estilo Biedermeier sería el equivalente centroeurepeo al Estilo Regencia inglés, el Estilo Imperio francés o el Estilo Federal norteamericano.

El estilo Biedermeier fue desarrollado por alemanes y austríacos; se caracteriza por una notable sencillez, sobriedad y tendencia a difundir lo práctico, con cierta influencia de estilos neoclásicos.
En la pintura el estilo Biedermeier refleja el ambiente burgués, sencillo, gozoso, afable y conformista, realza la estética de la belleza natural y tiene influencia en el arte y el diseño contemporáneos.
A comienzos del siglo XIX la burguesía exigía algo que hasta entonces había estado reservado a un selecto círculo de consumidores: deseaba objetos con estilo propio, hechos de diversos materiales, lo que fue posible gracias a la mejora de los costosos bienes de lujo hasta los sustitutos baratos. sistemas de producción. Así surgió una oferta de amplia gama, que abarcaba desde
Algunos retratistas de este estilo nos acercan al mundo de los afectos domésticos y además nos ofrecen en sus cuadros un notable ejemplo del mobiliario que también recibe el nombre de Biedermeier

El poeta pobre de Carl Spitzweg.
Munich, Neue Pinakothek

Un pintor que consiguió hacer célebres sus imágenes caricaturescas de la sociedad de la época fue Carl Spitzweg. Este pintor bávaro abre un capítulo singular en la pintura de la época de apogeo Biedermeier. Con un humor socarrón se burla de las costumbres burguesas en pequeños cuadros , haciendo honores a las escenas de ridículo ciudadano que presenta.
La enorme popularidad de sus cuadros se explica porque estos hablan del ciudadano medio.
Y...
¿Qué estaba pasando en España?

En España este período coincide con los reinados de Fernando VII e Isabel II.
El gobierno reaccionario de Fernando VII sumerge a España en una época de regresión hacia el despotismo y el absolutismo monárquico, y de retraso respecto del resto de Europa.
Durante el reinado de Isabel II se producen tímidos intentos de desarrollo frustrados en parte por las guerras carlistas. Como resultado de todo esto, se presenta una España muy poco propicia a dejarse influir por las tendencias literarias alemanas, más adecuadas para una burguesía conformista en un momento político estable, que para una sociedad pobre y subdesarrollada en comparación con otros países europeos, y mucho más activa políticamente hablando.
No obstante, hay algunas similitudes: Larra y su romántico pistoletazo final (se suicidó pegándose un tiro en la sien) fue el introductor de las novelas por entregas y de los artículos periodísticos, muy del gusto de la burguesía de la época

El hombre de Vitruvio

2010-10-14T20:12:00.004+02:00

El hombre de Vitruvio es un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado por Leonardo da Vinci a partir de los textos del arquitecto romano Vitruvio titulados
-Vitruvii De Architectura-, y del que el dibujo toma su nombre.
Leonardo se representa a sí mismo, desnudo y en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrito en un círculo y un cuadrado.

Es cierto que Leonardo tuvo acceso a escritos que guardaban secretos y conocimientos de la antigüedad y sabía también el peligro que tenía revelar alguno de esos secretos, por ello muchas de sus anotaciones particulares, y algunas de sus obras públicas, están realizadas en una clave secreta que permite ocultar a la vista general la información que el artista plasma para un futuro lector, y que con la clave indicada, podrá descifrar en su momento.

El artista nos muestra a través de sus dibujos su maestría en la composición, y fundamentalmente, un profundo conocimiento de la antigüedad romana.
Sus investigaciones sobre los textos de Vitruvio y la geometría permiten asegurar que tenía un intenso conocimiento sobre la ciencia antigua y sus enseñanzas.

Exponer el saber y conocimiento que Leonardo atesoraba a través de los textos de Vitruvio no tiene porque parecer forzado, muy al contrario, Leonardo se identifica de manera completa con el arquitecto romano, y con toda seguridad fue entendedor de todas las enseñanzas de su lejano maestro en el tiempo.

El texto original de Vitruvio y que inspiró a Leonardo el dibujo donde se representa a sí mismo dentro de un círculo y un cuadrado nos remite directamente a que él creía haber alcanzado el secreto de la "cuadratura del círculo".

Las proporciones descritas por Vitruvio y Leonardo solo tienen sentido si realizamos un nuevo trazado, que aunque implícito en el dibujo original no aparece a la vista del observador
Me refiero al siguiente dibujo:

EL HOMBRE DE VITRUVIO EN MODULACION 10x10

En este dibujo Leonardo aparece dibujado dentro de un círculo de cinco codos de diámetro y de un cuadrado de igual dimensión que forma una cuadricula de diez por diez módulos.
La modulación del número perfecto :el diez.
El ombligo de su figura es el centro geométrico del conjunto. Es así como adquieren total sentido las primeras palabras de Vitruvio:

“Es imposible que un templo posea una correcta disposición si carece de simetría y de proporción, como sucede con los miembros o partes del cuerpo de un hombre bien formado.”

Leonardo en el interior del Templo, alcanza la cuadratura del círculo.

El círculo es símbolo del cielo y el cuadrado de la tierra, y el Templo intermedia entre uno y otro, y solo a través del Templo se logra la cuadratura del círculo, la unión indisoluble de la materia y el espíritu.
la modulación, oculta a simple vista, está en el dibujo de Leonardo y por los tanto concuerda con las palabras de Vitruvio:

"La disposición de los templos depende de la simetría, cuyas normas deben observar escrupulosamente los arquitectos. La simetría tiene su origen en la proporción, que en griego se denomina analogía. La proporción se define como la conveniencia de medidas a partir de un módulo constante y calculado y la correspondencia de los miembros o partes de una obra y de toda la obra en su conjunto."

Leonardo,con su obra comprende y alcanza "El Supremo Templo de la Arquitectura" que Vitruvio detalla en su texto:
"En conclusión, la ciencia de la arquitectura es tan compleja, tan esmerada, e incluye tan numerosos y diferenciados conocimientos que, en mi opinión, los arquitectos no pueden ejercerla legítimamente a no ser que desde la infancia, avanzando progresiva y gradualmente en las ciencias citadas y alimentados por el conocimiento nutritivo de todas las artes, lleguen a alcanzar el Supremo Templo de la Arquitectura."

Frente al Mediterráneo (Sorolla)

2010-08-05T17:50:00.007+02:00

Es posible que la fresca brisa del mar colabore en la fascinación de contemplar la frescura de un cuadro de tema sencillo como este.

Sorolla...
Pintor español conocido en el mundo por reflejar en sus cuadros la luz y el color del Mediterraneo, su pintura puede ser considerada como
"realismo a plena luz".
Y aunque la luz en sus cuadros es la protagonista principal, hay una cantidad de detalles sencillos que pasan desapercibidos y tienen un gran valor: la prolongación de un instante, el movimiento del mar, los reflejos que vibran, la luz coloreando la realidad…

En este cuadro de la niña frente al mar hay luz, color, reflejos, transparencias, texturas, trazados intensos…el Mediterráneo, el MAR…
La obra de Sorolla cautiva a quien la contempla como se siente cautivada la niña mirando al MAR.
Hay una fuerte relación de Sorolla con la fotografía (esto lo aprendí de mi amigo YOel)quizás se pueda buscar una justificación por la amistad que tuvo con Juan Antonio García, hermano de su futura esposa. Se ve sobre todo en sus ángulos inclinados, figuras, "encuadres" de los elementos bruscamente cortados, la diferencia entre los planos y la utilización de exageradas, espectaculares y muchas veces claustrofóbicas perspectivas que atacan y comprometen al espectador.

También pudo tomar de la fotografía escenas con saturación de blancos. Blanco con blanco sobre blanco resulta una mezcla extrañamente atractiva, compleja y original.

Y con el retrato de Antonio García en la playa de 1909 que se puede contemplar en la casa- museo de Sorolla en Madrid y las preciosas palabras de Luis Eduardo Aute, dedicadas al mar, abro la ventana para contemplar y respirar el aire fresco de la brisa Mediterránea...

El mar es más que un paisaje,
también es un sentimiento,
es un corazón que late
negándose a seguir muerto;
no rinde más obediencia
que la que exigen los vientos,
no lo sujetan cadenas
ni se detiene ante el fuego.

Luis Eduardo Aute - En 'A por el mar'

Si queréis escuchar la canción de Luis Eduardo Aute haced "clic" encima del nombre... veréis qué sorpresa.

2010-07-25T18:41:00.004+02:00

Es posible que este retrato de mujer a muchos no les parezca tan fascinante como el retrato de Giovanna degli Albizzi Tuornaboni, pero yo opino que es tan fascinante o más.
La belleza se concentra en su rostro, dulce y encantador, suave y delicado en los contornos... luminoso, con blanco nacarado en la piel.
Es probablemente la forma en la que se enmarca la cara y en la que se concentra la expresión, lo que hace despertar una atracción hacia la figura de la joven.
La forma del rostro ovalado se encuadra entre los bucles serpenteantes de cabello claro casi rojizo, que combinan cromáticamente a la perfección con la blancura nacarada de la piel y armonizan con el rojo del collar o del corpiño.
Si nos preguntamos el porqué de esta belleza tan atractiva probablemente encontremos la contestación en la armonía, en la mirada que parece perdida, en la postura, en el naturalismo, en la expresión de amabilidad...
Parece que en cuadro se concentrara el Quattrocento pleno.
Aunque algunos expertos y observadores de la obra dicen que hay una falta de nitidez en el tratamiento del cabello y también una forma de representación muy rígida en el collar y por eso no sería una obra ejecutada por Guirlandaio sino que sería una obra de su taller, lo cierto es que el epíritu artístico del maestro se percibe y eso es importante, siempre es importante.
Yo me atrevería a decir que en el cuadro hay una belleza cristalina y diáfana y lo mejor de Bellini y Boticelli,que le dan una visión tan natural y humana.

Doménico Bigordi, llamado en realidad el Ghirlandaio porque su padre, orfebre, hacía "guirnaldas" para los peinados de las mujeres de Florencia, es un pintor influenciado claramente por Masaccio, Boticelli o Fray Filippo Lippi, y se le puede considerar un seguidor de la la pintura flamenca y más concretamente de Van Eyck .
Por todo ello su pintura tiene en ocasiones la rotundidad de Masaccio o de Piero della Francesca, el detallismo de los Primitivos flamencos y la idealización de Boticelli.

Puede que otros comentarios del blog puedan aportar algo más a la contemplación de obras de arte del Renacimiento:
sobre Ghirlandaio

sobre Van Eyck

sobre un retrato de joven de Lorenzo Lotto
o el joven caballero de Vittore Carpaccio

'Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni'

2010-07-13T19:04:00.005+02:00

Doménico Ghirlandaio
Retrato de Giovanna Tornabuoni.1488
Témpera sobre madera, 76 x 50 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

La imagen de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni resume los paradigmas estéticos y morales del Renacimiento florentino.
Giovanna nació en 1468 y era la octava hija de unos ricos comerciantes. En 1486 contrajo matrimonio con Lorenzo Tornabuoni, un importante noble de la Corte de Lorenzo El Magnífico.
Cuando ella falleció, apenas un año y medio después de la boda, su esposo encargó este hermoso retrato a Ghirladaio.
Está retrata de perfil, posando igual que en las monedas y medallas conmemorativas romanas. Va elegantemente vestida como corresponde a su elevada posición social y lleva un elaborado peinado que permite apreciar la belleza de su rostro.

Es posible que para ejecutar este encargo Ghirlandaio contara con la ayuda de bocetos que había realizado en vida de la joven dama para decorar los frescos de Santa María Novella, donde ella aparece retratada formando parte de la escena de La Visitación y que habían sido encargados por el padre de su esposo.

Escena de la visitación.1486-90
Fresco
Cappella Tornabuoni, Santa Maria Novella, Firenze

La ciudad de Florencia significaba para los artistas la capital del arte renacentista del Quattocento, gracias al desarrollo económico y al apoyo de numerosos mecenas, sobre todo la familia de los Médicis.

Los pintores de esta época indagan la luz, el color, las anatomías, el paisaje y sobretodo, la perspectiva y la sensación de realismo.
En su pintura además de la corporeidad de sus personajes, reflejan sus rasgos personales.

El arte es quizás el sueño más bello de Ghirlandaio,expresado sobre esta bella jóven, tan frágil, tan etérea...

Como "La Gioconda" de Da Vinci, "Las Majas" de Goya, "Las Meninas" de Velázquez y muchas más representaciones de mujeres...Giovanna ha quedado atrapada en la inmortalidad de una obra de arte.

Karin leyendo, 1904 (Carl Larsson)

2010-05-01T20:24:00.006+02:00

El movimiento Art Nouveau pretendía crear una nueva estética en el modo de vivir y en esta estética reformistase debe incluir al pintor sueco Carl Larsson.
Las ilustraciones de este pintor condensan una visión idealizada de la vida cotidiana de una familia de nueve miembros en una casa de campo.

El idilio de una existencia libre del bullicio de la ciudad salta a los ojos de los que comtemplamos sus pinturas.
Pero Larsson podría ser algo más, ya que perseguía liberar al género humano de la envoltura en la que el siglo XIX lo había encerrado y que seguía llenándose con imitaciones de siglos anteriores.
Mucho antesd de las aspiraciones vanguardistas de la década de los años 20, Carl Larsson promovía la idea de una casa económica, abierta al exterior, ue hiciera la convivencia agradable y que permitira vivir de acuerdo con un sentimiento ávido de luz, espacio, movimiento...
No obstante Larsson era un conservador puesto que seguía creyendo en el mundo rural y de alguna forma aportaba todo lo posible a la defensa y fundamento de una nación sueca.
Después de la Segunda Guerra Mundial los suecos descubrieron el ideal de un habitat sin pretensiones,orientado a la vida familiar, de ambientes claros y amueblados con economía sencilla y ajustada.
El cuadro, nos muestra a Karin, su esposa, leyendo en el comedor de la casa de la pareja, Lilla Hyttnäs.

La luz eléctrica de la lámpara, inspirada en las flores de cactus, aporta un ambiente muy adecuado para la lectura.
Es una forma sencilla de mostrar la búsqueda de relajación en la lectura después de un día de trabajo.
Es muy interesante el retrato Art Nouveau que se ve en el cristal de la cómoda

Posiblemente queda señalada la alusión que hice al art nouveau de este artista con este elegante detalle.
Y también dejo un enlace curioso sobre la vida de este pintor, con imágenes incluidas: CARL LARSSON

Retrato de Adele Bloch bauer I (1920) Gustav Klimt

2010-03-29T16:43:00.010+02:00

A principios del siglo XX en la próspera Viena, Klimt hizo este espectacular lienzo a partir de un encargo que Ferdinand Bloch.
Este banquero e industrial vienés,pertenecía a la familia de los Bloch-Bauer, una de las grandes fortunas judías de la Viena de comienzos de siglo. En su entorno se reunía la flor y nata de los artistas, políticos e intelectuales de la época, incluyendo al compositor Richard Strauss.
El pintor comenzó los bocetos en 1903 (en ellos sólo prestaba atención al vestido y al cuerpo) y no daría por terminado su trabajo hasta cuatro años después.
La protagonista del cuadro era la esposa del industrial vienés, la jovencísima Adele, hija de uno de los cuatro banqueros más ricos de la ciudad y con la que se dice que no tuvo un matrimonio feliz.

El rico Ferdinand Bloch Bauer quería mostrarla como una más de sus posesiones, sentada en un gran sofá y acomodada entre suntuosos cojines.
Adele Bloch Bauer , está retratada aquí como un objeto de lujo, engastada entre láminas de pan de oro y en plata (tal vez Klimt estuviera influenciado en esta etapa de su arte por el oficio de orfebre de su padre),como un caleidoscopio envenenado de exceso de colores y rodeada de símbolos, como las volutas y los ojos egipcios.
Está muy relacionado con los mosaicos bizantinos, quizás porque Klimt estuvo en Rávena a principios del siglo estudiándoselos.
Klimt es único a la hora de combinar el realismo del retrato con un decorativismo extremo en los fondos y los vestidos, en los que predominan los tonos amarillos y dorados y los motivos inspirados en las alas de mariposa o las colas de pavo real.
Las manos y el rostro,revelan su fragilidad.

El beso,

Salomé y Judith I...

imbuidas todas ellas de una sensualidad palpable.

De la sensual Judith sólo queda el collar...

Adele "era muy seria, se paseaba cubierta con largos vestidos blancos que flotaban a su alrededor y fumaba con una boquilla de oro", comentó Maria Altmann, sobrina y heredera de Adele Bloch-Bauer.
Cuando Alemania se anexionó Austria,en 1938, Ferdinand Bloch-Bauer huyó a Suiza, con lo que sus posesiones fueron confiscadas por los nazis, que se dividieron las pinturas, porcelanas y obras de arte entre la cúpula del régimen, empezando por el propio Hitler.

Tras el final de la guerra mundial, en los últimos 60 años el Gobierno austriaco exhibió la tela en el Palacio Belvedere de Viena. Aunque la protagonista del cuadro había expresado en su testamento el deseo de que pasase a manos de Austria porque no tenía hijos, su esposo se lo legó a los tres sobrinos de la pareja antes de fallecer, en 1945, junto a otras posesiones, incluyendo cuatro telas más de Klimt, valoradas en 85 millones de euros.

Después de la guerra, los sobrinos intentaron conseguir la herencia, pero el Gobierno austriaco mantuvo que las telas de Klimt habían sido legadas por Adele a su país.
Sin embargo, en 1980 un periodista vienés que trabajaba para The Boston Globe descubrió el testamento original de la señora Bloch-Bauer, donde expresaba el deseo pero no ordenaba que los cuadros pasaran a Austria. Sobre esta base, en el 2000 la señora Maria Altman, que también había escapado y estaba afincada en Los Ángeles, contrató al abogado Randol Schönberg (y reclamó ante los tribunales estadounidenses la devolución de las obras confiscadas). Por primera vez, un tribunal de apelaciones estadounidense obligó a un Gobierno extranjero a actuar en un caso vinculado con el Holocausto. Cuatro años después, la máxima magistratura estadounidense respaldó la validez de la demanda y un tribunal austriaco devolvió a la señora Altman los cinco cuadros de Klimt que formaban el legado.
El Osterreichische Museum de Viena es un bello lugar para apreciar su excelente colección de su pintura.

La madre

2010-03-16T18:01:00.002+01:00

James Abbott McNeal Whistler (1834-1903) Nació en Lowell, Massachusetts, Estados Unidos.
Cuando empezó a pintar siguió un estilo realista clásico y posteriormente se traslada a París poniéndose en contacto con el grupo realista dirigido por Courbet.

Durante el tiempo que vivió en París también se relaciona con Fantin Latour y Degas, enviando algunas obras al Salón de París de 1859 obteniendo su primer rechazo.
Al iniciarse el contacto con los impresionistas se interesará por la estampa japonesa y la pintura de Velázquez. En Londres recibió fuertes críticas de los Prerrafaelitas debido a su estilo refinado de gran delicadeza cromática, interesado por las tonalidades claras lo que supone un primer paso hacia el modernismo. En París se relacionó con los ambientes de máxima vanguardia, interesándose por el Simbolismo y participando en algunas exposiciones con miembros del Impresionismo como Berthe Morisot, Monet o Pissarro. Su consagración ante la sociedad británica se produjo en 1892 tras la inauguración de una exposición retrospectiva en la Galería Goupil de Londres. Uno de los artistas que tenía gran admiración por Whistler fue el famoso pionero del impresionismo Camille Pissarro.

Su obra, “Combinación entre gris y negro nº1” (retrato de la madre) de 1871 se puede considerar un cuadro símbolo del arte estadounidense, fue realizado en el barrio londinense de Chelsea al que este pintor se había trasladado en 1859. En contraposición a los prerrafaelitas, Whistler proponía una pintura basada en las vibraciones del color y a menudo definía sus cuadros como combinaciones o sinfonías de tonos cromáticos.
En esta obra la influencia de Velázquez salpica de una manera tan elegante que nos deja apreciar la calidad de las puntillas y el pañuelo que la madre acaricia.

Esta obra junto a otras obras del Impresionismo la podéis ver en la fundación Mafre (hacer clic)

FRIDA

2010-03-08T20:28:00.008+01:00

Muchas pintoras me han dejado un toque de fascinación cuando he visto y contemplado su obra. Pero siempre al ver la obra de Frida he sentido algo que me resulta difícil de explicar porque a la vez que siento una atracción, también hay un sensación, aunque pequeña, de rechazo.

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón era su verdadero nombre. Nació en Coyoacán, México, el 6 de Julio de 1907.Eran cuatro hermanas y su padre era judío-húngaro y su madre de ascendencia indígena-mexicana.

Sobrevivió a la polio, y cuando tenía 18 años, sufrió graves heridas en un accidente de autobús.Como consecuencia pasó alrededor de un año en la cama, recuperándose de múltiples roturas roturas en su cuerpo delicado. Durante su convalecencia empezó a pintar.

Sus pinturas,sobretodo autorretratos y naturalezas muertas, eran ingenuas y llenas de colores y formas inspiradas en arte folklórico mexicano.

Con 22 años, se casó con el muralista mexicano Diego Rivera, 20 años mayor que ella.

Fue una relación tormentosa y a la vez apasionada.

Una vez dijo: "Sufrí dos graves accidentes en mi vida....Uno en el cual un tranvía me arrolló y el segundo fue Diego". El accidente de tranvía la dejó invalida físicamente y Rivera la dejó invalida emocionalmente.

Durante su vida, Frida creó unas 200 pinturas, dibujos y esbozos relacionados con las experiencias de su vida, dolor físico y emocional y su turbulenta relación con Diego. Ella pintó 143 pinturas, 55 de las cuales son autorretratos. Cuando le preguntaban porque pintaba tantos autorretratos, Frida contestaba: "Porque estoy sola tan a menudo, porque soy la persona que conozco mejor".

En 1953, cuando Frida exhibió en solitario por primera vez en México (la única que celebró en su país natal durante toda su vida), un crítico local escribió:

"es imposible el separar la vida y el trabajo de esta persona extraordinaria. Sus cuadros son su biografía".

El trabajo de Frida es diferente Cuando se inauguró su exposición, la salud de Frida era tan mala que su mçedico le dio que no se levantara de la cama. Frida insistió en asistir a la inauguración y, en el puro estilo de Frida, así lo hizo. Llego en una ambulancia y su cama en la parte trasera de un camión. La colocaron en su cama y cuatro hombres la cargaron y llevaron hacia los huéspedes que esperaban.

El 13 de Julio de 1954, a la edad de 47 años, Frida falleció.

Una vez, cuando le preguntaron sus disposiciones funerarias, Frida replicó: "Quemar mi cuerpo...No quiero ser enterrada. He pasado mucho tiempo acostada. ¡Simplemente quemarlo!"

Sus cenizas fueron colocadas en una urna pre-columbina, la cual se exhibe en la Casa Azul que compartió con Rivera.

La casa azul

Un año después de su muerte, Rivera regaló la casa al gobierno mexicano para que se convirtiera en un museo. Diego Rivera murió en 1957. El 12 de Julio de 1958, la Casa Azul se abrió oficialmente como el Museo Frida Kahlo.

Recorrido virtual por el museo de Frida Kahlo

Los embajadores, de Holbein,

2010-01-23T22:27:00.007+01:00

Jean de Dinteville y Georges de Selve son los dos personajes retratados por Hans Holbein el Joven, en este cuadro que actualmente está en la National Gallery de Londres.
Posiblemente la deberíamos considerar como una obra maestra de la pintura en general.

En ella nos encontramos con una triple conjunción de asuntos importantes: sus resonancias históricas, su riqueza simbólica y su dominio en la técnica.
En la parte de delante hay una forma que se conoce como anamorfosis que consiste en una técnica ingeniosa de perspectiva, usada para dar una imagen distorsionada del sujeto representado en una pintura cuando se ve desde el punto de vista usual, pero de tal manera distorsionada que si se ve desde un ángulo especial o si se refleja en un espejo curvo, la distorsión desaparece y la imagen en la pintura resulta normal. Esta palabra viene del término griego que significa trasformar, el término anamorfosis se utilizó por vez primera en el siglo XVII, aunque esta técnica había sido una de las más curiosas consecuencias del descubrimiento de la perspectiva en los siglos XIV y XV.

La figura parece un cráneo humano, por los tanto podría hacer alusión a las vanitas

Jean de Dinteville situado a la izquierda,

era embajador de Francia en Inglaterra en 1533, fecha de la realización del cuadro. Y a la derecha se encuentra su amigo, Georges de Selve, obispo de Lavaur, que ocasionalmente fue embajador ante el Emperador romano germánico, la república de Venecia y la Santa Sede.
Ellos están observando al espectador, se apoyan en un mueble con estantes, donde hay varios objetos relacionados con el quadrivium, las cuatro ciencias matemáticas entre las siete artes liberales: la aritmética, la geometría, la música y la astronomía.
En la parte de arriba se puede ver claramente una esfera celeste, algunos objetos de medición del tiempo y un libro.

La alfombra sobre la que están tiene unos curiosos motivos geométricos.
En la parte inferior hay un globo terráqueo, dos libros, un laúd y cuatro flautas en un estuche.

Jean de Dinteville está ricamente vestido con una indumentaria de la que destacan el rojo de sus mangas y una cadena dorada que cuelga de su pecho con una medalla decorada con un ángel, prueba de su pertenencia a la Orden de San Miguel.
Georges de Selve está totalmente vestido de negro, envuelto en un abrigo de piel.Otro símbolo de riqueza y de buena posición.
La pintura puede que esté indicando la toma de posesión de un embajador francés recientemente nombrado en la corte de Inglaterra y la visita que le hace por este motivo a su amigo.

Es una pintura llena de símbolos, indicaciones ocultas, referencias; todo esto era bastante normal en la pintura del Renacimiento.
Cuando Holbein, el joven, pintó este retrato, en 1533, Europa estaba dominada por cuatro figuras principales:
El rey de Francia Francisco I
El de Inglaterra, Enrique VIII
El emperador romano germánico Carlos V (Carlos I de España)
y el papa Clemente VII que moriría al año siguiente.

La Natividad en la Martorana (Palermo)

2009-12-26T20:49:00.007+01:00

Frente a la iglesia de San Cataldo, en Piazza Bellini, La Martorana de Palermo es una de las más bellas edificaciones del arte normando del siglo XII en Italia.También se conoce como la iglesia de Santa Maria de Matorana.

Fue fundada por el almirante Jorge de Antioquia en 1143,almirante de Roger II, siendo donada en ese mismo año a la orden de monjas benedictinas, creada por Eloisa Martorana.
Eloisa Martorana, una noble italiana, hizo construir un monasterio en Sicilia que tomó su nombre, en 1193. Las monjas del convento eran en su mayor parte de origen griego y se dedicaron a la elaboración de una masa de azúcar y almendras, que luego trasformaban en miniaturas que representaban frutas y animalitos. Después las pintaban con vivos colores compuestos a base de goma arábiga, pigmentos extraídos de rosas, azafrán y pistacho.

Tan famoso se hizo el mazapán y tanto trabajo daba a las monjas italianas, que en el año del Sínodo de Mazara de 1575 se prohibió, por decreto, dedicarse a tal labor, que evidentemente las distraía de las prácticas religiosas. Aún así las monjas buscaron los medios para esquivar la prohibición y seguir produciendo sus ricos mazapanes.

En el interior de la iglesia se conservan una serie de mosaicos con escenas de la vida de la Virgen, de elegante factura bizantina.

El episodio de la Natividad presenta la delicada escena de María, poniendo en el pesebre al Niño, envuelto en pañales.
Abajo, una mujer prueba la temperatura del agua para el baño del pequeño Jesús.

La iconografía de la Natividad nos lleva a una de las grandes fiestas del año que culmina en el adviento ya que el nacimiento de Jesús significa la llegada del que para los cristianos sería El Salvador del mundo.
La fecha real de su nacimiento ha sido discutida por muchos eruditos y algunos de ellos incluso se han atrevido a fijarla en un año determinado, lo que queda claro es que (a pesar de las diversas opiniones), Jesús vino al mundo a traer la paz temporal y eterna y eligió, para nacer, una época de sosiego político y social.

El hecho de situarla el 25 de diciembre se relaciona con el sincretismo que habitualmente se produce en estos casos y el intento de situar los eventos significativos en fechas ya tradicionalmente utilizadas por culturas anteriores como el solsticio de invierno que es una de esas fechas de gran influencia en la humanidad.
en el evangelio de San Lucas se habla de hechos relacionados con el nacimiento y la infancia de Cristo; sin embargo encontramos más relatos sobre la Natividad en textos considerados apócrifos.Los más interesantes son: El Protoevangelio de Santiago, el Evangelio del Pseudo Mateo, el Libro de la infancia del Salvador y el Evangelio árabe de la infancia… textos en los que se inspiraron muchos de los artistas que acometieron la representación de la Natividad.
Los iconos bizantinos siguen un esquema de la representación del Nacimiento de Jesús, según la Iglesia Ortodoxa, reuniendo en un mismo icono narraciones del Evangelio y de los Apócrifos, como el ejemplo que he elegido de la Natividad de Palermo.

Vermeer, el milagro cotidiano de la luz

2009-12-18T20:59:00.006+01:00

La ciudad de Delft sirvió a Vermeer de hogar, y fue donde este pintor de almas reflejó el silencio y la luz de sus obras.
En la vista de Delft la maestría del pintor refleja lo magnífico del estilo de Vermeer.

No es una vista precisa y objetiva: solo algunos edificios responden a la realidad arquitectónica contemplada desde el exterior de las murallas y los canales que rodean el centro histórico de la ciudad.
La realidad y la fantasía se mezclan y se integran en la sencillez y en el secreto que guardan las casas de la ciudad.
Pero Vermeer no es un paisajista, ni tampoco un retratista en sentido estricto...
La muchacha del turbante, puede ser una obra que plantea hipótesis dispares en un intento de dar un nombre a la muchacha.

El cuadro posiblemente no sea un retrato, sino uno de los estudios de la cabeza de una mujer conocidos en tiempos de Vermeer como “tronies” (Se trata de retratos, normalmente de pequeño tamaño en los que el protagonista muestra una expresión facial).
La frescura y el encanto de esta obra no abandona la precisión con que está hecha.
La luz parece calentar desde dentro a la materia pictórica y parece hacerla vivir condensándose en detalles como la perla que brilla en su oreja.
Este puede ser el milagro de la pintura de Vermeer, su revelación de la vida secreta que se esconde en las cosas pequeñas y que puede darse a conocer en el observador de su obra si tiene ojos y corazón.

Este cuadro se encuentra en el Mauritshuis de La Haya.

ICONOGRAFÍA DE LA INMACULADA

2009-12-07T22:39:00.007+01:00

INMACULADA DE ALONSO CANO

La Inmaculada Concepción es una de las imágenes más repetidas de la iconografía popular española.El libro "Iconografía del arte cristiano", de Louis Réau, sea posiblemente el mejor documento escrito sobre la iconografía de la Inmaculada.

Este dogma católico estaba siendo cuestionado por los protestantes en el siglo XVII por lo que en España, como católica , se puso de moda la imagen de la Inmaculada Concepción.
La proliferación de imágenes de la Inmaculada en el arte Barroco español fue un hecho que se puede apreciar en todas las iglesias de predicación y, como no, en los museos.
La iconografía de la Inmaculada fue dictada por Francisco Pacheco, representándola a una edad juvenil.
Las fuentes de esta representación son el Cantar de los Cantares y el Apocalipsis.
En primer lugar, la Inmaculada está identificada como la novia del Cantar de los Cantares.
Las metáforas bíblicas, popularizadas por las Letanías de la Virgen de Loreto, aparecen a su alrededor: el sol, la luna, la estrella del mar, el jardín cerrado, la fuente, el pozo de agua viva, el cedro del Líbano, el olivo, el lirio, la rosa, el espejo sin mancha, la Torre de David, la Ciudad de Dios, la puerta del cielo.

INMACULADA DE ZURBARÁN

Los otros atributos de la Inmaculada están tomados del Apocalipsis (cap. 12). La luna, que nunca se representa llena, como en la Crucifixión, sino recortada en forma de creciente, evocaba la castidad de Diana.
Debo señalar que algunos historiadores del arte opinan que después de la victoria de Lepanto, los cristianos quisieron interpretar el creciente de luna bajo los pies de la Virgen como un símbolo de la victoria de la cruz sobre la media luna turca.(interpretación,en mi opinión, bastante cuestionable)

La leyenda Tota pulchra, que remite directamente a los versos del Cantar de los Cantares (Tota pulchra es amica mea, et macula non est in te, Toda eres hermosa, amiga mía; no hay tacha en ti), se interpreta como la autoría de Dios en la creación de María: mientras que los pintores firman sus obras faciebat (usando el imperfecto, puesto que son verdaderamente obras imperfectas), Dios, por el contrario, firma con las palabras Tota pulchra, ya que lo que sale de su mano es perfecto.

Se representa siempre vestida con túnica blanca y manto azul, símbolos de pureza y eternidad respectivamente, coronada con doce estrellas, la media luna y una serpiente a los pies simbolizando su dominio sobre el pecado.

La forma definitiva de la Inmaculada, que va a dominar a lo largo del siglo XVII, será la resultante de la conjunción del motivo Tota pulchra con el de la mujer vestida de sol del Apocalipsis.

El arte barroco del siglo XVII, por tanto, tiene el mérito de haber creado el tipo definitivo de la Inmaculada Concepción. Libre ya de todos los símbolos de las letanías, rodeada sólo por ángeles, sus pies aplastan la serpiente tentadora, para recordar su victoria sobre el pecado original.

La España mística se apoderó de este tema y le imprimió la marca de su genio. Y consiguió hacer su propia versión. Tanto es así que no puede pensarse en la Inmaculada Concepción sin evocar las obras de Zurbarán, Ribera o Murillo.
La Inmaculada Concepción de Zurbarán sigue las normas iconográficas dictadas por Pacheco.

INMACULADA DE ZURBARÁN
Zurbarán muestra una imagen con un fuerte realismo al ofrecernos un rostro cercano al espectador, alejado de idealizaciones.

La luz apenas crea contrastes lumínicos incidiendo en el manto de María para destacar sus pliegues. La luz dorada a su alrededor sugiere una visión sobrenatural, como si fuese el efecto de un teatro ya utilizado en la Visión de San Pedro Nolasco.

INMACULADA DE MURILLO

INMACULADA DE MURILLO
Os invito a ver la obra de Murillo y disfrutar de una Virgen del barroco muy personal
(pinchar sobre el nombre de Murillo y Virgen)

Un partido de tenis con Apolo (la muerte de Jacinto, de Tiépolo)

2009-11-24T23:21:00.004+01:00

En 1752 el Conde alemán Wilhelm Friedrich Schaumburg Lippe, encargó al pintor Tiépolo que le pintara una versión especial del episodio de la mitología que narra la muerte de Jacinto.
En el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid está ese cuadro tan curioso de Giambattista Tiepolo, que aparte de su incuestionable valor artístico, nos permite encontrar en él los orígenes del tenis.
En la muerte de Jacinto, un joven de clara piel resplandeciente está tendido con una pose un tanto decorativa, como si estuviera abandonado sobre un paño de seda tornasolado.
Tiépolo nos presenta al amante de Apolo agonizante en una escena luminosa, que no es precisamente la luz de Venecia la que irrumpe en la escena sino la de Wurzburgo, donde Tiépolo estuvo tres años trabajando para un príncipe-obispo llamado Carl Philipp von Greiffenclau del que había recibido el encargo de decorar su residencia.

Wurzburgo era una metrópoli palpitante y el Conde alemán Wilhelm Friedrich Schaumburg Lippe, hombre culto, conocía perfectamente las Metamorfosis de Ovidio, una de las obras indispensables en la formación clásica.
En el libro X, Ovidio nos cuenta que Jacinto, un hermoso joven, del que estaban enamorados Apolo y Céfiro, el dios del viento,
un atardecer Jacinto ofreció a Apolo jugar a lanzar el disco o pelota, que en esta versión no aparece el disco, pero sí aparece una raqueta de tenis y una pelota (podemos observar la raqueta en la parte inferior derecha).
Lanzó Apolo, (que para eso era dios mitológico) la pelota con tal fuerza que Jacinto quedó maravillado, pero Céfiro celoso, sopló y desvió la trayectoria de la pesada pelota dando en la frente a Jacinto…y tanta sangre salía de la herida de Jacinto que Apolo no pudiendo hacer nada para salvarlo no permitió que Hades, el dios de los muertos, reclamara al muchacho; y de la sangre derramada del joven hizo brotar una flor, el jacinto. Según la versión de Ovidio, las lágrimas de Apolo cayeron sobre los pétalos de la flor y la convirtieron en una señal de luto.

¿Y qué hace la raqueta en todo esto?,
parece ser que el tenis estaba muy de moda en la Venecia del siglo XVIII, de ahí que Tiépolo se permitiera el anacronismo y pusiera a un dios mitológico a jugar al tenis.

Aunque existen referencias escritas a este deporte de siglos anteriores, esta es una de las primeras representaciones gráficas de la raqueta y las pelotas, tal y como las conocemos hoy.

2009-11-19T22:37:00.002+01:00

Y para rematar desde este espacio la semana de la ciencia en mi colegio, le dedico a todos mis alumnos y especialmente a mis alumnos de Historia del arte este trabajo.

El hombre de Vitruvio es un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado por Leonardo da Vinci a partir de los textos del arquitecto romano Vitruvio titulados
-Vitruvii De Architectura-, y del que el dibujo toma su nombre.
Leonardo se representa a sí mismo, desnudo y en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrito en un círculo y un cuadrado.

Es cierto que Leonardo tuvo acceso a escritos que guardaban secretos y conocimientos de la antigüedad y sabía también el peligro que tenía revelar alguno de esos secretos, por ello muchas de sus anotaciones particulares, y algunas de sus obras públicas, están realizadas en una clave secreta que permite ocultar a la vista general la información que el artista plasma para un futuro lector, y que con la clave indicada, podrá descifrar en su momento.

El artista nos muestra a través de sus dibujos su maestría en la composición, y fundamentalmente, un profundo conocimiento de la antigüedad romana.
Sus investigaciones sobre los textos de Vitruvio y la geometría permiten asegurar que tenía un intenso conocimiento sobre la ciencia antigua y sus enseñanzas.

Exponer el saber y conocimiento que Leonardo atesoraba a través de los textos de Vitruvio no tiene porque parecer forzado, muy al contrario, Leonardo se identifica de manera completa con el arquitecto romano, y con toda seguridad fue entendedor de todas las enseñanzas de su lejano maestro en el tiempo.

El texto original de Vitruvio y que inspiró a Leonardo el dibujo donde se representa a sí mismo dentro de un círculo y un cuadrado nos remite directamente a que él creía haber alcanzado el secreto de la "cuadratura del círculo".

Las proporciones descritas por Vitruvio y Leonardo solo tienen sentido si realizamos un nuevo trazado, que aunque implícito en el dibujo original no aparece a la vista del observador
Me refiero al siguiente dibujo:
EL HOMBRE DE VITRUVIO EN MODULACION 10x10

En este dibujo Leonardo aparece dibujado dentro de un círculo de cinco codos de diámetro y de un cuadrado de igual dimensión que forma una cuadricula de diez por diez módulos.
La modulación del número perfecto :el diez.
El ombligo de su figura es el centro geométrico del conjunto. Es así como adquieren total sentido las primeras palabras de Vitruvio:

“Es imposible que un templo posea una correcta disposición si carece de simetría y de proporción, como sucede con los miembros o partes del cuerpo de un hombre bien formado.”

Leonardo en el interior del Templo, alcanza la cuadratura del círculo.

El círculo es símbolo del cielo y el cuadrado de la tierra, y el Templo intermedia entre uno y otro, y solo a través del Templo se logra la cuadratura del círculo, la unión indisoluble de la materia y el espíritu.
la modulación, oculta a simple vista, está en el dibujo de Leonardo y por los tanto concuerda con las palabras de Vitruvio:

"La disposición de los templos depende de la simetría, cuyas normas deben observar escrupulosamente los arquitectos. La simetría tiene su origen en la proporción, que en griego se denomina analogía. La proporción se define como la conveniencia de medidas a partir de un módulo constante y calculado y la correspondencia de los miembros o partes de una obra y de toda la obra en su conjunto."

Leonardo,con su obra comprende y alcanza "El Supremo Templo de la Arquitectura" que Vitruvio detalla en su texto:
"En conclusión, la ciencia de la arquitectura es tan compleja, tan esmerada, e incluye tan numerosos y diferenciados conocimientos que, en mi opinión, los arquitectos no pueden ejercerla legítimamente a no ser que desde la infancia, avanzando progresiva y gradualmente en las ciencias citadas y alimentados por el conocimiento nutritivo de todas las artes, lleguen a alcanzar el Supremo Templo de la Arquitectura."

Un abrazo para todos los científicos del colegio y enhorabuena a todos mis compañeros que han hecho posible que esta semana haya sido especial.

Una máquina celeste nos explica el universo

2009-11-06T18:43:00.007+01:00

En la semana de la ciencia (del 9 al 13 de noviembre de 2009) quiero apoyar a mis compañeros y a todos los alumnos del colegio Apóstol Santiago con este comentario de la obra de Joseph Wright of Derby.

Este cuadro trata de la ciencia y de la divulgación de los descubrimientos científicos y es cierto que estos días se va a respirar por el colegio ese aroma de ciencia y ese entusiasmo por mostrar y divulgar lo que “nuestros científicos” saben.
A comienzos del siglo XVIII El conde de Orrery financió la construcción de un aparato que reproducía la trayectoria de los planetas alrededor del sol. El aparato se llamó "orrery" en honor al conde de Orrery que patrocinó uno de los primeros modelos de este tipo construido por el famoso George Graham, genial relojero y artífice de aparatos astronómicos de alrededor del 1700.
En el cuadro claramente se distingue la Tierra con la Luna así como Saturno y sus anillos. El Sol queda oculto y también una manivela y un complejo sistema de tirantes que ponían los planetas en movimiento.

El filósofo que explica la órbita de los planetas está en el centro, dominando la escena con su toga roja, como si estuviera por encima de las demás figuras.

La mujer que está a la izquierda y los niños nos hacen ver que no es una clase universitaria sino más bien una reunión privada, casi familiar, posiblemente dentro de una biblioteca

Una interpretación que puede resultar un tanto curiosa es la de que las caras de las personas representan todas las fases de la luna, desde la luna llena en la cara totalmente iluminada de los niños, hasta la luna nueva de la cara del personaje de espaldas, pasando por todas las fases intermedias en el resto de los personales.
Los rostros de los niños son los más iluminados en el cuadro de Wright: estos niños no están aburridos sino que están entusiasmados y atentos a la demostración y tienen una expresión de felicidad que delata que están contemplando algo muy hermoso.
y también… que la luz que sale del centro representa la luz de la ciencia que ilumina/ilustra a todos los que quieren acercarse a ella.

Conocemos el nombre del caballero que está tomando notas por un retrato de Joseph Wright, se trata de Peter Pérez Burdett. Era agrimensor y dibujaba mapas lo que hace pensar que también era un hombre interesado en el cálculo de las órbitas celestes. Está representado de una forma elegante con un chaleco claro de listas y el sombrero sujetado debajo del brazo y en la mano tiene un moderno bastón de paseo.
Estas demostraciones estaban organizadas por la “Lunar Society” en Derby y otras ciudades inglesas.
Sus miembros se reunían una vez al mes, y solía ser el lunes más próximo al día que hubiera luna llena. Lo más seguro es que eligieran ese día deliberadamente porque así la luz de la luna les iluminaba el camino de vuelta, o quizá quisieran demostrar que los cuerpos celestes jugaban un papel importante en sus vidas y en sus reuniones.
La “Lunar “Society” era financiada y apoyada por hombres que pertenecían a una clase acomodada y tenía interés por las ciencias.
Entre los miembros de esta sociedad estaba James Watt, que construyó la máquina de vapor en 1765, que fue el invento más importante
En el siglo XVIII las ciencias naturales y la técnica ocuparon un lugar en igualdad de condiciones con la religión, el arte y la filosofía.
Enseñar se podía convertir en algo apasionante y en este cuadro de un tamaño importante (147,3 por 203,2 centímetros) no se estaba mostrando un gran acontecimiento; solo un profesor con unos discípulos buscaban el “conocimiento” en el Siglo de las Luces.
¡FELIZ SEMANA DE LA CIENCIA!

Las meninas o la familia de Felipe IV, (1656, Velázquez) EL FINAL DE LOS AUSTRIAS EN MADRID

2009-11-01T23:50:00.009+01:00

Vuelvo a asomar en mi blog el interés que tengo por el arte de la pintura ,con algunos secretos de una gran obra que siempre tendrá algo que contarnos y siempre dará lugar a invertir un tiempo para contemplarla y admirarla como se merece.

La pintura es de 1656.

Cuando Velázquez pintó las meninas , el rey Felipe IV tenía 51 años y estaba enfermo.

Su política interior y exterior había llevado a España a una ruina económica que se dejaba ver en todos los rincones del país y en palacio se servía en platos de oro, intentando mantener las apariencias de una corte (la de los Austrias) que durante cinco generaciones se había mantenido en el trono casándose entre ellos, lo que les llevó a desarrollar algunas enfermedades de consanguineidad que de alguna manera repercutían en los asuntos de Estado.

Felipe IV había heredado un fuerte imperio que fue poco a poco perdiendo y no solo en lo que a territorios se refiere, sino a relaciones económicas, rebeliones, pérdida de rutas comerciales…todo se podía resumir en un absoluto fracaso.

En el cuadro de las meninas , Velázquez retrata a Felipe IV y a su mujer Mariana de Austria de una manera indirecta, reflejados en el espejo de la pared del fondo, desdibujados los rostros con esa maravillosa técnica impresionista del pintor.

En ningún otro cuadro de Velázquez aparecen juntos el rey y la reina, y en éste , aun estándolo, sólo se distinguen a grandes rasgos.

Pero en el centro de la escena se encuentra la infanta Margarita, con cinco años de edad, y que intenta transmitir una sensación de felicidad familiar y de riqueza, así como un futuro esperanzador en la persona de la pequeña infanta.

Cuando Velázquez pintó este cuadro Margarita era el único vástago de la familia real. Era la esperanza de que vendría un heredero sano también a un trono que ansiaba la descendencia masculina.La luz que tiene la niña tiene un significado muy claro: la esperanza.

Y la mirada de la niña, como la de casi todas las personas representadas en el cuadro, reflejan el ambiente de conciencia de clase que se respira en la sala, que es a la vez el estudio del pintor y guarda esa intimidad compartida con las personas “importantes” de palacio.

Las meninas , damas de compañía, eran de familias aristocráticas del país. La de la izquierda se arrodilla ,no como un gesto de cariño, sino para cumplir un precepto: “sólo de rodillas se podía ofrecer algo aun miembro de la familia real”. Y esto era considerado un privilegio.

La dama de la izquierda posiblemente sólo estuviera colaborando con llevar el jarrito.

Bufones y perro

Los bufones y enanos eran un recurso para soportar el aburrimiento en palacio. Pero, también es verdad que ninguna corte europea tenía tantos personajes de este tipo como la española.

La enana del cuadro, Maribárbola era alemana y enanito que está con ella era Nicolasito Pertusato, de Italia.

Los enanos podían hacer todas as gracias que quisieran, vivían al margen de cualquier jerarquía de la corte y se les trataba igual que a los animales de compañía, como los perros. Y no es casualidad que aparezcan en el mismo rincón de la habitación.

EL FINAL DE UN PINTOR

Velázquez lleva en el pecho la cruz de caballero de Santiago, aunque en 1656, cuando pintó el cuadro, no pertenecía aún a esa órden aristocrática.

Ingresó en ella tres años después cuando quedó verificada su “pureza de sangre” , es decir que no tenía ningún antepasado judío o moro.

Posiblemente la cruz fue añadida después por un pintor anónimo.

Pero además de pintor, Velázquez desempeñó el trabajo de aposentador real lo que implicaba una gran variedad de obligaciones con la corte y además debía atender muchos asuntos particulares del rey.

Muchas de estas misiones fueron agotadoras para el pintor pues debía trasladarse y viajar muchas veces para poder cumplir.

En 1660 tuvo que ir hasta la frontera con Francia para formalizar el compromiso de la hija de la primera esposa de Felipe IV con Luis XVI.

Al volver a Madrid, en Julio de 1660, escribió que estaba agotado después de este viaje…

Murió un mes más tarde

Mi blog sigue dormido

2009-10-20T22:48:00.002+02:00

2009-09-25T16:52:00.000+02:00

LA “IMPRESIÓN” DEL NUEVO CURSO

2009-09-19T20:52:00.004+02:00

Al comenzar el nuevo curso viene a mi mente una obra que se podía considerar la “joya” del museo Marmottan de París.
Es una pintura de tamaño mediano que tiene el privilegio de haber dado nombre al impresionismo.
No se trata de la descripción de un paisaje, sino de la impresión del artista ante un momento muy particular del día: el amanecer, como particular es para mí el amanecer del nuevo curso.
Monet pintó el amanecer sobre un puerto. La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Mientras que el sol "lucha" por despuntar, las neblinas del puerto van apareciendo, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo.

La mancha oscura y evanescente que aparece en el centro de la escena nos deja reconocer una embarcación pequeña con dos personas a bordo.
La pintura la situamos claramente fuera de la tradición académica y buscamos en ella sensaciones de luz y color, contempladas al aire libre directamente, y esto hace que Monet renuncie a la paciente ejecución del dibujo y a la aplicación de composiciones clásicas.
Si queremos podemos comparar a la pintura impresionista con el desarrollo de la literatura francesa de finales del siglo XIX que nos indica el camino a la búsqueda del valor de las sensaciones y de la memoria involuntaria.
Si nos fijamos en el fondo de la escena se intuyen a pesar de la confusión que ejerce la bruma, formas de barcas, grúas, elementos relacionados con la industria que junto a los humos nos llevan a una confusión con la niebla en una extraordinaria vibración de luz.

En cuanto a la esfera anaranjada-roja que domina cromáticamente la pintura hace reverberar la tonalidad cálida sobre los fríos tonos azules y grises, tanto en el reflejo alargado del sol sobre el agua como en las sutiles tonalidades rosadas que se ven en las nubes.

El intimismo de Vermeer

2009-09-03T00:23:00.006+02:00

Hay, en la pintura de Vermeer , un encanto en la descripción de los interiores cotidianos, y a la vez, es uno de los temas favoritos de este pintor.
En estos interiores, el artista desarrolla el rutinario devenir de la existencia con una quietud encantadora donde se respira la satisfacción de todo lo que rodea lo más simple de la vida.
La percepción de la realidad alcanza una plenitud que actúa de forma envolvente como una luz que va marcando una profunda serenidad.

La costurera de 1670, es uno de los cuadros más famosos de Vermeer, aunque es un poco una obra atípica con relación a otras escenas de interior de este artista. Aquí la muchacha ocupada en la costura se sitúa en un primer término y por su tamaño centra toda la atención en la figura, mientras que el espacio circundante se reduce a un fondo neutro.
No obstante, esa sencillez que invade todo el cuadro confiere a esta pintura una fascinación frágil y preciosa.
Jan Vermeer de Delft (1632-1675), es el más exquisito artista de esa quietud. Con él, se puede sentir el silencio de los personajes en algunos momentos íntimos de sus vidas.

LOS ARTISTAS EN TIEMPOS DE VERMEER
En torno a 1648, se fue gestando en la burguesa y protestante Holanda un nuevo estilo de vida, a raíz de su separación de los vecinos flamencos del sur.

Estos cambios tuvieron consecuencias decisivas para el desarrollo artístico, tanto en lo que respecta a la promoción y consideración del artista, como a los clientes y temas que trató.
Se realizaban obras de menor tamaño, motivadas por los encargos de a una clase media burguesa.
La producción de los pintores se distribuía a través de la figura del marchante, persona dedicada a la compra-venta de cuadros, que con el tiempo cobró gran importancia como intermediario entre los artistas y el público. Por los tanto había un claro dominio de las leyes del mercado, que, por naturaleza resulta ajeno a la existencia del buen gusto.
Se pintaron temas distintos de los de las otras escuelas, donde la mitología y la religión eran argumentos dominantes. En Holanda, tenía más interés todo lo que se relacionara con la realidad cotidiana, las personas y sus actividades, bodegones y paisajes.

La vista de su ciudad natal, Delft, es una excelente explicación de la sensibilidad y el estilo de Vermeer.

No se trata de una vista precisa y objetiva ya que solo algunos edificios responden a la realidad arquitectónica contemplada desde el exterior de las murallas y los canales que rodean el centro histórico de Delft.
Estoy segura que Vermeer integró y modificó la realidad con un toque de fantasía, afecto y libertad del recuerdo de su ciudad.

Joven caballero de Vittore Carpaccio

2009-08-23T19:25:00.012+02:00

Han sido varias ocasiones las que he podido estar ante este cuadro, en el museo Thyssen Bornemisza, y debo decir que siempre descubro algo nuevo que me hace cambiar la interpretación anterior.
Cuando me voy acercando hacia esta obra tengo la sensación de que un paisaje inquietante y misterioso me presenta a un joven caballero no menos misterioso.
Siempre he pensado que este retrato de cuerpo entero podría ser la representación póstuma de un guerrero encajado en un espacio donde una cantidad de elementos se presentan como símbolos del bien y el mal, de la pureza y la corrupción.

En 1958, se descubrieron las inscripciones con la ficha, firma y leyenda, al serle practicado un proceso de limpieza .
Es uno de los cuadros más famosos del Museo.
Iconográficamente se merece un estudio pausado y detallista.

Empecemos por el joven a caballo

Parece que vaya de justa, o a una celebración.
Pero lo curioso es que se trata del mismo caballero retratado, en un desdoblamiento extraño, pues parece presentarnos a la misma persona en momentos diferentes.
El joven retratado está rodeado de animales y plantas que se presentan de forma abigarrada. Estos son símbolos de las cualidades del caballero: la lealtad representada por el perro, en dos ocasiones

La fortaleza representada por el roble (que se relacionaría con el apellido del retratado si realmente es un della Rovere),

El halcón relacionado con el valor con el valor
la azucena con la virtud,

El armiño con la pureza.

Es muy curioso como se representa la forma de caza del armiño, al que se rodea de inmundicias que es incapaz de atravesar…a modo de trampa; de ahí el mensaje que puede leerse en el "cartellino", Malo mori quam foedari, antes morir que mancharse.
Las plantas que aparecen nos dicen que es primavera, y el joven roble al que le salen las primeras hojas es paralelo del joven caballero, del que se esperan las mejores hazañas.
Su palidez (símbolo de nobleza en la Italia renacentista); su gesto melancólico y pensativo; la imagen a caballo, quizás como un recuerdo; la vegetación y la fauna, con los conejitos que se encuentran al lado de la figura de un buitre, con el vuelo de las cigüeñas a las que mira el halcón sin inmutarse; esa ciudad al fondo, con sus murallas reflejadas en el agua…
todo mezclado nos presenta una atmósfera de irrealidad, casi otoñal, vaporosa, mezclada con los signos de una primavera que parece perpetua.

Vittore Carpaccio retrató a una persona viva, lo más probable es que fuera un caballero con educación humanística, que comprendería todos los símbolos del cuadro y pensaría que se refieren a un futuro esplendoroso, lleno de virtud, y también fue capaz de realizar un "memento mori" bellísimo ya que hay una alusión muy clara a la juventud perdida tras la batalla y la fugacidad eterna del sacrificio voluntario.

Si queréis completar esta pequeña visión de este pintor, Vittore Carpaccio, os dejo una muestra de su obra

¿QUIÉN ERA LA DONNA NUDA?

2009-08-18T19:39:00.009+02:00

La manera de ordenar una escena o de representar al personaje son aspectos capitales a la hora de hacer un estudio de una obra.
La Venus de Urbino conocida también como la “donna nuda” es una obra de Tiziano con secretos y ciertos misterios que son mostrados a través de su composición y de la escena que se representa.

El primer misterio es el encargo de la obra al pintor Tiziano, que la realizó durante su estancia en la Corte de Urbino.
La Venus fue adquirida por , el hijo del duque de Urbino,Guidobaldo de la Rovere

El duque de Urbino,Francesco Maria della Rovere. era un hombre con un carácter fuerte y algo colérico: un típico condottiere, que probablemente murió envenenado por sus enemigos.

El duque de Urbino, estaba casado con Eleonora Gonzaga, mujer bastante considerada por los intelectuales contemporáneos, como el escritor Baltasar de Castiglione.
Tiziano recibía bastantes encargos del duque, entre ellos los retratos de la pareja ducal.
Al morir el duque de Urbino, su hijo siguió haciendo encargos a Tiziano y mostró un interés especial por esta obra, que sigue marcando un enigma en la historia del arte por la identidad de la mujer. Es muy probable que el interés que mostró Guidobaldo fuera porque la mujer retratada fuera su amante y esposa.
Algunos historiadores han hecho conjeturas sobre la idea de que Guidobaldo ya había encargado la obra para su boda en 1534, de ahí su ansia por tenerla; sin embargo no existen documentos que puedan probar esta teoría.

Pero el análisis formal e iconográfico de este cuadro me acerca a una serie de detalles que descubrirán los secretos de esta obra renacentista y neoplatónica.
Empezando por el ideal de belleza que queda en detalles como el ramo de rosas en la mano de la joven tendida, que guardan el significado de un atributo de Venus y subrayan así el ideal de belleza y los gustos eróticos del renacimiento pleno.

También el estudio del cuerpo nos sitúa en un momento en que el ideal de belleza femenino atiende a unos esquemas y patrones muy concretos como:
- La frente, deja de representarse alta para dejar paso a una frente con cabellos, preferiblemente claros, que dulcifican los rasgos.

- La silueta aparece más corpulenta
- Los pechos solo se consideran hermosos si son pequeños, redondos y firmes
- El vientre ligeramente redondeado (símbolo siempre de fecundidad)

EL ARCA, ELEMENTO INDISPENSABLE DE LA DOTE
Al fondo de la estancia dos sirvientes (vestidas) nos invitan a indagar su función.
La que se ve arrodillada de espaldas además de ser un ejemplo rarísimo en la pintura aparece rebuscando en un arca (cassone) para la ropa, que constituían una pieza importante de la dote y marcaban la importancia de la fortuna de la familia.
Y la que está de pié colabora en la tarea de buscar la ropa o simplemente ayuda a sujetar lo que la mujer que está de rodillas saca del arca.

Aunque Tiziano ha pintado en este cuadro numerosos detalles fieles a la realidad, no es un cuadro realista.

2009-08-08T22:46:00.004+02:00

Hace algo más de un año, puse en este blog un trabajo sobre el pintor checo, Alphonse Mucha (1860-1939) y me sentí muy motivada a trabajar un poco sobre su obra, entre otras cosas porque acababa de visitar la exposición que hubo en CaixaForum en madrid.
Después de varios meses comentando otras obras de arte que me llegan a conmover, obras por las que he sentido la necesidad de dejarlas un sitio en mi espacio de arte...seguía necesitando volver atrás y fijarme y obsevar un poco más un retrato de los que te han hecho sentir algo muy especial.

El retrato de su hija Jaroslava

un retrato ante el que nos detenemos a pensar y a preguntarnos,
¿qué nos querrá decir?
Para Alphonse Mucha su hija Jaroslava no está retratada como una chica seductora y sensual, sino más bien como una mujer inteligente y moderna.
Solo hace falta que le miremos los ojos, que resaltan con una mirada de persona que ya ha crecido y que llama a la puerta de la independencia o responsabilidad.

El turbante muy grande cubre su pelo y va derramando por el cuerpo,y parece que está sentada,inclinada hacia delante,pero sólo vemos su cara, y de su cara los ojos destacan por su mirada atenta como si nos estuviera haciendo una llamada de atención hacia el pintor (su padre).
Es una mirada de admiración y reconocimiento.
Este retrato tiene una sensualidad en la indumentaria y una coqueteria en los gestos de las manos que proclaman la belleza del alma a través de la belleza del cuerpo.

Fotografía de Jaroslava (hija y modelo del pintor)

Alfonso Mucha trabajó por la belleza, para él era su gran necesidad.
En el mundo del arte en el que triunfan las vanguardias, las artes que intentaban ir más allá del establecimiento de nuevos discursos estéticos, e incluso de los antidiscursos...
En ese mundo, el pintor A. Mucha emerge como una evolución revolucionaria de la tradición del siglo XIX.
Valora lo que sucede a su alrededor, y su obra lo muestra, se empapa de lo que están haciendo los más rabiosos artistas de vanguardia, pero nunca abandona su estilo, sus ideas, su universo, su forma de mostrar una sofisticada belleza.

LORENZO LOTTO (1480-1556)

2009-08-02T19:15:00.005+02:00

A Lorenzo Lotto hay que considerarlo como uno de los pintores más complejos del Renacimiento. Tuvo una vida solitaria, y vivió en diferentes lugares.
Este pintor tuvo una trayectoria artística y humana como una espina clavada en el corazón del Renacimiento.
Gracias a Bernard Berenson descubrimos a este pintor veneciano. En su monografía sobre Lotto, publicada en 1895, Berenson nos descubrió el arte de este pintor que pareciera no haber existido nunca.
Nació en Venezia hacia 1480. Es aproximadamente tres años menor que Giorgione y alrededor de diez años mayor que Tiziano.
Sabemos quehacia 1498 se encontraba ya en Treviso.
Después, Bergamo, Ancona, Recanati y Roma …son algunas de las ciudades en las que vivió.. Dicen que era difícil relacionarse con él pero encontró desahogo y compañía en una especie de diario que escribe entre 1538 y 1553. El Libro di spese diverse donde sólo nos revela sus modestos gastos y precarios ingresos.
Un día de la primavera de 1549,el viejo Lotto subastó en una calle de Venecia las pocas cosas que le quedaban…
Al final de su vida él volvió a Venecia, lo que suponía un desafío, ya que allí sólo iba a encontrar la indiferencia del público y la hostilidad del entorno de Tiziano. En más de veinte años sólo pintó tres obras para las iglesias de Venecia que no tuvieron mucha aceptación.
Al abandonar Venecia, después de desprenderse de sus pocas pertenencias llamó a la puerta del convento de Loreto y allí se apagó su vida.

De 1505 es este retrato de hombre joven (Kunsthistorisches Museum, Vienna)
Este retrato pertenece a la primera época de Lotto, posiblemente a los años que estuvo en Treviso.
Los retratos de este pintor son intrigantes y originales. Para mí este retrato tiene un atractivo donde flota la melancolía y la belleza.
La forma de utilizar la luces, los contrastes, las posturas no es banal, el personaje nos muestra una vida interior rica, fascinante e incluso algo atormentada.
Lotto trabajó en este personaje la apariencia sensible con mucha precisión:
- El contraste entre el traje del personaje y el fondo

- El precioso brocado de la tela del fondo

- Y , pequeños detalles, como el candil de la parte superior derecha.

Y por último algo sobre la luz del cuadro:
Los blancos dan al cuadro una luminosidad fría, casi espectral, que profundiza el melancólico misterio del desconocido.

LA MUERTE DE PROCRIS de Piero di Cosimo

2009-07-23T23:14:00.008+02:00

Al contemplar esta obra de P. di Cosimo, emana una extraña seducción, posiblemente por ser un tema inusual o por tener un estilo interesante y cautivador.

Este autor vivió de 1462 a 1521 en Florencia y por lo tanto asistió al momento más importante del Renacimiento, es decir, vivió el apogeo de la ciudad bajo el gobierno de Lorenzo el Magnífico y vivió su decadencia.
El tema de este cuadro puede ser un enigma: una mujer semidesnuda, con una herida en el cuello está tendida en un suelo florido y cenagoso.

Un fauno la obseva y se inclina sobre ella, y un perro vela a la mujer, sentado a sus pies.

Parece un amanecer...

Es muy probable que se trate de una leyenda antigua contada por el poeta romano Ovidio en sus "Metamorfosis": LA MUERTE DE PROCRIS.

Es un relato triste sobre la sospecha de celos que destruye la felicidad de una pareja: Céfalo y Procris

Céfalo, un día se difrazó para comprobar la fidelidad de su esposa y cuando ésta estaba a punto de sucumbir, él se dió a conocer y Procris avergonzada huyó al bosque a pedir ayuda a la diosa Diana.
Céfalo, arrepentido de lo que había hecho la pidió perdón pero ella era ahora la que sentía celos y le siguió hasta el bosque, cuando este iba de cacería, pero la mala fortuna hizo que Céfalo la hiriera con una flecha, confndiéndola con una presa..
Céfalo no aparece en el cuadro pero si aparece el perro Laelops que le regaló Diana a Procris y que es el símbolo de la fidelidad.

La leyenda está pintada en una tabla de una medidas extrañas: 65 centímetrospor 183 centímetros, lo que hace suponer que sería el frente de un arca nupcial ("cassone")
Estas arcas alargadas formaban parte de las dotes nupciales y eran colocadas a los pies de las camas matrimoniales.

El paisaje de este cuadro es de un aire melancólico con un cielo incierto y sin las líneas de fuga, propias de una perspectiva renacentista.

Es un espacio sin límites.

El fauno o sátiro que se inclina hacia Procris,no es mencionado por Ovidio, pero el pintor lo introduce con un aire de sensibilidad sin olvidar el elemento salvaje

Deberíamos reflexionar ante esta obra y tratar de entender el mensaje de un reino de fantasía que puede enlazar con la realidad.

REINA LA SOLEDAD BAJO EL PARAGUAS

2009-07-14T22:37:00.005+02:00

Una encrucijada de calles de París en una tarde de invierno: avenidas anchas, grandes perspectivas, fachadas uniformes de las casas…es el París de hoy.
En 1964 el Art Institute de Chicago compró este cuadro:

“Calle de París en un día de lluvia”, GUSTAVE CAILLEBOTTE (1877)

Caillebotte hace un enfoque casi fotográfico con una composición marcada por una complicada perspectiva, característica constante en sus primeras obras.
Zola, quien apreciaba bastante a Caillebotte, la describía como "una pintura antiartística, limpia, helada y burguesa, a fuerza de exactitud."
Caillebotte usa colores planos y el efecto de foto tan realístico del cuadro le da una característica de un aspecto moderno, casi similar a la obra del pintor estadounidense de estilo realista Edward Hopper.

El título del cuadro alude a una calle de París, sin embargo se ven varias. La que diascurre desde el primer término hasta el fondodel cuadro es la rue Turin; de izquierda a derecha la atraviesa la rue Moscou, a la que va a parar desde atrás la rue Clapeyron. El cruce de estas calles se llama actualamente plaza de Dublín y se encuentra cerca de la estación ferroviaria de Saint- Lazare.
Este plan urbanístico era obra del barón George Eugène Haussmann por encargo de Napoleón III que deseaba que desapareciera el centro medieval, con sus callejuelas estrechas y edificios húmedos que resultaban insalubres . El emperador quería cambiar las condiciones de vida de París y por eso le encargó a Haussmann que se “pusiera en marcha”.
Este ambicioso plan urbanístico favoreció a muchos empresarios y banqueros y el padre de Caillebotte fue uno de ellos.
Las normas de construcción eran unitarias y en la pintura de Caillebotte se puede contemplar que las calle eran amplias y conducían a una plaza presidida por algún edificio importante.
Caillebotte eligió un ángulo visual que le permitió hacer una pintura casi geométrica.

Las figuras principales trasmiten distancia y discreción

Miran de reojo en lugar de observar al hombre que se aproxima y que inevitablemente tiene que apartar el paraguas para no chocar con ellos.

Esta es la más famosa y ambiciosa obra de Caillebotte, expuesta en la Tercera Exposición Impresionista en la Rue Le Peletier, donde no fue bien recibida por la crítica en general.
L'Évenement comentó que "el dibujo es de cierta calidad, pero Caillebotte parece haber olvidado incluir la lluvia".
Es una de las mejores representaciones del París del siglo XIX.

Las mujeres inmateriales de Utamaro

2009-07-09T18:07:00.006+02:00

Cuando llegaron a Europa a finales del siglo XIX las obras de Kitagawa Utamaro, ejercieron una gran influencia en otros pintores japoneses del estilo ukiyo-e, como Ando Hiroshige.
Los impresionistas fueron los primeros en admirarlas, y más tarde muchas de las primeras vanguardias del siglo XX se inspiraron en ellas.
Entre las mejores realizaciones de Kitagawa Utamaro se encuentra el álbum titulado Doce vistas de fisonomías de bellas mujeres (1803).Representan escenas de teatro, actores y prostitutas del famoso Yoshiwara, el barrio de placer de Tokio.
Sus bellezas femeninas, casi siempre de medio busto, son, en particular representaciones idealizadas, inmateriales, ejecutadas con colores planos y con un dibujo muy expresivo, el tipo de estampas más características del estilo ukiyo-e.

Kitagawa Utamaro es uno de los pintores japoneses más conocidos y valorados en Occidente, representante destacado del movimiento Ukiyo-e, que dominó el arte japonés de los siglos XVII al XIX.

Se formó en Edo, hoy Tokio, con Toriyama Sekien, artista de la escuela Kano.
La fama le llegó en 1788, con dos álbumes de xilografías titulados, respectivamente, El libro de los insectos y El poema de la almohada.

Una gran belleza compositiva domina el cuadro.
Está realizado con tinta china y pigmentos sobre papel de arroz. Es de suma sutileza, de gran preciosismo...

Juan Muñoz y el espejo constante

2009-06-21T22:53:00.008+02:00

En 1953, en Madrid, nació Juan Muñoz.
Estudió arte en Inglaterra, allí conoció a su esposa, Cristina Iglesias, también escultora, con quien tuvo dos hijos.
Continuó sus estudios en Nueva York, con una beca Fulbright y en la ciudad de N.Y. coincide con Richard Serra y trabaja como asistente del escultor Mario Merz.
Fué Premio Nacional de las Artes Plásticas en 2000,y es el primer español que ocupa y transforma la Sala de Turbinas de la Tate Modern londinense.
Su muerte fue prematura , en Ibiza, durante unas vacaciones, cuando tenía48 años.
La exposición en el Reina Sofía es de esculturas, dibujos, instalaciones, , 'ingenios'...que se reparten por diferentes espacios del museo, favoreciendo la teatralidad de la muestra, y llenando de magia e imágenes inquietantes los rincones del Reina Sofía.

Obra: 'Two Seated on the Wall', 2000

Una de las obras más conocida s de Juan Muñoz y quizá una de las más ambiciosas es 'Many times', MUCHAS VECES (1999).

Esta obra ocupa una sala completa, está formada por cien figuras con unos rostros y unas expresiones similares: tienen rasgos asiáticos y sonríen con cara de bondad.
Solamente sus posturas los hacen distintos y apuntan un movimiento dentro de la quietud que casi provocan los visitantes
Pasear entre ellos provoca sensaciones extrañas: los visitantes a la sala invadimos el espacio de las figuras, de forma hasta grosera, Los hombrecitos permanecen impertérritos y sus ojos nunca miran al espectador.

Por otro lado, los espejos aparecen con frecuencia en la obra de Juan Muñoz,

veía en ellos una forma de expresar alteridad: el espectador se refleja en la obra, pasa a formar parte de ella, sin que la figura que la protagoniza se inmute o salga de su ensimismamiento.

Gracias, Mangeles, por el sábado tan bonito que nos preparaste.
Quizá el espejo sea el símbolo del reflejo constante de nuestro aprecio y admiración

POP ART y fin de curso

2009-06-14T13:53:00.006+02:00

Cuando llega el final de curso son muchas las ideas, momentos, satisfacciones, disgustos…que se acumulan en las carpetas.
Y todos estos acontecimientos y conflictos se mezclan y dan lugar a un gran panel de imágenes comparables a una obra de arte pop

El Arte Pop posee una serie de aspectos que remiten a la cultura popular, su iconografía se alimenta de los elementos del mundo cotidiano, de imágenes que proceden de los comics, de las revistas o de los periódicos y también de la fotografía, del cine y la televisión.
En la historia del Arte el POP sale a escena acompañado de una serie de acontecimientos sociales relacionados directamente con las inquietudes que estaban dejando sentir el deseo de muchos jóvenes artistas y otros no tanto, pero que con su experiencia iban aportando lo que realmente enriquece al mundo del arte.

Fue a mediados de los años sesenta, cuando el movimiento estudiantil expandió sus críticas del sistema universitario a la sociedad de Alemania Occidental, surge así una ola de entusiasmo por el pop que arrasó a la República Federal.

La idea del pop que atraía casi mágicamente a la gente no se refería únicamente al nuevo arte acuñado por Warhol, Lichtenstein y Wesselmann, entre otros; tenía que ver también con la música de rock, el arte del póster, el culto a la rebeldía y los hippies, las drogas y, en general, cualquier manifestación de la "subcultura" y lo "subterráneo".
El pop se convirtió en sinónimo del nuevo estilo de vida de los jóvenes, quizás un estilo
de vida que se rebelaba contra la autoridad y aspiraba a liberarse de las normas impuestas por la sociedad.

La prensa conservadora condenó una vez más la decadencia de la cultura occidental, sin molestarse en investigar si la protesta -política o apolítica- era legítima.
Los críticos de arte preferían aislarse a meditar sobre Kafka y Kandinsky, la literatura experimental y el expresionismo abstracto, y denunciaban entonces al pop art como arte de supermercado, arte kitsch.
Varias ramas de la industria y el comercio se dieron cuenta que todo esto generaba un mercado discográfico, pósters, películas, indumentaria…y advirtieron que el movimiento de los jóvenes creaba necesidades que podían explotarse económicamente.

Los artistas pop exponían mercancías y declaraban que había arte en la producción serial de botellas de Coca-Cola, las estrellas de cine o las tiras de historietas…
La interpretación del pop en tanto arte crítico se vio alimentada en Europa por el hecho de que los artistas europeos de los sesenta, cuyas obras eran expuestas con las del pop norteamericano, desarrollaban un arte orientado a la crítica social.

Hubo un factor crucial en este movimiento y fue la atmósfera antiautoritaria y la adhesión a las teorías culturales de Marcuse.
Una atmósfera que proyecta un aura de crítica social sobre muchos fenómenos culturales que resultan absolutamente diferentes desde la perspectiva actual.
Quizás haber entendido el arte POP nos habrá ayudado a entender el final del siglo XX.

Silvestro Lega y LOS MACCHIAIOLI

2009-06-05T19:29:00.005+02:00

Silvestro Lega nacido en Modigliana, Emilia-Romagna, Italia, (1826–1895).
Fue uno de los máximos representantes del movimiento de los macchiaioli, junto con Giovanni Fattori.A medida que los aires del Risorgimento se desarrollaban la carrera artística de Lega se ponía en sintonía con los acontecimiento históricos de su país.
Las frecuentes visitas al Café Michelangelo le sirvieron para contactar con el grupo de los macchiaioli

Este interesante grupo de pintores que realizaban una pintura de mancha,con las luces y las sombras tomadas del natural, enlazando así con el Impresionismo.
Sin embargo, la evolución de Lega iba a ser de una manera muy gradual,trabajando en un primer momento en cierto claroscuro romántico.
En 1861 iniciará su pintura al aire libre, uniéndose definitivamente al grupo aunque sus obras recuerden al Quattrocento en algunos aspectos.
El concepto de "mancha", luz y color en el que se basó la pintura de los "macchiaioli" tiene un buen exponente en esta obra de Silvestro Lega
LA PÉRGOLA,1868,

...donde una tupida pérgola o toldo protege a un grupo de mujeres del calor de verano y en la atmósfera podemos sentir que el bochorno de verano envuelve y empaña la tarde.
Es una de las obras con más armonía cromática que podemos contemplar en la Historia del Arte y esta pintura puede relacionarse directamente con lo que sucedía en esos mismos años a orillas del Sena, en el naciente grupo de los impresionistas.

En EL CANTO DEL ESTORNINO(18679

(El Canto del Estornino. Florencia, Palacio Pitti)

Vemos una refinada prueba del intimismo lírico y amable de Silvestro Lega.
Siempre atento a captar, en el desarrollo cotidiano y sereno de la vida, pequeños momentos de emoción.

Arthur Hughes, "Amor de Abril"

2009-05-25T19:01:00.004+02:00

Hughes creó una imagen de gran frescura que John Ruskin, cuando la vio en el estudio del pintor, aún sin terminar (hacia 1855)se entusiasmó.
Poco después volvió con su padre al estudio del pintor para negociar con el artista y poder comprar el cuadro, pero desgraciadamente el trato no se llegó a cerrar, para desgracia de Hughes que andaba un poco mal de dinero, como la mayoría de los artistas jóvenes.
Al año siguiente este cuadro tuvo mucho éxito cuando se expuso en la Royal Academy, junto a unos versos del poema de Alfred Tennyson, "The Miller´s Daughter"(La Hija del Molinero)de 1833,dedicado a las penas de amor.
La pintura en realidad no se presentaba como una ilustración de los versos; de hecho el poema era un complemento al cuadro con el que establecía, de alguna manera, un juego sobre los sentimientos y la peleas de los enamorados.
La imagen de la joven está rodeada de bellísimos detalles: pétalos, hojas de hiedra, símbolos del amor y de la eternidad...

Y el efecto de la caída de la tela, casi de una nitidez fotográfica tiene el complemento perfecto en el foulard de gasa que sujeta con un gesto muy femenino

LOS JUGADORES DE CARTAS Lucas Van LEYDEN

2009-05-18T19:19:00.004+02:00

En el mundo del arte cuando nace una amistad hay además un interés por difundir y mostrar conocimientos que son recibidos con ganas y con entusiasmo, ni más ni menos que con las ganas y el entusiasmo del que lo cuenta.
Hace unos años, en los cursos de verano de la Fundación Universidad Rey Juan Carlos, en Aranjuez conocí a una persona muy especial que vivía el arte y lo sentía de una forma que me despertó una gran admiración.
Esa persona, con la que nació una amistad y un entendimiento es Begoña, voluntaria en el Museo Thyssen por la que siento admiración.
Su trabajo y sus explicaciones dejan huella. Y sus investigaciones a muchos nos alimentan en otros trabajos como es el que hoy voy a reflejar.

La obra del pintor holandés Lucas Van Leyden “Los jugadores de cartas” que la realizó entre 1513-15,sale a la luz entre un ambiente de fuertes convulsiones políticas y religiosas.
HOLANDA, en 1500, estaba en plena actividad, con autores como Jan PROVOST (Brujas), Jacob van CORNELIUS (Amsterdam) y Jan MOSTAERT (Haarlem), en los que pesaba mucho la herencia de los primitivos.
Las nuevas formas se encontraron con tradiciones sólidamente cimentadas, gracias a la obras de los “primitivos”, mezclando el gusto por la representación de lo cotidiano con un marcado carácter realista y detallista, mediante una perfección técnica de dibujo y color, con las nuevas corrientes clasicistas del Renacimiento.

En esta obra se muestra a dos hombres y una mujer sentados en una mesa al aire libre, jugando a las cartas.
La mujer parece tener jugada su carta, una sota de picas, que está sobre la mesa. Parece mirar al hombre joven que muestra un rey de picas y cuya mirada se fija, a su vez, en el hombre de mayor edad que saca un ocho del mismo palo.

Varias monedas están esparcidas sobre la mesa, alrededor de las cartas.

Se juega con una seriedad que casi parece cómica y desproporcionada para este tipo de juegos.
Un juego de cartas podía ser utilizado para representar una disputa de amor y, en este caso, posiblemente, una competición entre el hombre joven y el viejo por conseguir el favor de una dama.

Ha habido una especulación acerca de la identidad de los personajes
los hombres: se ha querido ver en ellos, la representación de dos figuras históricas: el joven, CARLOS V; el de más edad, el cardenal WOLSEY.
la dama: las iniciales FM, bordadas sobre el escote de su vestido, podrían referirse a Filia Maximiliani, lo que la identificaría con MARGARITA DE AUSTRIA, hija del emperador Maximiliano de Austria.
quizá tenga un significado oculto, como toda la escena.
La flor de lis sobre el tapete, distintivo heráldico de la casa real francesa,
Puede que Lucas fuera testigo de este encuentro entre los dos hombres, pues en ese momento se encontraba trabajando en la ciudad de Brujas, tal vez, para tal acontecimiento y que la fecha probablemente cierta del cuadro sea la de 1521 y no anterior.
Estos cuadros pueden parecer, a simple vista, escenas de género, pero Lucas continúa la tradición medieval y con ellas lanza un mensaje alegórico y didáctico.

La mayoría de sus escenas de juego lo son de cartas, pues permitía un mayor número de jugadores que el ajedrez, que también trata en numerosas ocasiones, de 2 a 4, con el consiguiente número de espectadores o mirones (en España se llamaban pedagogos), que ofrecen sus consejos a cambio de compartir ganancias.

Las naipes fueron introducidos desde la India, en el siglo XIV, por los mercaderes musulmanes, y no se difunden entre el pueblo hasta que la imprenta consigue abaratar su precio. Hasta entonces, las cartas, realizadas en madera, pergamino, metal o papel, eran, sobre todo, objetos de prestigio social que los más poderosos encargaban “pintar y dorar” y las imágenes se consideraron un muestrario de los estamentos sociales: oros=burgueses y mercaderes; copas=clero; espadas=milicia; bastos=campesinos y obreros.

El coste de las barajas hizo que fueran de uso exclusivo entre la aristocracia, pero poco a poco, se extendieron entre las clases más bajas y el número de jugadores se fue incrementando rápidamente.

Muy pronto, sin embargo, las cartas fueron prohibidas, pues, como todos los juegos de azar, involucraban apuestas de dinero, a menudo completado con el juego de dados. Las apuestas llegaron a ser tan elevadas ( se apostaban armaduras de caballeros, crucifijos, esposas e hijos) que se castigaban con el pago de multas y la ausencia de la ciudad durante varias semanas.

Las autoridades religiosas condenaron los juegos de todo tipo: consideraron el juego como una invención del demonio y como algo que destruía la razón y hacía caer en la desgracia.

Debemos prestar atención a la presencia de las mujeres en las escenas de juego. Fue frecuente desde el siglo XV introducir a éstas en los juegos de azar. Sólo podían realizar mínimas apuestas y les estaban prohibidos determinados juegos. No el de las cartas.

En el Museo Thyssen hay otras obras notables que recogen el juego de cartas:

a.- “Fumadores en un interior”, realizada en 1637 por el pintor flamenco DAVID TENIERS, en la tradición estilística de escenas de género nórdicas.

b.- “La partida de naipes”, realizada en 1948-50, por el pintor francés BALTHUS, con el que su prueba cómo el juego fue motivo de inspiración para pintores a lo largo de la historia de la pintura, incluso hasta el siglo XX: dos jóvenes, un niño y una niña, juegan a las cartas en una sencilla habitación. En la pintura de Balthus las niñas son reinas, por ello, siempre aparecen como ganadoras, mientras que los chicos representan un papel secundario y, aunque aquí está dispuesto a hacer trampa para ganar, la sonrisa que ella esboza evidencia que será la triunfadora, del mismo modo que lo eran en las obras de Leyden.

Muchas gracias por todo, amiga Begoña.

El juego de naipes en el siglo XV

2009-05-09T23:00:00.002+02:00

Giorgio Vasari en la primera edición de sus "vidas" consideró al fresco la más alta expresión de la pintura:
"De todas las modalidades que los pintores hacen, la pintura de muros es la de mayor maestría y belleza, porque consiste en hacer en un solo día sin retocar, lo que en otras modalidades se puede hacer en muchos días y retocando sobre lo trabajado. En la antigüedad era muy empleado el fresco, y los viejos modernos aún lo continúan haciendo. En este método se trabaja sobre la cal fresca, y no se deja nunca hasta que se ha terminado cuanto para este día hemos calculado trabajar. Porque al alargar el tiempo pintando, la cal forma una costra, ya sea por frío, calor, viento, o hielo, que enmohecen y manchan todo el trabajo. Y para que esto no suceda tienen que estar mojadas de continuo las paredes, y los colores que se emplean, tienen que ser de tierras y no minerales, y el blanco, tiene que ser de travertino cocido. Requiere aún una buena mano, resuelta y rápida, pero sobre todo un juicio seguro con autoridad total, porque los colores, mientras que está mojada la pared se muestran de una manera y secos de otro tono."

En la planta baja del palacio Borromeo de Milán hay unos frescos pintados durante la sexta década del siglo XV, cuyo autor no ha sido identificado.
En esta escena se ve a cinco personajes, vestidos elegantemente y con unos complicados peinados (señal de su elevada clase social) que se disponen a jugar una partida de naipes, el tarocchi,un juego muy difundido en Italia en el siglo XIV, importado desde el mundo islámico, donde ya se conocía desde el siglo XII.
Las cartas de lombardía, junto a las sarracenas eran una baraja compuesta de sesenta y ocho cartas de las cuales veintidós tenían figuras y cincuenta y seis estaban numeradas y divididas en cuatro palos: oros, copas, espadas y bastos.
Los juegos de cartas se volvieron ya muy populares entre la clase alta de la sociedad, y los artistas pintaban en las paredes de las estancias, escenas como la que podemos ver.

LA CUNA DE MORISOT

2009-05-02T18:44:00.005+02:00

La presencia de la maternidad en el mundo de la pintura, a propósito de la celebración del día de la madre ,me lleva casi sin darme cuenta a una obra de una pintora impresionista, Berthe Morisot.

Dentro del movimiento impresionista la presencia de las mujeres fue casi ignorada por los críticos de arte y no del todo considerada por el resto del grupo. Pero sería injusto dejar de lado la presencia de verdaderas artistas como Berthe Morisot, Mary Cassat, Marie Bracquemond y Eva Gonzales.
La primera exposición impresionista fue en 1874 y ya en ella encontramos la presencia de Berthe Morisot
La obra de Berthe Morisot contiene escenas intimistas ,el cuadro titulado “La cuna” (1872-Museo de Orsay), nos deja ver un mundo sereno. La Cuna, sin duda alguna, el cuadro más famoso de Berthe Morisot, fue pintado en 1872, en París. La artista representa en él a una de sus hermanas, Edma, velando por el sueño de su hija, Blanche. Es la primera aparición de una imagen de maternidad en la obra de Morisot.

Como otros pintores del grupo mostró preferencia por los visillos de muselina o gasa, que actuaban como filtro transparente para la luz del sol, tan importante en estas pinturas.

La mirada de la madre, la línea de su brazo izquierdo doblado, al que hace frente el brazo también plegado del niño, los ojos cerrados del bebé, dibujan una diagonal que resalta todavía más el movimiento de la cortina en el fondo. Esta diagonal relaciona la madre con su hijo. El gesto de Edma, que corre el visillo de la cuna entre el espectador y el bebé, intensifica todavía más el sentimiento de intimidad y de amor protector expresado en el cuadro.

El cuadro puede que no tuviera mucha repercusión, pero importantes críticos subrayaron, sin embargo, su gracia y elegancia. Tras haber intentado venderlo, sin éxito, Morisot no lo mostrará más y La Cuna permanecerá en la familia del modelo hasta su adquisición por el museo del Louvre en 1930.

Sus mujeres se distinguían por tener un cierto aire “chic” parisino, dado que ella misma era cuidadosa de su persona y coqueta.
Los detalles de la vestimenta no fueron olvidados ni aún en las escenas de exteriores, donde hasta el vuelo de las cintas de un sombrero daban el toque personal a sus obras.

El jardín de Felipe II en Aranjuez

2009-04-28T20:12:00.011+02:00

El río Tajo, que con su nombre indica el corte que hace en la meseta, crea una terraza en la que se abriga un clima especial que combinado con el arte da lugar a un prodigio en el páramo castellano: los jardines de Aranjuez.

Los jardines de Aranjuez son el fruto del paso de culturas y épocas que con cierta complicidad con el Tajo han ido creando un espacio donde los hombres han podido encontrar la imagen ideal del mundo.

Por Aranjuez pasaron culturas que dejaron su huella en la orilla del río. Pero es en la Edad Media cuando la Orden de Santiago, con sede en Ocaña, declara mesa maestral, para su manutención, a la dehesa de Alpagés, levantando en 1387 un palacio en el heredamiento de Gonzalo Chacón, en el meandro del río, el canal de azud y los huertos, para recreo de los caballeros.

Con los Reyes Católicos toma la forma de jardín el paisaje frondoso por el que gustaba pasear la reina Isabel, hasta tal punto que se llamará Isla de la Reina.

Carlos I quedó cautivado de las riquezas de este paisaje y aumentará el Bosque hasta tal punto que cuando sube al poder su hijo Felipe II le dará a este jardín de jardines un prestigio y una dedicación que lo transformarán en una obra de arte.
Felipe II con Juan Bautista de Toledo, Juan de Herrera, Gaspar de Vega y Jerónimo Algora, son los verdaderos creadores del jardín de la Isla, jardín renacentista que guarda ecos de tradición flamenca e hispano-árabe.
Pero Felipe II estaba buscando una síntesis en el jardín de su palacio y sus colaboradores trazaron un jardín en recuadros rectangulares adaptados a la forma natural del lugar.

Desde el año 1563 se comenzaron a construir algunas fuentes con “pilas de ladrillo, cañas de plomo, paredillas y suelos de azulejo”. Dándose al año siguiente “nueva y más graciosa forma; con calles y cuarteles para flores”

La nota hispano-árabe eran las plantaciones florales que se colocaron a voleo para conseguir agua de olor destilada al pie del jardín de la Isla.

En una de las cartas que Felipe II escribió a sus hijas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela se refiere al “junquillo* amarillo que os llevaron de Aranjuez...”
El rey amaba las rosas con las que se formaron setos en la Isla y especialmente la mosqueta (rosa con la parte central amarilla). Mandó que le enviaran limoneros, naranjos, jazmines y murtas* de Sevilla, Málaga y Valencia, que se guardaban en un invernadero llamado “naranjería” durante los fríos

En la actualidad sólo queda del jardín de Felipe II el que conocemos como “jardín del rey” situado en la esquina suroriental del palacio donde los setos de boj* dibujan un jardín de crucero con una fuente de jaspe* en el centro.

Quizás este concepto de jardín cerrado marcado por concepciones geométricas representa un jardín secreto, un “hortus conclusus” que muestra la imagen que se inspiró en el pasaje del Cantar de los Cantares que dice así:

“ERES JARDÍN CERCADO, HERMANA MÍA, ESPOSA;
ERES JARDÍN CERCADO, FUENTE SELLADA...”

Felipe II fue el creador de esa esencia que envuelve al visitante del jardín y a la vez se percibe la mesura y discreción que lo unifican.

LA ESCENA DEL JARDÍN

2009-04-20T18:46:00.004+02:00

En el siglo XVIII el jardín asume el aspecto de un vasto escenario vegetal en el que se producen encuentros galantes y magníficas fiestas.
El jardín se convierte en un auténtico escenario que sirve de trasfondo a las convenciones sociales y a la alta sociedad un espacio escenográfico en el que se mezclan galerías, terrazas, escalinatas...
Los artificios teatrales y los juegos de perspectiva crean ilusiones en un espacio ilimitado, incluso en presencia de una extensión considerable como es el caso del jardín de la Isla en Aranjuez.

En 1756, Francesco Battaglioli pintó una de estas escenas de los jardines de Aranjuez que mostraba como un jardín real estaba concebido como lugar escenográfico en el que era posible realizar magníficas fiestas.

Todos los elementos del jardín estaban decorados para acoger al rey Fernando VI y a su esposa, la reina Bárbara de Braganza con la corte que les acompañaba para celebrar las fiestas y celebraciones.

PIEDAD

2009-04-11T22:30:00.007+02:00

En muchas interpretaciones iconográficas del Descendimiento y del Llanto o Duelo, María pierde el sentido y se desvanece.
Pero cuando llega el momento en que es consciente de la muerte del Hijo,llega La Piedad.
La Piedad, iconográficamente es una interpretación de la desesperación íntima, solitaria, inconsolable de María, que tiene sobre las rodillas por última vez al Hijo muerto antes de entregarlo a José de Arimatea y a Nicodemo para que lo entierren.
Este tema no tiene referencia ni en los evangelios canónicos ni en los evangelios apócrifos, sino que deriva de la experiencia humana.

El tema ha sido interpretado por muchos artistas pero la Piedad por antonomasia la esculpió Miguel Angel.

La Virgen tiene un rostro juvenil. Quizá Miguel Ángel que era un atento lector de Dante quiso ilustrar el verso de La Divina Comedia: " Virgen madre, hija de tu Hijo..."

La lasitud de Cristo, a quien la Virgen tiene sobre las rodillas reproduce el modelo tradicional de la escultura alemana.

Hay un gran realismo en el tratamiento de la carne de Cristo que aparece sin vida, contrastando con la fuerza de la mano de María que sujeta con angustia a su hijo que parece que se va escurriendo hacia abajo.
Centrando la atención en la figura de María, La Piedad puede considerarse el correlato figurativo de Stabat Mater de Pergolesi en la música sacra y en Jacopone da Todi encontramos el paralelo literario.

LA ÚLTIMA CENA - SALVADOR DALÍ y la proporción áurea.

2009-04-09T00:20:00.004+02:00

La secuencia de los episodios que van desde la entrada de Jesús en Jerusalén hasta la Resurrección, constituye el repertorio más amplio de temas religiosos, pero también un tema general en sí.
Empecé el comentario iconográfico de esta secuencia el domingo de Ramos con el comentario de la obra del Giotto, y hoy continúo con la Última Cena de Salvador Dalí.

Hay muchas interpretaciones en la historia del arte sobre este tema que se conmemora la noche del jueves santo y cuyas fuentes iconográficas están en los evangelios canónicos.
En estos Evangelios Marcos y Lucas, evangelistas, describen un lugar confortable, una gran habitación …y eso ha dado pie a los artistas a representar de muy diversas maneras una sala lujosa en la que se celebró la Última Cena.
La mayoría de los artistas han sabido extraer de las fuentes escritas en los evangelios al menos tres grandes temas, con distintas variantes.
Estos tres temas son:
1) El tema dinámico y dramático del anuncio de la traición con las diferentes reacciones de los apóstoles.

2) El tema místico y solemne de la institución del sacramento de la Eucaristía,que correspondería a la obra de Salvador Dalí.

3) El tema melancólico del adiós de los apóstoles

Salvador Dalí en 1955, pintó La Última Cena de Jesucristo con sus Apóstoles que se encuentra hoy en la National Gallery of Art – Washington. Y lo hace colocando la escena en el interior de un dodecaedro.
Doce son las caras pentagonales del dodecaedro y doce fueron los Apóstoles. Las proporciones que rigen esta composición se rigen por el número de oro. El dodecaedro era el símbolo platónico del Universo, ya que en él se pueden inscribir los otros cuatro poliedros regulares que, decían los Pitagóricos, corresponden a los cuatro elementos (aire, agua, tierra y fuego) presentes a su vez varias veces en los pentágonos regulares.

Si se unen los centros de las caras de un dodecaedro entre sí, se forman tres rectángulos cuyas proporciones son las del número áureo.

Muchos estudios psicológicos han intentado determinar si la Proporción Áurea es la proporción existente más agradable desde un punto de vista estético y se ha llegado a demostrar que la utilizaron los creadores de las pirámides y del Partenón.
La proporción áurea se encuentra alrededor de nosotros en todo momento. Se considera la relación matemática de la belleza (por raro que parezca) y ha sido utilizada en obras artísticas de todo tipo.
En esta obra de Salvador Dalí la proporción áurea ha sido representada.

Salvador Dalí

Domingo de Ramos. La entrada de Jesús a Jerusalén, de GIOTTO

2009-04-04T22:25:00.011+02:00

Con el recuerdo de la entrada de Jesús en Jerusalem comenzaremos la Semana Santa.

Los artistas han realizado grandes obras para rememorar la pasión y muerte de Jesús, sobre todo en el campo de la pintura, la escultura y la música.

La pintura de Giotto di Bondone que se encuentra en la capilla Scrovegni muestra, en el extremo izquierdo a los apóstoles –entre los que se identifica, por los cabellos y barba blancos, a san Pedro– siguiendo a Jesucristo, que, vestido con una simple túnica roja y supongo que descalzo, bendice con la mano derecha, mientras que, con la izquierda, toma las riendas de la burra que cabalga.
Frente a él,varias persona colocan, en señal de honor, sus pertenencias en el suelo y una mujer junta sus manos y cubre su cabeza con su manto para adorar al Señor.
En segundo plano, dos niños subidos a sendos árboles y,diversos personajes –entre los que se encuentran judíos– que observan y comentan el acontecimiento frente a la puerta de una ciudad amurallada.

Giotto adoptó el lenguaje visual de la escultura al darles volumen y peso a las figuras que representaba.
Con sus composiciones , Giotto es el gran iniciador del espacio tridimensional en la pintura europea, tratando con un nuevo espíritu los temas religiosos que dominaron el arte medieval.
Su estilo se caracteriza por reflejar la emoción humana y una carga de todo lo que es importante para el ser humano.

Giotto fue capaz de crear impresionantes imágenes de gente y personas en crisis y hombres en los que se percibe claramente que están tomando decisiones espirituales. Los pintores modernos, encuentran en él una forma de aproximación al espíritu humano.
Esta característica es intemporal y ha seguido siendo válida para todas las épocas posteriores a la suya.

Las fuentes iconográficas nos dicen, desde el Codex Purpureus Rossanensis –escrito en Constantinopla o en Antioquía durante el tercer cuarto del siglo VI –,que la dirección de los discípulos, que actúan de comitiva, y la de los habitantes de Jerusalén es contrapuesta, con lo que todo converge en la figura de Jesús.
Esta escena aparece narrada tanto en los Evangelios sinópticos (Mt. 21, 1-11; Mc. 11, 1-10 y Lc. 19, 29-40), así como en el de san Juan (12, 12-19); sin embargo, que Jesús vaya montado en una burra lo aproxima a la fuente de san Mateo y de san Juan, que interpretan literalmente una profecía mesiánica de Zacarías (Zach. 9:9).

El festejo que hacen los habitantes de Jerusalén está tomado de las Actas de Pilato o Evangelio apócrifo de Nicodemo, en donde se dice que «los niños de los hebreos iban clamando con ramos en sus manos, mientras otros extendían sus vestiduras en el suelo".

La entrada de Jesús en Jerusalén se representa de esta manera,desde sus inicios,porque es una asimilación, por parte del arte cristiano, de la iconografía imperial derivada del ritual helenístico y romano del soberano visitando una plaza de su imperio o una ciudad conquistada.
El hecho de arrojar vestiduras y objetos de valor en el camino seguido por Jesús era un gesto de honor al rey ungido (II Re. 9, 13).
Las representaciones más antiguas de la entrada de Cristo en Jerusalén estarían fechadas alrededor del siglo IV y están influidas no sólo por la liturgia del Domingo de Ramos, sino también por el significado simbólico de la ciudad de Jerusalén.
Jerusalen era el centro de las grandes festividades, que tenían lugar en el Templo de Salomón, también se consideraba la ciudad eterna, la Jerusalén Celeste de la cristiandad.

La dama de honor (1851) JOHN EVERETT MILLAIS

2009-03-30T22:50:00.003+02:00

Una antigua superstición inglesa decía que si la dama de honor de una novia pasaba nueve veces un trozo de tarta nupcial a través del anillo podía adivinar el futuro que le deparaba en cuestión de amores.

La joven retratada por Millais, con esa expresión absorta, parece estar realizando ese conjuro.
Los prerrafaelitas como Rossetti,Waterhouse,Millais...buscaban en sus modelos la fascinación y realizaban un tratamiento especialmente delicado en sus personajes femeninos.
En esta obra, Millais también hizo algo innovador,el tratamiento del color.
La larga cabellera, domina el cuadro y lo invade con tonos cálidos anaranjados que se transforman en amarillos en su vestido de seda, aunque luego vuelven a tomar protagonismo en la fruta que aparece sobre el plato en primer plano.
El fondo del cuadro marca un contraste violento y parece empujar a la dama de honor hacia delante y... con la mirada fija hacia el frente y a la vez concentrada en el conjuro, parece mostrar un gesto de descaro y de afirmación de lo que, muy convencida, está haciendo.
Destaca la delicadeza del detalle floral del vestido, de pincelada casi impresionista y que nos permite centrar toda nuestra atención en el rostro de la modelo de fuerte e independiente personalidad pero, al mismo tiempo, de indudable encanto.

Anunciación y Encarnación (25 de Marzo)

2009-03-25T07:58:00.003+01:00

La Anunciación de la Virgen María se celebra el día 25 de marzo, nueve meses antes de la Natividad de Cristo.

Es la celebración del anuncio del nacimiento de Cristo hecho a la Virgen María, como se narra en el Evangelio de San Lucas.

Iconográficamente la Anunciación tiene varias interpretaciones y hay una que merece un aprecio especial, guardada en la Galleria Nazionale de Palermo, me refiero a la que pintó Antonello da Messina alrededor de 1477.

El rostro de la Virgen elude una idealización de carácter místico, es el rostro de una mujer siciliana real, con tal realismo que permite recrearse en los pequeños detalles.

Llaman la atención las manos de la Virgen, como en un plano de perspectiva distinto del conjunto, aparecen como adelantadas y suspendidas.

El pliegue del velo que cubre a la virgen, es un pliegue que parece una pieza de lencería recién sacada de un baúl.

La figura de María destaca por la piel que contrasta con el velo azul, y, a su vez, el velo azul se destaca sobre un fondo oscuro, dándonos una atmósfera íntima.

Sabemos que es una Virgen por el título de la obra; sin embargo, lo que vemos es una mujer corriente tocada con un paño azul, sin ningún elemento que nos indique que es la Anunciación, pero expresa sentimiento de candor, pudor y emotividad.

No fija sus ojos ni en el libro ni en los que la contemplamos, porque su desconcertante mirada se pierde en el ángulo izquierdo del cuadro.

A pesar del control de los gestos y de la expresión, Antonello presentó en este cuadro su personalísima interpretación del rigor geométrico de Piero della Francesca, simplificando colores y volúmenes al máximo.

No hay ángeles, no hay rayos divinos, no hay trompetas ni oropeles…

Pero llama la atención su mano derecha, ligeramente levantada hacia nosotros, y aunque no nos mire, nos está indicando que nos quedemos en nuestro sitio.

Ella está ahí, leyendo seguramente a la luz de una vela, y nos hace sentir que la hemos interrumpido.

Su mano se convierte en una especie de línea de demarcación: allí está ella en su intimidad, con su libro, y aquí estamos nosotros, extrañamente integrados en su momento;

El acto es el tiempo propio en un espacio codificado, del propio acto de lectura.

Hoy es la fiesta de la Anunciación y de la Encarnación y quien lleva ese nombre (alguien muy cercana a mí) puede que este trabajo le aporte algo más a su significado.

JOSÉ

2009-03-19T21:27:00.006+01:00

José
En la historia del arte a José se le representa como un hombre maduro o anciano.
Fueron Mateo y Lucas, evangelistas , los que aportaron algunas noticias sobre el esposo de María y padre adoptivo de Jesús (de ahí viene el apelativo de pp o padre putativo) y le presentan como un hombre justo, descendiente de la estirpe del rey David que vivía en Nazaret y trabajaba como carpintero.
Otros datos de José los encontramos en los evangelios apócrifos, en las creencias y devociones populares y son los que determinan de alguna manera más fácil y sencilla la iconografía sobre José.
La figura de José, anciano, mucho mayor que María responde a la necesidad de resaltar la paternidad divina de Cristo.
Algunos artistas han representado a José en sus obras siguiendo estas características iconográficas, pero una obra de un gran pintor rompió algunos esquemas e introdujo en la historia del arte una imagen de José, la de padre que custodia y protege a María y al Niño a la vez que colabora con un ángel sosteniendo de la forma más sencilla y cotidiana una partitura de música.

CARAVAGGIO en el “Descanso durante la huída a Egipto” nos hace ver un aspecto más poético de la narración bíblica.
Esta magnífica obra de Caravaggio, que se encuentra en la galería Galería Doria Pamphili, Roma, Italia es una muestra de una naturaleza serena completada por una composición en dos escenas
La del ángel y José

En la que podemos apreciar el aspecto poético que aporta la música al descanso al que antes hice mención…
Y…que sin saber con certeza a que fuentes específicas nos podemos referir, si podemos pensar que debe estar relacionado con el Cantar de los Cantares, lo que nos ayuda a encontrar la clave de la lectura de esta obra maravillosa.
Y así nos acercamos a la figura de María y el Niño (segunda escena)

En esta escena Caravaggio nos muestra con una delicia maternal el vencimiento de María ante el cansancio del viaje, apoyando su cabeza en la cabeza de su hijo y aislando la preocupación por un momento disfrutando de la ternura y el cariño.
Los cabellos rojos de María proceden de la figura bíblica de la mujer del Cantar de los Cantares de donde parece que se inspiró Caravaggio.

Muchos padres hoy habrán sentido marcada la obra de José en sus vidas y en sus deseos de protección... aunque estén lejos.

ATALANTA E HIPÓMENES de Guido Reni (1622-1625)

2009-03-11T21:26:00.008+01:00

Atalanta, en la mitología griega, fue una heroína reconocida por sus inmejorables habilidades para la caza.
Su padre quería únicamente hijos varones y por eso, al nacer Atalanta, la abandonó en el monte Partenio y pudo sobrevivir gracias a que una osa la cuidó y más tarde unos cazadores la encontraron y decidieron criarla.
Atalanta decidió no casarse y mantenerse virgen para consagrarse a la diosa de la cacería, Artemisa, ya que la caza era su gran pasión.
Como mujer se enfrentó a muchos peligros de los que siempre salía venciendo.
Atalanta al estar consagrada a Artemisa, implicaba que debía mantenerse virgen, y además un oráculo le había afirmado que se convertiría en animal si se casaba. Para evitar cualquier pretendiente, anunció que su esposo sería sólo aquel que lograra vencerla en la carrera, con la condición de que si ella triunfaba, debía matar a su oponente.
A pesar del peligro, muchos lo intentaron pero perecieron, porque era invencible.

Pero apareció un joven que logró vencer a Atalanta. Este joven llamado Hipómenes decidió probar suerte en la carrera para obtener la mano de Atalanta, pero tenía una ventaja y es que llevaba unas manzanas de oro que le había regalado Afrodita, diosa del amor, y que procedían del jardín de las Hespérides, y con ellas la engañó; cada vez que Atalanta le iba a alcanzar, Hipómenes tiraba una de las manzanas, y ella se detenía a recogerla fascinada por su belleza.

Hipómenes pudo vencerla y así obtuvo su mano.
La pareja muy enamorada vivió feliz durante un tiempo, compartiendo sus cacerías y hazañas. En una de estas, los esposos entraron en uno de los santuarios de Zeus, y como estaban muy enamorados se refugiaron y gozaron de su amor. Zeus montó en cólera por el sacrilegio y transformó a la pareja en dos leones.

Aparentemente, los griegos creían que los leones no se cruzaban entre sí, de manera que al convertirlos a ambos en leones, Zeus estaba no sólo quitándoles su condición humana, sino condenándolos a una vida separada. Además de transformarlos en leones, los condenó a tirar del carro de la diosa Cibeles
Esta obra de Guido Reni plantea una versión del tema mitológico . La figura de Atalanta acapara los papeles de atleta, cazadora, orgullosa e independiente.
Guido Reni elige una composición muy compleja pero quizá la más precisa y lograda de su pintura mitológica.
El tema se presta a una interpretación dinámica, pero el pintor eligió en cambio una variante estilística muy refinada que consiste en el cruce de los cuerpos luminosos de los dos contendientes, en gestos contrapuestos sobre el fondo marrón azulado del suelo y un cielo que confunde.
Es como si Guido Reni hubiera multiplicado por dos el efecto logrado por Mirón en su famoso “discóbolo” en el que el escultor lograba transmitir la sensación de energía escogiendo el momento de reposo entre dos movimientos contrapuestos: el impulso hacia atrás con el brazo que sostiene el disco y el cuerpo hacia delante, que marca el movimiento inmediato de lanzar el disco.

Reni, entrecruza el cuerpo de Atalanta inclinado hacia el suelo y pivotando sobre la pierna derecha,

con el de Hipómenes que aprovecha la situación para apretar el ritmo hacia delante pero no puede evitar lanzar una mirada al cuerpo desnudo de su amada.
El rostro de Hipómenes deja ver el gesto astuto del que confía en que la vanidad femenina le hará vencedor.

Sólo los flotantes peplos (paños o velos) dan idea del movimiento en una pintura que expresa un calculado clasicismo que pretendían instaurar los Carracci.

Atalanta , personaje formidable, simboliza la mujer que se rebeló contra todos los esquemas patriarcales de la Grecia Antigua y logró obtener el respeto de sus contemporáneos y es un personaje admirado en todas las épocas.

El nacimiento de la "naturaleza muerta"

2009-03-06T18:32:00.010+01:00

Desde el último decenio del siglo XVI, una novedad en la producción artística iba a cambiar el mercado del arte.
Los compradores de obras de arte ya no eran sólo aristócratas, sino ricos burgueses y representantes de las clases que estaban emergiendo como nuevas potencias comerciales.
Por todos estos motivos estaban surgiendo nuevos temas en la pintura en los que la naturaleza, las flores, las frutas, los objetos...tomaban una autonomía en el cuadro que iba a conquistar el nuevo mercado.

Fue Caravaggio el que le dió a un cesto de frutas toda la dignidad que merece.

Gracias a su talento incomparable podríamos considerarlo el verdadero fundador del género de la "naturaleza muerta".
Con una atención intensa al mirar esta obra, podemos descubrir un trabajo minucioso, equilibrado e insuperable...(se conserva en la pinacoteca Ambrosiana de Milán)(http://www.ambrosiana.it/ita/index.asp)
La "naturaleza muerta" se desarrolló por toda Europa, y en España, particularmente Zurbarán y Sanchez Cotán aportaron a este género un gran rigor y un fuerte misticismo.
Esta podía ser una muestra muy significativa de sus obras:

Naturaleza muerta de Francisco de Zurbarán, 1630-1635

La Luz, tenebrista, , contrastada y dura, hace resaltar los objetos sobre un fondo oscuro.El silencio es el máximo protagonista.

Bodegón de caza, hortalizas y frutas de Juan Sánchez Cotán (1602)

En esta composición destaca la sobriedad, se respira un intimismo y una intensidad, que se enfatizan por la luz lateral que produce grandes sombras, creando una ilusión perfecta y realista que harán de la obra de este pintor el prototipo del bodegón español.
Los objetos están colocados en el interior de una alacena y hay: un grupo de dos serines, dos jilgueros y dos gorriones en una caña, tres zanahorias, dos rábanos y un gran cardo blanco cerrando la composición. Y colgados del alfeizar superior: tres limones, siete manzanas, un jilguero, un gorrión y dos perdices rojas.

Y...fuera de España, Sebastián Stoskopff (1597-1657)

Este pintor realizó una interesante variedad de "naturalezas muertas" donde impresiona la refinada elaboración de los objetos de vídrio que se combinan con otros elementos.
Pero...una de las delicadas copas se ha roto, es ya inservible, quizá ilustra el tema de la caducidad de la belleza...

El Arte de la "lectura sentimental"

2009-02-26T10:20:00.006+01:00

La sociedad burquesa del siglo XIX cultivaba un tipo de vida emocional que se podría definir en un solo término, EMPFINDSAM, equivalente al calificativo inglés, sentimental.
En este tipo de vida, la lectura tenía un puesto destacado, porque leer significaba identificarse con las emociones que otro había volcado en el papel y permitía explorar y ampliar el potencial emocional.
Las obras de arte reflejaban ese sentimiento.
La lectura llegaba a cautivar hasta el punto de no percatarse de los gestos y la compostura, como se puede apreciar en la obra de Franz Eybl, que representa a una joven leyendo.

El libro parece cortarle la respiración...¿quizá por la emoción?...¿quizá por la empatía?...

El libro, incluso manifiesta un movimiento en la forma de las páginas leídas donde la luz se introduce entre las páginas.
El ambiente que envuelve a la joven es neutro, pasivo, tranquilo...
Sin embargo el interior de la chica se nota agitado, está atrapada por la lectura pero con un rostro ingenuo, encantador, encontrando el equilibrio que se podía ver en las escenas idílicas de la vida cotidiana de la época del Biedermeier
(EL BIEDERMEIER (1810-1860)
"VIRTUDES PRIVADAS, PLACERES HONESTOS")(lo podéis ver en este blog,clasificado en el Romanticismo)

Realmente, mostrar el estado de vida interior de los individuos se convirtió en un gran reto de la pintura del siglo XIX.

Y buscando una figura más ascética y austera aun, quedé sorprendida por la imagen sobria de este cuadro de Adolph Hennig (pintor neoclásico, de la escuela de Leipzig) en el que yo veo un cierto toque de modernidad.

En un fondo monocromo la lectora está aislada de cualquier referente social, cultural o religioso.

El negro de su pelo lacio y con la raya en medio se repite en el libro que sostiene en sus manos, que cruzadas descansan sobre las rodillas dobladas (postura que tantas veces hemos visto en los jóvenes que se acoplan en un rincón de la casa, o en el patio de recreo, o en un parque, cerca de un árbol).
El escote geométrico del vestido refuerza el contraste entre el negro y el color coral, lo que da más fuerza expresiva al color del cuadro.

Todo queda suspendido por la lectura seductora que puede animar a las lectoras y lectores SENTIMENTALES.

El Arte de la "lectura silenciosa"

2009-02-21T21:16:00.008+01:00

Los libros que pertenecen a una persona dan una idea de que tipo de persona es.
Cada biblioteca privada es como la autobiografía de su dueño, es el espacio capaz de contar una vida...y en cada libro hay algo de nuestro pasado.
Una persona va creando desde su infancia una biblioteca que ocupa de alguna manera un lugar en la vivienda y donde se vuelca el sentimiento de querer poseer las lecturas y se va identificando con lo que lee.
En el arte occidental, desde la Edad Media hasta la actualidad ha habido muchos artistas que han reflejado en su obra una forma muy especial de amar a los libros a través de representar mujeres leyendo.
Podemos partir de la imagen de la Reina de los Reinos, Leonor de Aquitania.

En la abadía de Fontevrault (Fontevraud-l'Abbaye) hay una representación de la reina Leonor de Aquitania,con un libro abierto entre las manos que podía ser una interpretación de los goces celestiales que se alcanzan al leer en silencio.

Ya en el siglo XV en la representación de la Virgen en la Anunciación de Simone Martini, vemos a una mujer culta y de espíritu, sorprendida por el ángel cuando está leyendo.

La Virgen tiene una actitud defensiva que parece combinar con cierta indiferencia.
Sujeta su manto por debajo de la barbilla (gesto muy común). Y su mano izquierda
sostiene un libro rojo -símbolo de la sabiduría- que sujeta con el pulgar de una forma muy doméstica, para no perder el capítulo que estaba leyendo.
Seguramente es un libro de horas, que a finales de la Edad Media se consideraban devocionarios privados. Estos libros sólo los tenían en los hogares acomodados y también se utilizaban para enseñar a leer a los niños.

María es una figura que representa a una mujer inteligente que practica la "lectura silenciosa"

En la ventana, contemplando serenamente el momento

2009-02-13T16:29:00.006+01:00

Mujer ante el espejo (1827)
Autor: Georg Friedrich Kersting

El tema de la ventana como tema autónomo alcanza su plenitud en el Romanticismo.
Especialmente el Círculo de Dresde, en torno a Caspar David Friedrich, alcanzará una gran prosperidad en autores como Dahl y el propio Kersting.
Kersting en esta obra se aparta del misticismo para pintar una escena intimista, de signo costumbrista, al estilo de los holandeses del siglo XVII, como Vermeer.
Esta corriente intimista encarnada por Kersting es la base de la corriente burguesa Biedermeier ,que se impondrá en Dresde a la solitaria visión de Friedrich.
Una serena sensación de calma y simplicidad doméstica llena este pequeño cuadro,que evoca el ritmo de vida de la mujer del siglo XIX.
Este artista, amigo de Caspar David Friedrich,no quería una representación simbólica y por ello se concentró en crear un efecto de delicada intimidad.
La luz de este interior burgués es cálida, procedente en parte de la ventana abierta al paisaje. La mujer está de espaldas y su rostro se refleja en el espejo, mientras se trenza la melena. Es de suponer que va a salir por el vestido que tiene sobre la mesa y sobre todo por el vistoso sombrero amarillo.

Mujer asomada a la ventana, 1822, cuadro para el que toma como modelo a su mujer, Caroline Bommer

En esta obra de Caspar David Friedrich una mujer de espaldas mira al exterior por una ventana que nos deja que intuyamos un paisaje, posiblemente del río Elba con sus orillas de chopos.
Esta imagen de serena tranquilidad, acorde a la meditación de muchos personajes femeninos del romanticismo yo lo veo más allá de un ambiente puramente cotidiano y doméstico.Creo que en el cuadro hay una serie de símbolos religiosos que aluden a la existencia terrenal y la vida eterna.
La luz que ilumina la habitación cerrada es la vida que se ilumina con la luz de Cristo, indicada por la forma de cruz del armazón de la ventana.
Esta obra que fue expuesta en Dresde en 1822, inspiró los versos del Reise-Erinnerungen al poeta alemán Karl de la Motte Fouqué.