martes, 30 de septiembre de 2008

SALUTACIÓN ANGÉLICA

DANTE GABRIEL ROSSETTI

ECCE ANCILLA DOMINI



INFANCIA DE LA VIRGEN


La Anunciación o Salutación angélica es un episodio de la vida de María en el que un ángel anuncia a la Virgen que va a ser madre de Jesús. La más antigua referencia conocida a este episodio se encuentra en el Evangelio de Lucas Lucas 1:26-38.
La Anunciación no se mencionada en los otros tres evangelios canónicos, pero si es narrada en los evangelios apócrifos.
En estas versiones se introducen ciertos cambios, de los cuales el más importante es que relatan no una, sino dos anunciaciones.
Primero, María va a llenar un cántaro de agua a la fuente y escucha una voz saludándola. Asustada por no entender de dónde viene la voz, regresa a su casa, donde se pone a hilar. Es entonces cuando el ángel se presenta ante ella y le anuncia su maternidad (Protoevangelio de Santiago, capítulo XI).
El tema de la Anunciación es muy frecuente en el arte cristiano. Se representa la Virgen con el arcángel San Gabriel de pie o volando ante ella. A diferencia de la Encarnación en que arcángel se representa arrodillado.
Rossetti en 1850 pinta ECCE ANCILLA DOMINI, que representa una Anunciación donde se exalta la pureza de la Virgen con los trazos de una adolescente atemorizada y algo indiferente, con una palidez que delata un candor espiritual.
Parece confundida y algo enferma.
La presencia del lirio y de la cortina azul entre los tonos blancos son elementos que añaden contenido simbólico a la pintura. La obra es mística y se acerca al eclecticismo de los nazarenos alemanes.
La Virgen aparece vestida con un hábito blanco. Está asustada por la aparición del arcángel, un joven mensajero que aparece de la nada con una túnica que acaba en llamas en los pies.
El arcángel la apunta con la vara de nardos que simboliza la virginidad como si la amenazara con un punzón. El azul da una sensación gélida, inhumana, mostrando una falta de realismo fácil de sentir.
Observamos también que el paño que estaba bordando la virgen en el cuadro de su infancia, aparece aquí terminado.
Fue discípulo de William Hunt y John Everett Millais, y con ellos formó la Hermandad de los Prerrafaelistas, en 1848.
  • En la época en la que vive Rossetti reinaba en Inglaterra la reina Victoria (reinó desde 1837 a 1901). Durante este periodo la sociedad de Gran Bretaña sufrió un tremendo cambio, pasando de ser rural a urbana. La Revolución Industrial y el descomunal aumento de la población provocaron un crecimiento sin precedentes de las ciudades y de todos los núcleos urbanos, acarreando grandes problemas sociales y políticos; pero la expansión del comercio y de la industria crearon gran riqueza especialmente para las clases medias que aumentaron en número y en prosperidad. Sus miembros ganaron confianza en sí mismos y ampliaron sus aspiraciones culturales. Construyeron sólidas casas y las amueblaron con más lujo que antes, adoptaron un estilo de vida más confortable. Se volvieron más cultos leyendo más libros y periódicos y fundaron instituciones culturales y sociales. Se habían creado las condiciones necesarias para el florecimiento del arte.
  • La clase media transformó, gracias a su dinero, el modelo de coleccionismo y su gusto hizo variar el tipo de arte que se realizaba. En el siglo XVIII y principios del siglo XIX los terratenientes, la aristocracia y la alta burguesía tuvieron un papel relevante en el coleccionismo artístico, debido al poco papel de la Iglesia y que el fin de la monarquía absoluta en el siglo XVII supondría que el estado tendría poca participación en el mecenazgo de la pintura.

lunes, 29 de septiembre de 2008

EL DIVISIONISMO EN ITALIA


Color “dividido” para la Italia “ unida”

Entre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX hubo una corriente muy interesante en la
pintura italiana: el divisionismo.
El divisionismo italiano sin ninguna duda se desarrolló a partir del puntillismo francés con una
técnica muy parecida : una trama de pequeños toques de color (en el italiano se trataba de
breves trazos no de puntos como el francés) separados unos de otros, capaces de sugerir
formas ,figuras, colores…
Fue muy significativa la adopción del divisionismo para representar grandes escenas de tema
social, de denuncia del malestar de una nación recién unificada que estaba sufriendo una
dolorosa transformación en algunos sectores de la sociedad.
Los campesinos estaban soportando una nueva forma en una estructura arcaica y esto les hacía sentirse sustituidos por un mundo industrializado que les costaba asimilar, sobre todo en el norte de Italia.


El cuadro que mejor puede manifestar este sentimiento al que me refiero es el de Giuseppe Pellizza de Volpedo titulado "El cuarto estado" (1898-1901) en el que vemos claramente y de modo monumental el avance de una clase de trabajadores del campo hacia los nuevos barrios de las periferias industriales de las nuevas ciudades.

El cuadro marca un ritmo ordenado y las figuras centrales y avanzadas de los dos hombres que encabezan el grupo , con el pie derecho adelantado, fijan la atención del espectador.

En el diálogo del cuadro aparece la indiferencia hacia la bella figura de la mujer con el hermoso niño en brazos mostrando una nota de ternura compartida con la figura infantil de la derecha que es atendida por un hombre.
Son muchas las manifestaciones de descontento de los obreros y aunque resulte demasiado sutil, se puede oír el paso de unos pies cansados pero que no tienen ninguna intención de parar la marcha.
El color pardo con toques grises da uniformidad a la masa de obreros, sólo rota por la luz que parece salir del suelo y el toque cálido del chaleco del obrero que encabeza la marcha.
En ningún momento vemos desafío, ni provocación, ni siquiera valentía…



Pero si vemos el empuje de una masa que mueve hacia adelante el ímpetu de sus reivindicaciones.





sábado, 27 de septiembre de 2008

LA VIRGEN DE LA SILLA DE RAFAEL

Rafael cautiva con esta imagen de la Virgen María serena y natural, apretando al niño adormecido; evocando posiblemente el abrazo perdido de su propia madre que murió cuando él tenía ocho años.
Es la belleza que conmueve.
La Virgen de la silla, que se conserva en la Galería Palatina de Florencia, podríamos verla como una síntesis de la Gioconda de Leonardo y el Tondo Doni de Miguel Ángel , pero este cuadro es diferente a todos porque es la Virgen la que nos mira a nosotros y nos envuelve en un torbellino de afectos y miradas que es único en toda la historia del arte.



LOS OJOS DE LA VIRGEN se vuelven directamente hacia nosotros. Resulta una mirada inolvidable, reforzada por la fuerza centrípeta del tondo y establece con nosotros una relación casi hipnótica.



Otra de las partes claves del cuadro es EL CODO DEL NIÑO JESÚS.
Ocupa el centro geométrico del tondo. Este detalle confirma el control intelectual que ejercía Rafael sobre la composición tan aparentemente natural.
La luz hace que el codo doblado parezca levemente saliente del cuadro y produzca la ilusión de una superficie convexa: eso justifica el movimiento circular impreso al grupo de figuras y también el efecto de retroceso y leve deformación de la figura de San Juanito.
Los pies en movimiento delatan cierto aburrimiento por parte del Niño que está demasiado apretado por el abrazo de su Madre.



Las ropas de la Virgen y el peinado aportan un insólito exotismo por las combinaciones de color, libres y totalmente ajenas a la tradición iconográfica de María (siempre con ropas azules y rojas).
Y ¿por qué el nombre de la Virgen de la silla?
El nombre es por la elegante butaca en la que está sentada María y si la miramos con atención se trata de un mueble valioso, de madera dorada con respaldo de brocado y detalles dorados y púrpuras.
Rafael en definitiva utilizó un doble registro en esta obra:
· Una composición refinada con detalles valiosos y…
· Una conmovedora sencillez que sugiere un ambiente doméstico.










domingo, 21 de septiembre de 2008

EL BIEDERMEIER (1810-1860)

"VIRTUDES PRIVADAS, PLACERES HONESTOS"
El nombre de un movimiento estilístico refleja siempre su carácter, las características de quienes lo han fundado o incluso su intención crítica. El término Biedermeier (del adjetivo bieder = sencillo) tiene su origen en el apellido ficticio de un personaje hipotético de los diarios satíricos de la época (parece ser que el hipotético personaje representaba a un profesor sumiso y tradicional de la región de Suabia).En definitiva un representante de la clase media, de la burguesía alemana que era el público al que iba dirigido el estilo Biedermeier.


El estilo Biedermeier fue desarrollado por alemanes y austríacos; se caracteriza por una notable sencillez, sobriedad y tendencia a difundir lo práctico, con cierta influencia de estilos neoclásicos.
En la pintura el estilo Biedermeier refleja el ambiente burgués, sencillo, gozoso, afable y conformista, realza la estética de la belleza natural y tiene influencia en el arte y el diseño contemporáneos.
A comienzos del siglo XIX la burguesía exigía algo que hasta entonces había estado reservado a un selecto círculo de consumidores: deseaba objetos con estilo propio, hechos de diversos materiales, lo que fue posible gracias a la mejora de los costosos bienes de lujo hasta los sustitutos baratos. sistemas de producción. Así surgió una oferta de amplia gama, que abarcaba desde
Algunos retratistas de este estilo nos acercan al mundo de los afectos domésticos y además nos ofrecen en sus cuadros un notable ejemplo del mobiliario que también recibe el nombre de Biedermeier




El poeta pobre de Carl Spitzweg.
Munich, Neue Pinakothek

Un pintor que consiguió hacer célebres sus imágenes caricaturescas de la sociedad de la época fue Carl Spitzweg. Este pintor bávaro abre un capítulo singular en la pintura de la época de apogeo Biedermeier. Con un humor socarrón se burla de las costumbres burguesas en pequeños cuadros , haciendo honores a las escenas de ridículo ciudadano que presenta.
La enorme popularidad de sus cuadros se explica porque estos hablan del ciudadano medio.
Y...
¿Qué estaba pasando en España?

En España este período coincide con los reinados de Fernando VII e Isabel II.
El gobierno reaccionario de Fernando VII sumerge a España en una época de regresión hacia el despotismo y el absolutismo monárquico, y de retraso respecto del resto de Europa.
Durante el reinado de Isabel II se producen tímidos intentos de desarrollo frustrados en parte por las guerras carlistas. Como resultado de todo esto, se presenta una España muy poco propicia a dejarse influir por las tendencias literarias alemanas, más adecuadas para una burguesía conformista en un momento político estable, que para una sociedad pobre y subdesarrollada en comparación con otros países europeos, y mucho más activa políticamente hablando.
No obstante, hay algunas similitudes: Larra y su romántico pistoletazo final (se suicidó pegándose un tiro en la sien) fue el introductor de las novelas por entregas y de los artículos periodísticos, muy del gusto de la burguesía de la época

sábado, 20 de septiembre de 2008

ARMONÍA EN ROJO DE MATISSE

“El color debe ser pensado, soñado, imaginado”

Matisse es el gran solista del color en la pintura del siglo XX y también de la curva y del sentido decorativo. La obra de Matisse es el recurso imprescindible para explicar los tres elementos de la pintura.
¿Dónde descubriría Matisse ese color que nos ofrece en sus cuadros?
Es probable que su formación fuera entre los recuerdos del color de Van Gogh
(postimpresionista), Gaugín e incluso del simbolista Gustave Moreau.

¿Dónde encontró la inspiración en la utilización de formas curvas?

Estoy segura que enriqueció su horizonte visual con las estampas japonesas, las cerámicas persas, las telas del mundo árabe…

¿ Y el sentido decorativo?
Está claro que Matisse tras la experiencia en el mundo de los pintores fauvistas a partir de 1907 estableció un “diálogo” con Picasso y el cubismo y se acercó a una reducción esencial de los contornos y descompuso la figura humana partiendo de líneas geométrica, pero mantuvo intacto el gusto por el color luminoso, por la evocación de un ambiente y por el sentido decorativo.





En Moscú, en 1911, se ocupó de colocar sus pinturas en las colecciones rusas y contribuyó al desarrollo de las vanguardias rusas.


Y allí en el museo Ermitage encontré la armonía del color, la curva y el sentido decorativo:
LA HABITACIÓN ROJA que él llamó Armonía en rojo
Se representa un comedor donde todos los elementos que forman la pintura se subordinan al color puro e intenso. Predomina el rojo, uno de los preferidos de Matisse, y se puede observar que utiliza el color de forma subjetiva (pelo naranja, copa de árbol blanca, vino amarillo...). El dibujo curvilineo se esquematiza y las formas se simplifican al máximo. No hay volumen. Son espacios planos (Gauguin) el espacio olvida la perspectiva totalmente (bidimensionalidad), llegando incluso a que la decoración y el color del mantel y la pared sea igual, hasta confundirse ya que prescinde de las diferencias de tonalidad, de sombras o claroscuro para el interior.

Se representa un comedor donde todos los elementos que forman la pintura se subordinan al color puro e intenso. Predomina el rojo, uno de los preferidos de Matisse, y se puede observar que utiliza el color de forma subjetiva (pelo naranja, copa de árbol blanca, vino amarillo...). El dibujo curvilineo se esquematiza y las formas se simplifican al máximo. No hay volumen. Son espacios planos (Gauguin) el espacio olvida la perspectiva totalmente (bidimensionalidad), llegando incluso a que la decoración y el color del mantel y la pared sea igual, hasta confundirse ya que prescinde de las diferencias de tonalidad, de sombras o claroscuro para el interior.

Se pone de manifiesto una característica peculiar de Matisse, que lo diferencia de otros pintores fauvistas, su gusto por la ornamentación que se pone de manifiesto en los arabescos. Esta característica es la que alejará a Matisse de otros pintores fauvistas y la que provocará que el grupo se disgregue
La obra fue realizada para un coleccionista ruso, y se había realizado originalmente en azul y verde, pero a Matisse no le gustó y lo repintó en rojo.
Al principio del s.XX el mundo de la pintura se encontraba en una fase de agotamiento. El Impresionismo ya se consideraba algo antiguo, y los postimpresionistas, que habian iniciado trayectorias nuevas, o habían muerto (Van Gogh) o se habían refugiado en particularismos.


En la pintura tradicional se había logrado casi todo.
A principios del s.XX los jóvenes pintores querían llegar a algo nuevo y buscar nuevas formas de expresión y divulgación de su obra. Esto implicaba la necesidad de un ambiente de libertad para buscar normas, conceptos, técnicas..., es decir libertad de creación. París, desde finales del s.XIX, se había convertido en un espacio de libertad y alegría que permitía el contacto entre artistas, y facilitaba la germinación de diferentes movimientos pictóricos, los llamados "ismos", como el fauvismo o el cubismo. En este ambiente se inaugura en 1905 el III Salón de Otoño, donde expondrán en una de sus salas los que serán denominados fauvistas.
Es una época dominada por las transformaciones y el progreso científico y técnico (2ª Revolución Industrial), convirtiéndose la modernidad o sustitución de lo viejo por lo nuevo en el principal valor. Para algunos historiadores los diez primeros años del s.XX, suponían el auge de Europa como potencia mundial. El concepto de "superioridad del Viejo Mundo" lo preside todo.
Si bien EEUU habia iniciado su despegue económico, no alcanzó hasta la 1ª Guerra Mundial a Europa. Esta superioridad se pone de manifiesto en el dominio técnico, económico, político (imperialismo), e intelectual. Todo ello produce en Europa una confianza en si misma que se pone de manifiesto en el mundo cultural y artístico. Esto influirá en los jóvenes pintores vanguardistas que se atreverán con nuevos ensayos para superar la pintura tradicional; estaban naciendo las VANGUARDIAS HISTÓRICAS y Matisse será uno de los vanguardistas.
Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis (norte de Francia), en 1869, en el seno de una familia de comerciantes. Aunque estudió Derecho, durante una enfermedad empezó a pintar, convirtiendo esta afición en su profesión.
Se instaló en París donde ingresó en la Escuela de Bellas Artes recibiendo lecciones del simbolista Moreau y copió obras clásicas del Louvre. Sus primeras obras son impresionistas, y después puntillista por influencia de Signac,

( El movimiento fauve y la primacía del color)( http://www.hermitage.ru/


domingo, 14 de septiembre de 2008

LA OTRA MITAD DEL IMPRESIONISMO (Berthe Morisot y Mary Cassatt)


RETRATO DE BERTHE MORISOT

En los años de desarrollo del impresionismo dos pintoras alcanzaron en París una excelencia artística. Este fenómeno no se dio en la literatura ni en la música francesa de esos años.

Morisot fue alumna de Corot y cuñada de Manet.
Sus cuadros son íntimos y captan el silencio de los interiores dejando sentir la ternura de sus personajes anticipando el arte de Vuillard y Bonnard


EL ESPEJO


En la obra de Morisot, EL ESPEJO, los tonos claros dan al interior una luminosidad difusa y dejan entre los objetos, las telas y el espejo una trama de relaciones psicológicas.




RETRATO DE MARY CASSATT
Cuando empezó la guerra Franco-Prusiana regreso a los Estados Unidos, a su pequeño pueblo Allegheny City donde vivió con su familia. Su padre aun continuaba resistiéndose a aceptar su vocación por lo que la ayudaba solo con sus necesidades básicas y no con materiales artísticos, los cuales además eran muy difíciles de conseguir.
En 1871 fue comisionada por el arzobispo de Pittsburg a realizar unas copias de pinturas en Italia, Mary aprovechó la ocasión y viajó por toda Europa.
En 1872, maduró mucho en su estilo y su maestro Camille Pisarro la ayudó todo lo que pudo y ese mismo año una de sus pinturas fue aceptada por el jurado para ingresar en el Salón de Paris.



NIÑAS JUGANDO EN LA PLAYA

Los críticos dijeron que sus colores eran muy brillantes y que sus retratos demasiado fieles para favorecer al modelo. Pero ella se sentía muy motivada por el color y los retratos que transmitían una sutileza femenina que llegaba a provocar un escalofrío de emoción, como es el caso de Niñas jugando en la playa de 1844, en el que al retratar los serenos juegos de las niñas en la arena del litoral la pintora tuvo la delicadeza de situarse como aparte, para no molestar a las niñas y observarlas con ternura.
Después de ver la obra al pastel de Edgar Degas en la ventana de una galería de arte, supo que no estaba sola en su rebelión.
En una carta a un amigo encontramos lo siguiente:
"Solía aplastar mi nariz contra las ventanas para absorber todo lo que podía de su arte...Cambió mi vida, desde entonces pude ver al arte del modo que siempre quise verlo".

Por fin en 1874 conoció a Edgar Degas quien la invitó a exhibir su trabajo con los impresionistas, lo que finalmente ocurrió en 1879. Poco después de su triunfo con los impresionistas, Cassatt dejó la pintura para hacerse cargo de su madre y hermana quienes enfermaron. Su hermana murió en 1882 pero su madre se recuperó y Mary Cassatt retomó la pintura .
Permaneció unida al círculo de los impresionistas sólo hasta 1886, pero su amistad con Degas y Berthe Morisot siguió.



MUCHACHA PEINÁNDOSE

Hacia 1886, ya no se identificaba con el impresionismo ni con ningún otro movimiento artístico y empezó a experimentar con varias técnicas.
En su trabajo podemos ver escenas domésticas y retratos de madres e hijos en íntima relación.


jueves, 11 de septiembre de 2008

Cefalù (Sicilia) una preciosa ciudad costera con insinuación de misterio árabe.

Todo el que visita Cefalú descubre la luminosidad de sus colores cálidos y su magnífico entorno: preciosas cuevas menores, ensenadas y playas, escarpados acantilados rocosos que bajan hasta el mar, olivares, huertos de naranjos y limoneros difundiendo el intenso aroma de sus flores, los montes arbolados... .Las maravillas naturales encuentran contrapeso con las obras de arte como la impresionante Catedral normando-árabe, los deslumbrantes mosaicos dorados del Pantocrator, el lavadero medieval,
lavadero medieval


...y la enigmática sonrisa del "Hombre desconocido" de Antonello Da Messina.

Tal vez resultó la búsqueda de aquel pequeño retrato lo que nos llevó a considerar un pequeño museo interdisciplinario: el museo Mandralisca, (incluye piezas arqueológicas, cuadros, colecciones malacológicas, muebles…)
Allí estaba el retrato de un hombre, que Antonello había pintado inspirado indiscutiblemente en modelos flamencos, pero con un aire italianizante y moderno diferente a los retratos de Memling que se importaban en aquellos años desde Brujas.


El retrato del "Hombre desconocido" (de aprox. 1470), con una enigmática sonrisa, con una nota de viveza expresiva y de relación directa con el visitante , se encontraba destacado sobre un fondo oscuro, y Antonello había recurrido a una gama muy limitada de blancos y negros que centraban la atención en la mirada del hombre.
Según la tradición habría sido encontrado por el barón en Lipari adaptado como la puerta de atrás de una farmacia. El personaje tal vez era un rico noble.
Sin duda los rasgos son de un hombre mediterráneo .
Antonello da Messina (siciliano) causó hondo impacto en otros pintores del sur de Italia, sobre todo por la utilización de las técnicas de los pintores flamencos.
Vasari consideraba que había sido discípulo de Van Eyck y que de ahí le venía la influencia; sin embargo, parece que Messina no viajó por Flandes o los Países Bajos.
Estas son las palabras de VASARI:

D(atur) O(mnibus) M(ori) ANTONIVS PICTOR PRAECIPVVM MESSANE SVAE y SICILIAE TOTIVS ORNAMENTVM HAC HVMO CONTEGITVR NON SOLVM SVIS PICTVRIS IN QVIBVS SINGVLARE ARTIFICIVM y VENVSTAS FVIT SED y QVOD COLORIBVS OLEO MISCENDIS SPLENDOREM y PERP y VITATEM PRIMVS ITALICAE PICTVRAE CONTVLIT SVMMO SEMPER ARTIFICVM STVDIO CELEBRATVS.

Todos hemos de morir, Antonio pintor principal gloria de su Messina y de toda Sicilia, no solo por sus pinturas de singular habilidad y belleza, con el color del óleo fue el primero en dar esplendor en Italia a la pintura, siempre los grandes artistas lo celebrarán.

martes, 9 de septiembre de 2008

EL ESCENARIO NORTEAMERICANO EN PLENA DEPRESIÓN DE LOS AÑOS 30

Gótico americano, de Grant Wood (1930)


Grant Wood se relaciona con el movimiento estadounidense del Regionalismo que se localizó sobre todo en el Medio Oeste.

Fue uno de los tres artistas que más se les relacionó con este movimiento. Los otros, John Steuart Curry y Thomas Hart Benton, regresaron al Medio Oeste en los años 1930 debido a los ánimos que les dio Wood y la ayuda con cargos docentes locales para ellos en universidades en Wisconsin y Kansas respectivamente. Junto con Benton, Curry, y otros artistas regionalistas, la obra de Wood fue comercializada a través de Associated American Artists en Nueva York durante muchos años.

No hace falta ser un especialista en historia del arte para haber visto alguna vez el cuadro más famoso de Estados Unidos: «Gótico Americano».
Esa extraña pero reconocible pareja de «americanos profundos» lleva desde 1930 posando frente a su peculiar casa.
Tres cuartos de siglo mirando al mundo como figuras inquietantes, sobre un pedestal contemporáneo de ironía algo siniestra.
Como parte del culto generado por este estilizado cuadro, de inspiración renacentista, no puede faltar una visita al pueblecito de Eldon, al sur de Iowa, donde se halla la casa original que con su caprichosa ventana sirvió de inspiración a Wood mientras estaba paseando en coche por la zona.
El artista, intrigado, llamó a la puerta solicitando a sus ocupantes permiso para fotografiar su fachada. Ante el compromiso, se dice que la señora de la casa y sus hermanas decidieron lavar todas las cortinas antes de que Wood tomara fotografías e hiciera bocetos de la casa.
Junto al porche emblemático, el otro pilar de este lienzo es la retratada pareja.
El cuadro fue expuesto por vez primera en el Instituto de Arte de Chicago donde aún se encuentra hoy en día.


Actualmente, la pintura es parodiada con frecuencia en la cultura popular, y sigue siendo uno de los ejemplos más notables del regionalismo.


viernes, 5 de septiembre de 2008

CORREGGIO Y PARMIGIANINOConfrontación entre la belleza y la elegancia)

En la Italia padana, concretamente en la ciudad de Parma, entre los años veinte y treinta del siglo XVI, dos pintores locales dieron vida a un diálogo entre la imagen generosa de la la belleza y el valor intelectual de la elegancia.
Uno de ellos, Correggio (Antonio Allegri) elaboró una vía para el renacimiento que abría las puertas a la luminosidad y la fluidez del estilo barroco mostrando un impresionante atrevimiento con la perspectiva.
Correggio, renovó la estructura clásica de los cuadros y de los retablos y las escenas mostraban una gracia y un sentido de la belleza que estaba abriendo una nueva vía en la pintura.
La escena en la que Zeus (Júpiter) , transformándose en una nube, abraza, besa y provoca el desmayo de la ninfa Io es verdaderamente prodigiosa. La nube divina envuelve el liso cuerpo de la muchacha, apretándolo en un suave e irresistible abrazo




El otro pintor, quizá más tenso y cerebral, Parmigianino, (Francisco Maria Mazzola) fue un contrapunto a su maestro Correggio y está claro que su propuesta en pintura era una sofisticada versión del naciente manierismo.
Su obra y su personalidad presentan el primer manierismo toscano. Para él la función del arte era trasmitir sensaciones exquisitas y excitantes, para lo cual tuvo que crear una necesaria artificiosidad que le permitía conseguir efectos de mágico hiperrealismo como en el retrato de joven mujer llamada Antea, del museo Capodimonte de Nápoles .